I have to say that the brightest point about the new year is that we have now moved into a decade that should be easily referred to. Gone are the “teens” or whatever we called the last ten years, so bring on “the twenties!” Whether they are “roaring,” “soaring,” or simply “boring” remains to be seen. (And yes, it is a new decade. It has been proven beyond doubt.)
And, as happens every year, it is now time for me to expose my ignorance and nonsensical notions by attempting some predictions about what may come to pass in this fresh new year.
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I have to say that the brightest point about the new year is that we have now moved into a decade that should be easily referred to. Gone are the “teens” or whatever we called the last ten years, so bring on “the twenties!” Whether they are “roaring,” “soaring,” or simply “boring” remains to be seen. (And yes, it is a new decade. It has been proven beyond doubt.)
And, as happens every year, it is now time for me to expose my ignorance and nonsensical notions by attempting some predictions about what may come to pass in this fresh new year.
The history of this ritual is documented. You can go back and see just how often I am wrong, which ranges between “almost always” and “damn near always.”
As always, each prediction is worth ten points, with partial credit available. And, just because it comes up now and then, I will remind people that predictions are not wishes. What I think will happen and what I want to happen are generally pretty different.
1 – Daybreak Up
When your predictions don’t come to pass… well, maybe you were just ahead of your time. So I am going to recycle this one. By the end of the year Daybreak Games won’t exist in its current form. New owners, new acquisitions, new partners, or just spun out into a couple smaller studios built on geographical locations (San Diego and Austin being the basis), there will be drastic changes.
2 – Norrath Forever
Pessimism about the company overall aside, I expect the EverQuest franchise, fresh off a couple of big anniversaries, to continue humming along as before no matter where it lands. There will be the usual content updates mid-cycle, a special server launch for each, and then the standard end-of-year expansions for each game. You don’t mess with things that are working.
3 – Struggling Royales
H1Z1 and PlanetSide Arena will both be toast on the PC platform. I wrote this before we got the word on PSA. I won’t take half credit up front. The burden will just be on H1Z1 or Z1 Battle Royale or whatever it is called now, to prove me wrong.
4 – PlanestSide Promises
Daybreak has been telling people they will have a big PlanetSide 2 related announcements in the new year. But no matter what they announce, it will fall flat. Daybreak has another game in decline and cannot figure out what to do about it. I guess when your only answers in your bag are “battle royale” and “retro server,” you are kind of stuck. What else do they have? PlanetSide 2 on the Switch? Expect little and you won’t be disappointed.
5 – Unexpected Party
Standing Stone Games will take a page from their… well… we still aren’t sure how Daybreak and SSG are connected so lets just say “partners” for now… partners in San Diego and roll out a new special rules Lord of the Rings Online server. Like Blizz, SSG needs something splashy for LOTRO for its non-expansion years and the 2018 LOTRO Legendary server went pretty well for them. However, rather than just replaying the nostalgia card once more they will make up a much more convoluted rule set for this new server. It will go badly.
6 – Avatar’s Shroud
Lord British has washed his hands of the whole thing and the new company (Catnip Games, no doubt because you’d have to be on drugs to think things are going well) has already reneged on more promises, a sign that times are bad for this strange, very much not for everyone title. I expect that online play will be shut down before the end of the year, leaving backers with local single player as their only option.
7 – Shadowlands Forseen
I am calling an August 18th launch for the next WoW expansion, Shadowlands. That month has become the Blizz sweet spot for WoW launches. Not a lot else tends to launch in August, there is the summer for pre-expansion events, and things tend to settle down by BlizzCon when the company likes to start talking about the next thing. 2 points lost for every week I am off the date.
8 – BlizzCon Announcements
Read my lips: No new games. Just reworks, remasters, and expansions of the current games and franchises. Maybe a mobile version of something… a tablet version of StarCraft or a watered down phone game with a Warcraft theme… but nothing new. Need more pylons.
9 – Diablo Before
At BlizzCon there will talk about Diablo IV, along with some art and a bit of game play video. What there won’t be is a release date announced in 2020.
10 – Wait of Immortals
For reasons that will not be disclosed, Diablo Immortal will fail to ship again in 2020.
11 – Classic Future
At BlizzCon, and not one minute before, Blizzard will announce a very conservative, no dates given save for maybe with a hint towards summer of 2021, plan for a classic server based on The Burning Crusade.
12 – Activision Encroachment
By the end of the year the Battle.net launcher will feature the Activision logo more prominently as it becomes the Activision-Blizzard launcher. No need for the team in Santa Monica to roll out their own launcher when the team in Irvine already has one.
13 – New Eden in Decline
As mentioned before, CCP has gone into a very tactical phase of development with EVE Online. That isn’t a bad thing. The game needs it. But there is no vision for the game, no future path being sketched out, and space nerds require optimism and forward motion. Retaining another percent or two of new players won’t help much if the old guard can’t pass on enthusiasm to them. I expect the 2020 PCU and MER numbers to show a slow, consistent decline.
14 – The Eternal POS
CCP will fail to remove the storied Player Owned Starbase from New Eden yet again. They are growing exceedingly rare, but they are still out there.
15 – CSM XV
The usual round of CSM election nonsense will carry on. In the end, it will be eight null sec representatives dominating the council again, with any null sec incumbent that runs getting returned.
16 – HyperNet Relay End Point
CCP will shut down its HyperNet Relay within a year of it launch due to issues related to local gambling regulations, which will be spurred by the situation in the next prediction. It is always a risk to chain predictions together, but I’ll go there yet again.
17 – Gacha Movement
After predicting no movement on lockboxes and gambling for a few years now, the pot seems to have heated up enough that the frog might be in trouble in 2020. My assumption up to this point has been that the industry wouldn’t be dumb, that the ESA would promise that the industry would police itself with a few concrete proposals while dumping a lot of contributions on key political players. But the industry has been greedy and dumb and arrogant and even antagonistic, what with “surprise mechanics” and trying to upstage hearings on the subject by loudly announcing a set of empty promises. You have to look contrite and helpful in order to give politicians the cover they need to roll over and take your bribes contributions. Also it is a presidential election year in the US, so politicians will be looking for softball issues to champion, and when the NRA is telling you that video games cause violence… Anyway, the industry is going to have to actually put up something real to avoid regulation beyond Belguim. Look at what happened to Juul when politicians decided it was a safe vote getter to jump on vaping.
18 – Guild Wars Decline
With the contractions and departures at ArenaNet, Guild Wars 2 will potter along with small updates, bits of content dressed up as living story seasons, and replays of tried and true things like the Super Adventure Box. The game won’t be in “maintenance mode” the way Guild Wars is, but it will be clear a year from now that its heyday has passed.
19 – City of Villains
NCsoft will finally make a public announcement about the City of Heroes servers out in the wild using the original code. It will come from a lawyer and will include the words “cease” and “desist.” NCsoft will attempt to stomp out these servers and will force them to be much lower profile than they have been in 2019. But they won’t go away. Software, once freed, is very difficult to contain.
20 – New World Order
Amazon’s New World will be delayed past May to launch in the fall. Once launched it will be… fine. An Ark: Survival Evolved kind of game, probably what Smed wishes H1Z1 had been like at launch. It won’t break any new ground and after a flash at launch will fade into the crowd, successful but not headline worthy.
21 – Won’t Ship Yet Again
The following titles won’t go live or otherwise be available to customers in any way that we would agree on was complete. Early access, open beta, or eternal alpha states do not count. Two Points per title.
Camelot Unchained
Crowfall
Torchlight Frontiers
Dual Universe
Anything at all from Chris Roberts
I’ll go negative points on that last one if he ships two things. But I think we all know that isn’t going to happen.
22 – GameStopped
The only way GameStop is going to be around a year from now is if they shed enough weight to make it into the Christmas season. Black Friday might as well be “life or death” Friday for them. But I don’t think they will make it that far unscathed. In order to get the freedom of movement required to get that far they are going to have to declare chapter 11 bankruptcy. That will let them get out of store leases and give them the breathing room to carry on. But even then they will be a shell of their former selves by the time I write up the results post come December.
23 – Steam Engine
Life as usual for Steam. The four usual seasonal sales. Epic will keep sniping away and trying to get people to pay attention by throwing free games at them while most people will still see Steam as the default source of PC games. It is the post office of gaming. Steam will continue to revise their game acceptance policy, but otherwise carry on as always with no big changes in 2020.
Bonus Prediction – Guild Wars 3 Announced
Sure, why not? Guild Wars 2 is slowly ebbing, NCsoft needs something to keep fans in that area happy, and I am sure there is a crew around that believes they have learned enough from GW2 to do it RIGHT this time! They don’t have to ship anything. At most they have to do some hand waving about another monuments thing for specific achievements, which will get people grinding away again. Give me 10 bonus points if this comes to pass, though it is so out there that I ought to ask for more.
Super Double Bonus Prediction – PA buys Daybreak
This one came up a couple months back when Daybreak was registering new names for itself and CCP announced that EVE Vegas was going to become EVE San Diego. The obvious (to me) conclusion was that Pearl Abyss MUST be buying Daybreak and then merging their fan events together. I left this as a comment and it became a post over at Massively OP. I figured I ought to codify it here as a prediction. Have a couple of drinks and say it three times fast and it sounds pretty logical. And if it comes to pass I want 20 bonus points.
Scoring
That gives me 230 possible points from the core questions, plus the extra credit bonus questions. Now I just have to sit tight and wait for eleven and a half months to see what comes to pass.
It is the new year, a time when people assess what happened in the past twelve months and try to predict what will come in the next.
The past is a open book. We can quibble about the why and how, but the results are immutable: World or Warcraft went from huge to somewhat more huge, Vanguard stank on ice, and most of 2007’s most anticipated MMOs became 2008’s most anticipated MMOs.
The future though, that is virgin territory. Nobody really knows what is going to happen, and the truly wise keep their own council. Smarter and more knowledgeable people than myself are trying to foresee what is to come in 2008.
And even they shy from being too precise, seeming to channel more of Nostradamus than Jeane Dixon with predictions like “a game company will close down,” “another big name MMO will fail,” “some more former Blizzard employees will be mentioned in a press release about a new game studio,” and “Two countries will go to war, but only one shall be victorious.”
In that sort of environment, lukewarm predictions that follow the status quo, all the average player can be expected to make, are worth nothing.
The only resort for the silly and ignorant like myself is over the top!
With that in mind, here are my predictions for 2008:
1. Age of Conan
Funcom‘s Age of Conan will release on the promised March date, but their plan to make a more “adult” MMORPG will backfire horribly. They will go too far and Conan will actually spend several months as a major campaign issue in the 2008 US presidential election, only to be overshadowed in October by scientific evidence that Barak Obama is actually black.
Even in permissive European countries that sell children’a cough syrup laced with codeine over the counter, the public and governmental reactions to the graphic depictions of sex and violence in the game will make the team in Oslo really wish they had stopped after the /teabag emote.
Angry protesters will flock to their headquarters and the news will carry images of people holding up “/snuff funcom” signs. The more graphic commands, all taken straight from the game, will be too much for the news to display.
Later, after the company has been liquidated out from underneath them, the Funcom team will reminisce about how the Anarchy Online launch really wasn’t all that bad.
2. The Agency
The Agency, SOE’s spy-action MMO will disappoint all when it turns out to be an elaborate tie-in for the upcoming “Get Smart” movie. The game will be flat and lifeless and the NPC interactions will consist primarily of catch phrases from the movie. The missions will be entirely made up of scenes from the movie. This might have been okay, but the movie itself will bomb at the box office, with even Roger Ebert giving it a thumbs down.
A movie will show up on YouTube that purportedly shows John Smedley cutting off the tip of the little finger of his left hand before his superiors at Sony as atonement for this error. While the authenticity of the video is never verified (it is pulled from YouTube within 24 hours) the fact that nobody ever seems to see Smed’s left hand after that point leads to much commentary.
3. BioWare
BioWare will stay quiet for most of the year before finally admitting that they are not, in fact, working on an MMO and were just yanking out collective chains. A representative from LucasArts will confirm this and call us all “suckers.”
This will only spur greater excitement and speculation as to what kind of MMO BioWare is making.
4. Gods & Heroes: Rome Rising
After months of quiet, this game will appear in the news again after the rights, name, code, and all assets related to Gods & Heroes are purchased by Electronic Arts and placed under the EA-Mythic banner. Targeted for release in 2010, it is seen by some as a ploy by EA to beef up their MMO portfolio, but Marc Jacobs says that the essence of the game is sound and that it will be a solid, polished title by release, worthy of the EA-Mythic name.
5. Pirates of the Burning Sea
While launching slowly for the most part in the United States, Pirates of the Burning Sea will find a surprise and ardent following in Europe. Specifically in Britain, France, and Spain where the game will whip up a wave of nostalgic nationalism. The rate of subscription in these three countries will astound all observers and will drive demand locally for higher end PCs capable of running the game. The rivalries unleashed by the game will become so intense that by the end of the year two countries will go to war, but only one shall be victorious.
6. Star Trek Online
The ghost of Gene Roddenberry, propelled from its final resting point in space by the centrifugal force of the constant spinning brought on by Perpetual‘s actions, will possess Daron Stinnett and teach him the true message of Star Trek. Daron’s ability to faithfully articulate this vision will allow Perpetual to come back from the brink via a raft of new funding. Star Trek Online will become the darling investment of Wall Street.
The game produced, which will hit the shelves in 2010, will be a beautiful and deep simulation of life both in and out of Starfleet Command in the 25th Century. It will be hailed by critics and Star Trek fans alike. It will immediately attract a very strong following.
Unfortunately, that following will be too small to sustain the game, as life in the 25th century is only interesting to critics and Star Trek fans. The rest of us will ooh and ahh, then go back to playing something less beautiful but less boring.
7. Tabula Rasa
General British will end up getting ganked in Tabula Rasa before the end of 2008, as Lord British was in Ultima Online in 1997.
In a twist of fate common to bad fiction and end of year predictions, an investigation will show the following similarities between the two events that will stir up conspiracy theories and mystical pronouncements for years following the actions:
The names on the accounts of both gankers contained the same number of letters
Both gankers were born in ’78
Both gankers were Southerners
Both gankers were banned from the games before they could answer questions
Both victims were ganked on a Friday
Both victims were ganked from behind
Both victims had the same last name (British)
Both victims had, as some point, been warned about going to Dallas
Both victims were ganked in the presence of a “Blackthorn,” Lord Blackthorn in UO and Colonel Blackthorn in TR
Lord British was ganked in a castle and the attacker hid in a fortified campsite, while General British was ganked in a fortified campsite and the attacker hid in a cave in a mountain that, when viewed from the right direction and angle, looks like a castle
For years following the events, versions of this list, often with unverified additions, will be printed on T-shirts, mouse pads, posters, trading cards, and wall plaques.
8. Vanguard
The Return of Aradune! Brad McQuaid, having canvassed enough rest homes, bus stations, turnip trucking companies, and Ron Paul rallies, will reappear on the scene before mid-2008 and wrest the still struggling Vanguard from SOE.
Wrest might actually be too strong a word. SOE head John Smedley will protest publicly while quickly and quietly hanging the milestone that is Vanguard back around McQuaid’s neck.
The vision will be proclaimed again! Dozens will flock to the McQuaid banner and the subscriber base will double!
Then nothing will happen for two years and the whole thing will fall back in SOE’s lap again for a tiny fraction of the price for which they sold it.
9. Warhammer Online
Scared straight by the Conan debacle, Warhammer Online will slip further into 2008, and will only ship after the US presidential elections and the short war in Western Europe. While getting decent but not extravagant reviews, it will get a significant subscriber boost from players leaving other MMOs. This timing will allow Marc Jacobs to declare success immediately.
In order to keep interest up during the long delay before release, EA-Mythic will announce the “Mythic Ticket” subscription plan that will allow players access to all EA-Mythic online games, including Warhammer Online, Ultima Online, Dark Age of Camelot, and Gods & Heroes for a single monthly fee of $19.95.
10. World of Warcraft
The failure to ship the promised expansion, the Wrath of the Lich King, in 2008 will finally take the shine off of the land of Azeroth. While Asian numbers will remain healthy based on the strong PvP following and the late release of the Burning Crusade, a precipitous fall in subscriptions in the US and Europe and the consequent decline in revenue will put the fear of Wall Street into the corporate masters at Vivendi. Star Craft II will soften the blow some, but it will be released so late in the year that it won’t be able to make up for the droves of departing subscribers.
The team at Vivendi’s HQ will not swallow Rob Pardo‘s line about polish. They will want action and they will want it ASAP.
Michael Morhaime will be sacrificed to satisfy the financial markets and Vivendi will hire a top notch executive search team to find a replacement. The search will end when a proprietary computer algorithm reveals a single true match for the position.
Negotiations will commence. Offers and counter-offers will fly. In the end, the positions occupied by both Michael Morhaime, Frank Pearce, and Rob Pardo will be will be filled by Tobold.
The three former Blizzard execs will be the subject of an early 2009 press release about the formation of a new game studio.
[Addendum – The year has passed and my predictions have been scored here.]
David Bowie, The Lost Sessions, Vol 1, 2020 on Parachute Recording Company
Another Parachute Recording Company release, which collects radio broadcasts subject to different copyrights in the EU.
In this case, that includes appearances Bowie made on:
Radio Caroline 1966
Top Gear, December 18th, 1967
DLT Show, October 20th, 1969
The Sunday Show, Feb 5th, 1970
Sounds of the Seventies, March 25th, 1970
As is not uncommon with bootlegs, some tracks are misidentified / mislabelled: C14 is not Janine but the 4:42 version of “The Width of a Circle,” and C15 is not “The Wild Eyed Boy From Freecloud” by is actually “Janine.”
These same recordings appeared on an earlier CD bootleg titled The Lost Sessions (Rare Radio Recordings) on Leftfield Media, from whom the LP’s tracks are said be licensed.
I can’t bypass any Bowie bootlegs – audio quality here is mixed, so perhaps only for the truly devoted. My copy via Waterloo Records in Austin TX
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David Bowie, The Lost Sessions, Vol 1, 2020 on Parachute Recording Company
Another Parachute Recording Company release, which collects radio broadcasts subject to different copyrights in the EU.
In this case, that includes appearances Bowie made on:
Radio Caroline 1966
Top Gear, December 18th, 1967
DLT Show, October 20th, 1969
The Sunday Show, Feb 5th, 1970
Sounds of the Seventies, March 25th, 1970
As is not uncommon with bootlegs, some tracks are misidentified / mislabelled: C14 is not Janine but the 4:42 version of “The Width of a Circle,” and C15 is not “The Wild Eyed Boy From Freecloud” by is actually “Janine.”
These same recordings appeared on an earlier CD bootleg titled The Lost Sessions (Rare Radio Recordings) on Leftfield Media, from whom the LP’s tracks are said be licensed.
Beyond ‘Goats Head Soup’: About The Rolling Stones’ ‘All the Rage’ (2020)
If you like this, please consider making a donation. Your support helps to pay for the site's maintenance costs. All donations are voluntary, you'll still be able to access all content. Thank you!
Rolling Stones songs: All the Rage
I like to be in a classic look/ I wanna be cool and smart/ I want a face who’ll launch a thousand ships/ And break a million hearts…
Written by: Jagger/Richards Recorded: Dynamic Sounds Studios, Kingston, Jamaica, Nov-Dec. 1972; Overduns at Mick Jagger’s home studio, Pocé-sur-Cisse, France, Apr. 2020 Guest musicians: Nicky Hopkins (piano), unidenti
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Beyond ‘Goats Head Soup’: About The Rolling Stones’ ‘All the Rage’ (2020)
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Rolling Stones songs: All the Rage
I like to be in a classic look/ I wanna be cool and smart/ I want a face who’ll launch a thousand ships/ And break a million hearts…
Written by: Jagger/Richards Recorded: Dynamic Sounds Studios, Kingston, Jamaica, Nov-Dec. 1972; Overduns at Mick Jagger’s home studio, Pocé-sur-Cisse, France, Apr. 2020 Guest musicians: Nicky Hopkins (piano), unidentified musicians (cowbell, percussion) *Data taken from Martin Elliott’s book THE ROLLING STONES COMPLETE RECORDING SESSIONS 1962-2012
This track originates from the Goats Head Soup sessions in Jamaica. Mick Jagger described it as a quintessential Rolling Stones rock song, although it was incomplete at the time. He explained, “That’s like a very Rolling Stones rock track. That wasn’t finished, it didn’t have a finished vocal or many lyrics, so I had to finish that one. But the guitar parts, I think, were all done. Might have added percussion, but that’s what you would have done anyway—added a bit more maracas and stuff afterwards”. Composed by the iconic duo known as the Glimmer Twins, the song circulated on various bootlegs under the eye-catching title, You Should Have Seen Her Ass. This alternate version added a bit of rock ‘n’ roll mischief to the track’s history, keeping in line with the Stones’ rebellious spirit.
The reason this track wasn’t fully completed during the Goats Head Soup sessions is likely because it bore too much resemblance to Silver Train, which made it onto the album. It also shared musical elements with other Stones classics like Brown SugarandHonky Tonk Women giving it a sense of déjà vu. Lyrically, Mick Jagger portrays a rock star grappling with the inevitable march of time (as hinted in the line “I know the clock is ticking”) and yearning to break free from the metaphorical cage built by fame, fans, and public expectations. This desire for escape, combined with the fear of descending into madness, fuels the song’s raw energy. The intensity and frustration embedded in the lyrics capture the Stones’ signature rebellious spirit, making this an embodiment of the band’s gritty rock ‘n’ roll ethos.
Rolling Stones Unreleased: ‘You Should Have Seen Her Ass’ (1972)
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you should have seen her ass
Rolling Stones unreleased: ‘You Should Have Seen Her Ass‘
ALL ABOUT THE ‘GOATS HEAD SOUP’ EXPANDED EDITION: WHAT YOU’LL GET AND WHAT YOU WON’T
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Last February, while shaping up for the new No Filter Tour in the USA, originally planned for mid-year (which ended up being canceled for obvious reasons), Mick stated that he was also working on songs for the long-awaited new Stones studio album – which has been going on for about 4 years – but also dealing with an expanded reissue of the GOATS HEAD SOUP album, following the same path of extended releases that began with Exile On Main Street (2010), Some Girls (2011) and Sticky Fingers (2015), that is, remastered reissues of the original albums, with an extra second disc featur
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ALL ABOUT THE ‘GOATS HEAD SOUP’ EXPANDED EDITION: WHAT YOU’LL GET AND WHAT YOU WON’T
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Last February, while shaping up for the new No Filter Tour in the USA, originally planned for mid-year (which ended up being canceled for obvious reasons), Mick stated that he was also working on songs for the long-awaited new Stones studio album – which has been going on for about 4 years – but also dealing with an expanded reissue of the GOATS HEAD SOUP album, following the same path of extended releases that began with Exile On Main Street (2010), Some Girls (2011) and Sticky Fingers (2015), that is, remastered reissues of the original albums, with an extra second disc featuring unreleased studio stuff from each album’s recording sessions, and/or adding live takes. Last June, finally, Amazon Germany announced that the rumoured extended version of GHS could see the light in August (now to be out next September), but then no more details were added, both officially or unofficially. All this up to 3 days ago, when both the Stones’ Facebook and Twitter accounts posted a teaser of the song ‘Criss Cross’, which was originally recorded during the GHS sessions and previously unavailable, but yet quite popular among the Stones fans or researchers who knew it from assorted bootleg albums released through the years.Back in time, the Goats Head Soup recording sessions, which basically took place at Dynamic Sounds in Kingston, Jamaica in November-December 1972, later on finished at L.A.’s Village Recorder Studios between January and March 1973, and then at Island Recording Studios in May that year (produced by Jimmy Miller, with sound engineer Glyn Johns) spawned not only the 10 songs that ended up on the official album, but also a vast number of outtakes, all with a great selection of guests like Nicky Hopkins, Billy Preston, Bobby Keys, Jim Horn, Ray Cooper, Jim Price, Rebop, Pascal, Nicky Harrison, Chuck Finley, and Miller himself. Two of them, ‘Tops’ and ‘Waiting On A Friend’ (working title ‘Waiting For A Friend’ and/or ‘Waiting On My Friend ‘), would not officially see the light until 1981 with the release of the Tattoo You album, while other songs like ‘Through the Lonely Nights’ would not be released before 1974 (eventually as the B-side of the ‘It’s Only Rock N’Roll (But I Like It)’ single), and 29 years later in the Rarities 1971-2003 compilation) The same goes for ‘Short and Curlies’, who finally made it to the It’s Only Rock N’Roll album. That said, the new expanded reissue of GOATS HEAD SOUP could leave some fans who hoped would include enough extra material from those ’72 and el ’73 sessions asking for more. And here’s why…
****WHAT YOU’LL GET on the ‘Rarities and Alternative Mixes’ disc (second disc issued besides the new remastered original GHS album):
Scarlet Probably the most sought-after of all 10 outtakes, as this has never even made it to bootleg recordings. A Keith Richards-Jimmy Page collaboration, backed up by Stu on piano, Rick Grech (Traffic/Blind Faith) on bass and Bruce Rowland (of Fairport Convention) on drums. Strangely, the song wasn’t recorded during any of the 1972-1973 Goats Head Soup Sessions but in London in October 1974 (at Island Studios)
All The Rage Second biggest surprise among the 10 extra tracks, as its title hasn’t even showed up in any lists of unreleased recordings. Or else it might also be any of the well-known session outtakes with a new name.
Criss Cross Definitely the most popular of all GHS outtakes which once showed up in bootleg recordings, although under its original title (both ‘Criss Cross Man’, or ‘Save Me’) Back in the ’70s, it was part of the soundtrack of a weird Japanese movie called “Metamorphoses” (not to be confused with the “Metamorphosis” album) Looks like Mick hasn’t re-done the vocals (as he did with many of the Exile, Some Girls and Sticky Fingers outtakes included in the expanded versions of the albums)
100 Years Ago (Piano Demo) Most likely to include new vocals by Mick.
Dancing With Mr. D (Instrumental) Nothing to confirm until the album is finally out but, if only an instrumental version, I believe it could have been way more interesting if instead they chose to release the “live vocals” take used for the promo video of the song.
Heartbreaker (Instrumental) Hopefully not just the original version without the vocals. To be confirmed.
Hide Your Love (Alternative Mix) Most likely a version of the song that once showed up in an acetate with a slightly different mix from the original album version. Time will tell.
Dancing With Mr. D (Glyn Johns 1973 Mix) To be confirmed.
Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker) – (Glyn Johns 1973 Mix) Same as Dancing With Mr. D Glyn Johns 1973 Mix
Silver Train (Glyn Johns 1973 Mix) Same as Dancing With Mr. D and Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker) Glyn Johns 1973 Mixes
****WHAT YOU WON’T GET The list includes unreleased songs that remain completely unknown (or still unverified), and the ones who appeared in bootleg recordings but aren’t featured in the new expanded version of the album (see below):
UNRELEASED SONGS THAT REMAIN UNKNOWN/UNVERIFIED: After Muddy & Charlie First Thing English Rose Zabadoo Give Us A Break Jamaica Four And In Miami Man Eating Woman
UNRELEASED SONGS THAT SHOWED UP IN BOOTLEG LPs AND/OR CDs:
Stones’ fans who won’t feel satisfied with the album lacking so many unreleased tracks (as described before) would still have the chance to relieve themselves by purchasing the Deluxe/ Super Deluxe versions of the new GOATS HEAD SOUP album which, besides the original record and the second disc with the 10 extra tracks, will include the legendary THE BRUSSELS AFFAIR takes (now remixed by Bob Clearmountain) recorded during the two shows at the Forest National Arena in Brussels, Belgium, on October 17, 1973. Last but not least, here’s the whole of the different releases of the expanded version of Goats Head Soup, as follows;
DELUXE EDITION, TRANSPARENT VINYL (2 LPs, only available through the Stones’ official store) LP 1: 1. Dancing With Mr. D / 2. 100 Years Ago / 3. Coming Down Again / 4. Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker) / 5. Angie / 6. Silver Train / 7. Hide Your Love / 8 Winter / 9. Can You Hear The Music / 10. Star Star LP 2 (RARITIES & ALTERNATIVE MIXES): 1. Scarlet / 2. All The Rage / 3. Criss Cross / 4. 100 Years Ago (Piano Demo) / 5. Dancing With Mr D (Instrumental) / 6. Heartbreaker (Instrumental) / 7. Hide Your Love (Alternative Mix) / 8. Dancing With Mr D (Glyn Johns 1973 Mix) / 9. Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker) – (Glyn Johns 1973 Mix) / 10. Silver Train (Glyn Johns 1973 Mix)
SUPER DELUXE EDITION (4 CD BOXSET) 35 songs on 3 CDs, and a Blu-Ray disc featuring the original album (remastered) and only 3 of the extra tracks: ‘Scarlet’, ‘All The Rage’ and ‘Criss Cross’. Also featuring THE BRUSSELS AFFAIR recordings, plus a 120-page book with great photos from the shows, and 3 literary essays (’50 Years On – An Appreciation of Goats Head Soup ‘, by Ian McCann,’ Brussels Affair Live 1973 Tour ‘, by Nick Kent and ‘The Story Of The Cover Art’ by Darryl Easlea) Last but not least, it also includes four posters reproducing the original 1973 tour ones. ‘The Brussels Affair’ track list: 1. Brown Sugar / 2. Gimme Shelter / 3. Happy / 4. Tumbling Dice / 5. Star Star / 6. Dancing With Mr D / 7. Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker) / 8. Angie / 9. You Can’t Always Get What You Want / 10. Midnight Rambler / 11. Honky Tonk Women / 12. All Down The Line / 13. Rip This Joint / 14. Jumpin’Jack Flash / 15. Street Fighting Man
SUPER DELUXE EDITION (4 LP BOXSET) Boxset with 4 180-gram LPs (no book or literary essays included)
GOATS HEAD SOUP (CASSETTE) Only the 10 songs of the original Goats Head Soup album.
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Dec. 2, 2014: Bobby Keys dies of cirrhosis at age 70 at his home in Franklin, Tennessee, after recording and touring with the Stones for more than 40 years.
Keith Richards on Bobby: “I have lost the largest pal in the world and I can’t express the sense of sadness I feel, although Bobby would tell me to cheer up. My condolences to all that knew him and his love of music. He was the epitome of the rock & roll sax-playing man. He used to tell me about listening to Buddy Holly rehearse in his garage just down the road from his house. That’s one of the reasons he wanted to get into music. That’s pretty early rock & roll, so he was right in there at the very beginning. He was playing on the road by the time he was 15. He was a piece of history in himself, and had a deep knowledge of it…I think he must have turned on millions of people, even though a lot of them don’t know who he was. He’s one of those hidden geniuses, 10 feet from stardom and all of that.Bobby took everybody as they came. He wouldn’t be weary of people. He had a large heart. He told me, I got a heart as big as Texas and I said, Bobby, I think it’s a bit larger…
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About Criss Cross by The Rolling Stones
Also known as: Criss-Cross Man ; Save Me Written by: Jagger/Richard/Taylor Recorded: Dynamic Sound Studios, Kingston, Jamaica, Nov. 25-Dec. 21 1972; Island Recording Studios, London, June 1973, Mick Jagger’s home studio, Pocé-sur-Cisse, France, Apr. 2020 Guest musicians: Billy Preston (keyboards), Bobby Keys (saxophone), Jim Keltner, Jimmy Miller, Pascal and Rebop (percussion)
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Rolling Stones Songs: Criss Cross (2020)
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About Criss Cross by The Rolling Stones
Also known as: Criss-Cross Man ; Save Me Written by: Jagger/Richard/Taylor Recorded: Dynamic Sound Studios, Kingston, Jamaica, Nov. 25-Dec. 21 1972; Island Recording Studios, London, June 1973, Mick Jagger’s home studio, Pocé-sur-Cisse, France, Apr. 2020 Guest musicians: Billy Preston (keyboards), Bobby Keys (saxophone), Jim Keltner, Jimmy Miller, Pascal and Rebop (percussion)
The upbeat track Criss Cross, also known as Save Me and Criss-Cross Man is a delightfully humorous song that touches on themes like drug use, intimate encounters, and blood transfusions. Although Criss Cross was a contender for release as part of Goats Head Soup, the band was aware that too many rock tracks might disrupt the album’s overall balance (it probably had nothing to do with the Taylor songwriting credit!) Mick Taylor and Keith Richards blend well together, with Mick handling the intricate funky lead while Keith provides the rhythmic support. An acetate was made with this song paired with Silver Train. Looking back, they might regret not releasing the track. At the time there were three versions available: a short edited version that cuts off before the saxophone begins, and two full versions, one of which does not include the saxophone.
27 years later, the Stones revealed on social media just a day before its release that Criss Cross (to be featured in the deluxe expanded version of Goats Head Soup, released later on Sept. 4) would debut on YouTube on July 9, 2020. The announcement sent Stones fans worldwide into a frenzy of dancing and applause. As the first new track since Living in a Ghost Town (which came out in April), the song stands out as a nostalgic nod to the band’s classic era. It’s a song unmistakably penned by the Glimmer Twins.
The guitar riff on Criss Cross showcases Keith Richards at his finest, while Mick Jagger delivers with his alluring lines: “Lip to lip / Skin to skin / Tongue to tongue / Back to back / Back and front”. Jagger also includes a playful nod to Richards with the line, “I think I need a blood transfusion”. The song is complemented by a stunning video created by Diana Kunst, known for her work on James Blake’s “Barefoot in the Park” featuring Rosalía and Madonna’s “Medellín.” The video stars model Guindilla Ontanaya and takes viewers on a journey through picturesque locations, from serene beaches to the bustling streets of London and Monument Valley in the U.S. It exudes an intense sensuality, making it a small gem of rock ‘n’ roll glamour.
In a 2020 interview Mick Jagger questioned the credits listed on the disc sleeve, suggesting, “Mick Taylor’s playing the bass part and I’m playing the other guitar”. It’s unclear what to make of this statement. He also noted, “I remember writing it, it was helped along by that whole drive of Billy Preston”—who played clavinet with a prominent wah-wah pedal. The song features a brass section in the refrains and includes a saxophone. The piece concludes with an energetic timbales solo by producer Jimmy Miller. Jagger later acknowledged the song’s quality, expressing confusion as to why it wasn’t included on the album.
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Dec. 2, 2014: Bobby Keys dies of cirrhosis at age 70 at his home in Franklin, Tennessee, after recording and touring with the Stones for more than 40 years.
Keith Richards on Bobby: “I have lost the largest pal in the world and I can’t express the sense of sadness I feel, although Bobby would tell me to cheer up. My condolences to all that knew him and his love of music. He was the epitome of the rock & roll sax-playing man. He used to tell me about listening to Buddy Holly rehearse in his garage just down the road from his house. That’s one of the reasons he wanted to get into music. That’s pretty early rock & roll, so he was right in there at the very beginning. He was playing on the road by the time he was 15. He was a piece of history in himself, and had a deep knowledge of it…I think he must have turned on millions of people, even though a lot of them don’t know who he was. He’s one of those hidden geniuses, 10 feet from stardom and all of that.Bobby took everybody as they came. He wouldn’t be weary of people. He had a large heart. He told me, I got a heart as big as Texas and I said, Bobby, I think it’s a bit larger…
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Some detailed info behind the recording of SCARLET by Martin Elliott, author of the books “Rolling Stones: Complete Recording Sessions 1963-1989” (1990), “The Rolling Stones: Complete Recording Sessions 1962-2002” (2002) and “The Rolling Stones: Complete Recording Sessions 1962–2012” (2012), currently working on a new updated version. By the way, don’t forget to follow Martin on his THE ROLLING STONES SESSIONS page on Facebook/Twitter at:
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ABOUT ‘SCARLET’ (by Martin Elliott)
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Some detailed info behind the recording of SCARLET by Martin Elliott, author of the books “Rolling Stones: Complete Recording Sessions 1963-1989” (1990), “The Rolling Stones: Complete Recording Sessions 1962-2002” (2002) and “The Rolling Stones: Complete Recording Sessions 1962–2012” (2012), currently working on a new updated version. By the way, don’t forget to follow Martin on his THE ROLLING STONES SESSIONS page on Facebook/Twitter at: https://www.facebook.com/StonesSessions/ twitter.com/StonesSessions
“SCARLET – I thought I posted but will try again. These are unedited notes compiled today with pre-existing text already posted. It was at this time, on 4 October 1974 that at Ron Wood’s Wick home studio in London, along with Ric Grech (Traffic’s bassist), Bruce Rowland (Fairport Convention’s drummer), Ian Stewart and Jimmy Page, a small session evolved which worked on the song Scarlet. Jimmy worked on a riff around Keith’s guitar part. This was a Jagger/Richards song described by Jimmy that was in the mould of folk but featuring reggae style guitars. Jimmy thought it was particularly good, something you would get on Bob Dylan’s BLONDE ON BLONDE album and would have made a good B-side. The following evening, Keith Richards went with Jimmy to Island Studio No. 2 for guitar overdubs and transfer from eight to 16-track. The tapes also contain a long unavailable jam with Stu, Jimmy and ‘Keef’. Soon after, the tapes were taken to Switzerland by Keith where they were listened to and Keith described the content as something from a possible Page solo album project. Scarlet Lilith Eleida was the then three years old daughter of Jimmy with his partner Charlotte Martin. In September 2020, the track became a stretched addition to a GOATS HEAD SOUP re-issue since the album had been released over a year before Scarlet was recorded. However, it was a welcome and anticipated addition which while unheard had gained some folklore credibility over the years by fans. Scarlet was given a fresh coat of paint by Mick in spring 2020 by overdubbing vocals, an acoustic guitar and some percussion. It was released as a download on 22 July following a preview with a brief Mick and Jimmy Page interview on Zoe Ball’s BBC Radio 2 breakfast programme. The 2020 recording has a short and lively staccato guitar intro before the percussion and vocals enter. It develops into a catchy refrain followed by the first lead break from Jimmy which holds interest. However, unlike the mechanisations behind Criss Cross which integrate into the era the overlying stratosphere of Scarlet is modernistic and somewhat forced. It contains some cuts, splicing and pasting to lengthen the track as the original tape box testifies with a timing of 3.05. The tape notes state the Cockroaches as the artists which was a much-used studio anonymity tactic. Many of the bonus out-takes from the re-issue of GOATS HEAD are contemporary instrumentals and re-mixes and Scarlet may have been best served in that ilk.”
Remembering Ian ‘Stu’ Stewart: The Unsung Co-Founder of The Rolling Stones
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More about Ian’ Stu’ Stewart, the “sixth Rolling Stone”
Piano man and boogie-woogie master Ian Stewart, affectionately known as the “sixth stone,” was a founding member of the original ensemble, having joined before Bill Wyman and Charlie Watts. Stewart, also known by his nickname “Stu,” belonged to a core group of fans of rhythm and blues who regularly visited Alexis Korner’s blues club. Charlie Watts, Mick Jagger, Eric Clapton, Dick Taylor, and Keith Richards were among the others; these individuals would all go on to have a significant impact on rock ‘n’ roll music. Stewart, who was proficient in boogie woogie style piano, started practicing with fellow fans Mick Jagger, Keith Richards, and Brian Jones. Following the addition of drummer Charlie Watts and bassist Bill Wyman, the group changed their name to the Rolling Stones and started drawing a small but devoted fan base.
Only that following the Stones’ transition to new management, Andrew Loog Oldham judged Stewart unsuited for the group, saying the prim-and-proper Stewart didn’t “have the right look.” Luckily for the other members of the band, Stu consented to continue as their road manager and occasional pianist. Stu’s Chicago-style piano playing was included on various Stones albums through the Stones’ career. The extremely talented painist keyboardist also contributed to non-Stones projects including Pete Townshend and Ronnie Lane’s Rough Mix album, Led Zeppelin’s Physical Graffiti (on “Rock and Roll”), and Howlin’ Wolf’s The London Howlin’ Wolf Sessions.
A Late Bloom: The Rolling Stones’ ‘Scarlet’ Featuring Jimmy Page (2020)
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Rolling Stones songs: Scarlet
Scarlet, why you tearing my heart, all to pieces/ It ain’t the way it’s supposed to be…
Written by: Jagger/Richard Recorded: The Wick, Ronnie Wood’s basement, Rchmond, England, Oct. 4 1974 / Overdubs: Mick Jagger’s home studio, Pocé-sur-Cisse, France, Apr. 2020 Guest musicians: Jimmy Page (guitar)/Rick Grech (bass)/ Bruce Rowland (drums)
A Late Bloom: The Rolling Stones’ ‘Scarlet’ Featuring Jimmy Page (2020)
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Rolling Stones songs: Scarlet
Scarlet, why you tearing my heart, all to pieces/ It ain’t the way it’s supposed to be…
Written by: Jagger/Richard Recorded: The Wick, Ronnie Wood’s basement, Rchmond, England, Oct. 4 1974 / Overdubs: Mick Jagger’s home studio, Pocé-sur-Cisse, France, Apr. 2020 Guest musicians: Jimmy Page (guitar)/Rick Grech (bass)/ Bruce Rowland (drums)
The song Scarlet was recorded nearly 50 years ago, and the details of how it came together are somewhat unclear. Keith Richards recalled in an interview with Rolling Stone on September 6, 2020, that they may have walked into the studio just as Led Zeppelin was wrapping up a session—at least Jimmy Page was still there. Richards mentioned that the Rolling Stones’ session likely followed theirs, with Page and Grech sticking around. Jimmy Page, however, remembers being invited to join a Stones session at Ron Wood’s studio in Richmond
This blues-rock song is one of three previously unheard tracks that were unveiled as part of the 2020 multi-format re-release of Goats Head Soup. The reissue gave fans a chance to discover these hidden gems that had been left off the original album, adding fresh material to the iconic 1973 record. This achievement made The Rolling Stones the first band to secure a #1 album in six different decades in that region.
Mick Jagger and Keith Richards were the only two Rolling Stones members present for the session, but they were joined by some talented musicians: the ever-reliable Ian Stewart, along with Jimmy Page, Rick Grech (who had been a member of Blind Faith and Traffic and participated in the Beggars Banquet sessions), and Bruce Rowland, the drummer for Joe Cocker’s Grease Band and later Fairport Convention. Jimmy Page’s friendship with the Rolling Stones dates back to the early 1960s, when he contributed to their sessions for Heart of Stone in July 1964. Richards and Page had an easy rapport, and their guitar work in Scarlet blended seamlessly. In the song’s lyrics, Mick Jagger sings about a woman who is driving him to the edge, lamenting: “Baby you excite me / But you talk too much… Scarlet, why you tearing my heart all to pieces?”
Jimmy Page: “Keith kicked it off and I began to mold a riff around his guitar part to augment the arrangement. It began to lock-in pretty soon with the musicians and we all got a successful take that evening.”
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“SCARLET – I thought I posted but will try again. These are unedited notes compiled today with pre-existing text already posted. It was at this time, on 4 October 1974 that at Ron Wood’s Wick home studio in London, along with Ric Grech (Traffic’s bassist), Bruce Rowland (Fairport Convention’s drummer), Ian Stewart and Jimmy Page, a small session evolved which worked on the song Scarlet. Jimmy worked on a riff around Keith’s guitar part. This was a Jagger/Richards song described by Jimmy that was in the mould of folk but featuring reggae style guitars. Jimmy thought it was particularly good, something you would get on Bob Dylan’s BLONDE ON BLONDE album and would have made a good B-side. The following evening, Keith Richards went with Jimmy to Island Studio No. 2 for guitar overdubs and transfer from eight to 16-track. The tapes also contain a long unavailable jam with Stu, Jimmy and ‘Keef’. Soon after, the tapes were taken to Switzerland by Keith where they were listened to and Keith described the content as something from a possible Page solo album project. Scarlet Lilith Eleida was the then three years old daughter of Jimmy with his partner Charlotte Martin. In September 2020, the track became a stretched addition to a GOATS HEAD SOUP re-issue since the album had been released over a year before Scarlet was recorded. However, it was a welcome and anticipated addition which while unheard had gained some folklore credibility over the years by fans. Scarlet was given a fresh coat of paint by Mick in spring 2020 by overdubbing vocals, an acoustic guitar and some percussion. It was released as a download on 22 July following a preview with a brief Mick and Jimmy Page interview on Zoe Ball’s BBC Radio 2 breakfast programme. The 2020 recording has a short and lively staccato guitar intro before the percussion and vocals enter. It develops into a catchy refrain followed by the first lead break from Jimmy which holds interest. However, unlike the mechanisations behind Criss Cross which integrate into the era the overlying stratosphere of Scarlet is modernistic and somewhat forced. It contains some cuts, splicing and pasting to lengthen the track as the original tape box testifies with a timing of 3.05. The tape notes state the Cockroaches as the artists which was a much-used studio anonymity tactic. Many of the bonus out-takes from the re-issue of GOATS HEAD are contemporary instrumentals and re-mixes and Scarlet may have been best served in that ilk.”
‘Living in a Ghost Town’: The Rolling Stones’ Pandemic Anthem
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Rolling Stones songs: Living in a Ghost Town
Preachers were all preachin’/ Charities beseechin’/ Politicians dealin’/ Thieves were happy stealin’…
Written by: Jagger/Richards Recorded: Mick Jagger’s home studio, Pocé-sur-Cisse, France, Apr. 2020 Guest musicians: Darryl Jones (bass), Matt Clifford (keyboards, French horn, flugelhorn, sax)
‘Living in a Ghost Town’: The Rolling Stones’ Pandemic Anthem
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Rolling Stones songs: Living in a Ghost Town
Preachers were all preachin’/ Charities beseechin’/ Politicians dealin’/ Thieves were happy stealin’…
Written by: Jagger/Richards Recorded: Mick Jagger’s home studio, Pocé-sur-Cisse, France, Apr. 2020 Guest musicians: Darryl Jones (bass), Matt Clifford (keyboards, French horn, flugelhorn, sax)
The Rolling Stones’ No Filter Tour, which kicked off on September 9, 2017, in Hamburg, faced two major interruptions. The first came when Mick Jagger underwent a significant heart operation on April 5, 2019, and the second was due to the global COVID-19 pandemic. Despite these setbacks, the Stones did not pause their music entirely during the lockdown period. They joined Global Citizen and Lady Gaga’s One World: Together at Home event—a virtual concert series in support of the WHO and healthcare workers—by recording a socially distanced rendition of “You Can’t Always Get What You Want.” Additionally, they produced their first new song since “Doom and Gloom” and “One More Shot” in 2012. Jagger wrote Living in a Ghost Town in 2019, completing it in just ten minutes!
As explained by Mick Jagger in April 2020: “It wasn’t written for now but it was written about being in a place which was full of life, and then now there’s all bereft of life, so to speak…” After discussing with Keith Richards and agreeing that this song should be released as a single—especially given the context of the pandemic and lockdown—Mick Jagger made a few adjustments to the lyrics without entirely rewriting them.: “I didn’t have to rewrite very much to be honest. It’s very much how I originally did it. I was just jamming. I was just playing a guitar and just wrote it like that. I don’t know what frame of mind I must’ve been in.”
Whether by coincidence or not, the lyrics to Living in a Ghost Town carry a haunting and enduring significance: “I’m a ghost / Livin’ in a ghost town” and “Life was so beautiful / Then we all got locked down.” Keith Richards remarked, “It’s a strange thing, you know what I mean? But it’s just something that happens between Mick and me without us having to really think about it.” Released for streaming on April 23, 2020, the song debuted with a Joe Connor-directed video, capturing the eerie emptiness of city streets around the globe—from Los Angeles and Toronto to London, Osaka, Cape Town, and Margate, a coastal town in southeast England. Following the digital release, Living in a Ghost Town also came out as a single on CD (May 29, 2020) and on a 10-inch vinyl record (June 26, 2020).
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September 9, 1963: Ken Colyer Jazz Club, London, England
September 9, 1964: Odeon Theatre, Luton, England (2 shows)
September 9, 1970: Vejlby-Risskov Hallen, Aarhus, Denmark (2 shows) September 9, 1973: Wembley Empire Pool, London, England Brown Sugar/Gimme Shelter/Happy/Tumbling Dice/Star Star/ Angie/You Can’t Always Get What You Want/Dancing With Mr. D./Heartbreaker/Midnight Rambler/Honky Tonk Women/All Down The Line/Rip This Joint/Jumping Jack Flash/Street Fighting Man 1975: Release of Ted Wood’s (Ronnie’s brother) 7″ single AM I BLUE / SHINE, with Ronnie on guitar
September 9, 1989: Alpine Valley Music Theatre, East Troy, Wisconsin, USA Start Me Up/Bitch/Sad Sad Sad/Undercover Of The Night/Harlem Shuffle/ Tumbling Dice/Miss You/Ruby Tuesday/Play With Fire/Dead Flowers/ Rock And A Hard Place/One Hit/Mixed Emotions/Honky Tonk Women/ Midnight Rambler/You Can’t Always Get What You Want/Little Red Rooster/Before They Make Me Run/Happy/Paint It Black/2000 Light Years From Home/Sympathy For The Devil/Gimme Shelter/It’s Only Rock’n Roll/ Brown Sugar/Satisfaction/Jumping Jack Flash
1994: Release of DAVE STEWART’s CD ‘Greetings From The Gutter’, with Mick on backing vocals on one track: ‘Jealousy’
September 9, 1994: Spartan Stadium, East Lansing, Michigan, USA Not Fade Away/Tumbling Dice/You Got Me Rocking/Shattered/Rocks Off/ Sparks Will Fly/Satisfaction/Beast Of Burden/Out Of Tears/All Down The Line/I Go Wild/Miss You/Band introduction/Honky Tonk Women/Happy/ The Worst/Love Is Strong/Monkey Man/Street Fighting Man/Start Me Up/ It’s Only Rock’n Roll/Brown Sugar/Jumping Jack Flash
September 9, 2002: Release of PETER WOLF’s CD ‘Sleepless’, with Mick on ‘Nothing But The Wheel’ (vocals and harmonica), and Keith on ‘Too Close Together’ (guitar and vocals)
September 9, 2003: The Point, Dublin, Ireland Street Fighting Man/Start Me Up/If You Can’t Rock Me/Don’t Stop/Wild Horses/You Can’t Always Get What You Want/It’s Only Rock’n Roll/Everybody Needs Somebody To Love/Tumbling Dice/Band introduction/Slipping Away/Happy/Sympathy For The Devil/Can’t You Hear Me Knocking/You Got Me Rocking/Paint It Black/Honky Tonk Women/Brown Sugar/Satisfaction/Jumping Jack Flash
September 9, 2008: Release of JOHN PHILLIPS’ CD ‘Pussycat’ (re-issue of the ‘Pack Pack & Follow’ album with extra tracks), with Mick, Keith, Mick Taylor and Ronnie as guests
September 9, 2014: Release of Keith’s book GUS & ME: THE STORY OF MY GRANDAD AND MY FIRST GUITAR (co-authored with his daughter Theodora; includes narration and incidental music by Keith) Keith, about ‘Gus & Me’ (2014): “My publishers first came up with this idea. They said, There’s certain chapters about your grandfather that could make a great children’s book. Children’s book? This is not my line (laughs)… And just about that same time my eldest daughter … she said, Guess what? And I know that look in a woman’s eyes. Don’t tell me you’re pregnant, which means fifth grandchild… The initial idea did come from the publishers, so you know, Maybe Keith can sell a few more books. That’s their business after all. Nine times out of 10 I would have said forget about it. I’m not going there. But because of the circumstances and having another grandchild, everything was sort of falling into place. I said, Damn it. Go for it.”
A 2021 Kdenlive tutorial FOR BEGINNERS using our favorite free video editor #Kdenlive. It's recommended that you jump into this video with an understanding of video editors such as Adobe Premier or DaVinci Resolve. Kdenlive is a free and open source video editor that works on Linux and Windows 10.
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Schon vor ein paar Monaten meinte der Zwergofant, dass er einen tollen Trailer zu einem Superheldenfilm gesehen hätte. Damals habe ich noch versucht, ihm den Film auszureden. Heute jedoch waren wir beide alleine zu Hause und nach einem kompletten Tag draußen, stand uns der Sinn nach einem Filmabend. Somit haben wir dann doch noch „We Can Be Heroes“ gesehen. Ein Film, wie ich noch keinen zweiten gesehen habe. 🦸♀️
Robert Rodriguez war einer der prägenden Regisseure meiner Jugend: „El Mariachi“, „Desperado“ und
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Schon vor ein paar Monaten meinte der Zwergofant, dass er einen tollen Trailer zu einem Superheldenfilm gesehen hätte. Damals habe ich noch versucht, ihm den Film auszureden. Heute jedoch waren wir beide alleine zu Hause und nach einem kompletten Tag draußen, stand uns der Sinn nach einem Filmabend. Somit haben wir dann doch noch „We Can Be Heroes“ gesehen. Ein Film, wie ich noch keinen zweiten gesehen habe. 🦸♀️
Robert Rodriguez war einer der prägenden Regisseure meiner Jugend: „El Mariachi“, „Desperado“ und „From Dusk Till Dawn“ waren die Kultfilme meiner filmischen Erweckungsphase. Schon Anfang der 2000er hat Rodriguez die Kinderfilmreihe „Spy Kids“ gedreht, von der ich jedoch nie einen Teil gesehen habe. Danach war es, „Sin City“ einmal ausgenommen, lange still den Filmemacher, doch mit „Alita: Battle Angel“ kam er 2019 zurück und wusste mich zu begeistern. Zuletzt fiel er mir durch die Inszenierung einiger Episoden von „The Book of Boba Fett“ eher negativ auf. Wer hätte gedacht, dass er es ausgerechnet mit dem Kindersuperheldenfilm „We Can Be Heroes“ auf meinen Fernseher zurück schafft?
Der Film ist ein in kunterbunte Kulissen und mit übermäßig CGI angereicherter Superheldenfilm, dem ein Drehbuch zugrunde liegt, das auch ein Kind hätte schreiben können. Man merkt nichts von Robert Rodriguez‘ alter Handschrift und nur die Auftritte von Stars wie Pedro Pascal („The Mandalorian“ oder „Prospect“) und Christian Slater („True Romance“) lassen seinen Einfluss erkennen. Davon abgesehen mochte ich die Botschaft der Geschichte sowie die völlig abgedrehten Superkräfte. Das ist wie gemacht für Kinder, doch verliert sich am Ende alles in einer abstrusen Geschichte, der billigen Inszenierung und fehlendem Herz. Nicht ganz so schmerzhaft, wie nach dem Trailer befürchtet, doch bestenfalls mittelmäßige Unterhaltung.
Fazit
Leider konnte „We Can Be Heroes“ weder mich, noch den Zwergofanten überzeugen. Wir hatten durchaus Spaß mit dem Film, doch ist alles viel zu übertrieben, bunt und nervig inszeniert. Ich vermute, dass der Zwergofant beim nächsten Filmabend wieder mich nach einem Filmtipp fragen wird. So ein Pech aber auch. Dennoch möchte ich die Sichtung nicht missen, denn nun habe auch ich endlich einen der berüchtigten Kinderfilme von Robert Rodriguez gesehen: 4/10 Punkte. (Zappelinchen: war mit Frau bullion im Theater; Zwergofant: 6/10 Punkte.)
Während des späten Samstagsfrühstücks hat der Zwergofant gemeint, dass er gerne eine Runde mit mir laufen gehen würde. Gesagt, getan. Also haben wir uns aufgemacht und er hat mich die ersten 3 km lang begleitet. Das war schön! 🤗
Die ersten 3 km heute mit bester Begleitung
Distanz: 12.22 km Zeit: 01:14:13 Anstieg: 77 m Ø Pace: 6:04 min/km Ø Geschwindigkeit: 9.9 km/h Ø Herzfrequenz: 152 bpm Ø Schrittfrequenz: 154 spm Temperatur: 18.9 °C Kalorien: 948 kcal
2023: 749 km April: 184 km KW 16: 48 km
Danach habe ich meine Kopfhörer aufgesetzt, meine Trinkflasche abgeholt und meine Laufrunde noch um gut 9 km erweitert. Nun geht es ab zum Werkeln in den Garten. Endlich wieder viel Zeit draußen. Was habe ich das vermisst!
Corona hat uns immer noch voll im Griff. Inzwischen sind die Einschläge so nah, wie nie zuvor. Die Inzidenzwerte explodieren. Was also machen an besonderen Tagen? Natürlich könnte man theoretisch essen gehen oder ein Theater besuchen. Doch wäre das mit einem guten Gefühl verbunden? Hat für uns im Sommer schon mit Kino nicht funktioniert. Also habe ich mit den Kindern ein Restaurantbesuch samt anschließendem Besuch des Musicals „Hamilton“ inszeniert. Die Kids hatten in ihren Rollen als Bedienungen, Einlasskontrolleur*innen, Platzanweiser*innen sowie Pausenverkäufer*innen viel Spaß. Und für uns war es zwar kein wirklicher Ausgehabend, aber zumindest nahe dran. Und das Musical? Lest selbst… 🎼
Ham
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Corona hat uns immer noch voll im Griff. Inzwischen sind die Einschläge so nah, wie nie zuvor. Die Inzidenzwerte explodieren. Was also machen an besonderen Tagen? Natürlich könnte man theoretisch essen gehen oder ein Theater besuchen. Doch wäre das mit einem guten Gefühl verbunden? Hat für uns im Sommer schon mit Kino nicht funktioniert. Also habe ich mit den Kindern ein Restaurantbesuch samt anschließendem Besuch des Musicals „Hamilton“ inszeniert. Die Kids hatten in ihren Rollen als Bedienungen, Einlasskontrolleur*innen, Platzanweiser*innen sowie Pausenverkäufer*innen viel Spaß. Und für uns war es zwar kein wirklicher Ausgehabend, aber zumindest nahe dran. Und das Musical? Lest selbst… 🎼
Für aufmerksame Leser*innen meines Blogs wird es keine Überraschung sein, dass ich Musicals sehr gerne mag und manchmal sogar liebe. Eigentlich seltsam, dass ich „Hamilton“ bisher noch nicht gesehen hatte. Lin-Manuel Miranda ist mir seit den Disney-Filmen „Vaiana: Das Paradies hat einen Haken“ und „Encanto“ ein Begriff und spätestens mit seiner Verfilmung von „tick, tick… BOOM!“ hat er sich in mein Herz gespielt. In „Hamilton“ wird sein unfassbares Talent jedoch erst so richtig greifbar. Dabei ist es das Musical natürlich kein Film, sondern eine abgefilmte Bühnenshow, was das Erlebnis für mich jedoch noch intensiver machte. Man konnte den Theaterboden beinahe riechen und mehrfach bin ich mit dem aufgezeichneten Publikum in Applaus ausgebrochen. Nun verstehe ich auch, warum die Aufnahme ins Programm von Disney+ für den Streaming-Dienst ein Systemseller war. Auch wenn ich aktuell kein anderes Bühnen-Musical wüsste, was ich unbedingt sehen muss, so ist diese Form des Konsums, gerade in Zeiten von Corona, durchaus eine Empfehlung wert.
Inhaltlich hätte mich „Hamilton“ eigentlich nicht gereizt. Die Geschichte eines eher unbekannten Gründervaters der Vereinigten Staaten. Nicht der Stoff, der mich zu Begeisterungsstürmen hinreißt. Und doch genau der Stoff, dem dies gelungen ist. Lin-Manuel Miranda inszeniert den Stoff unfassbar modern mit Hip-Hop-Beats und großartigen Wortwitz. Nahezu alle Rollen werden von PoC (People of Color) übernommen, was aufgrund des historischen Kontexts zunächst ungewöhnlich erscheinen mag, jedoch die perfekte Wahl für diese moderne Adaption ist. Das Bühnenbild ist extrem reduziert und nur ein Drehscheibe und die Lichtgestaltung sorgen dafür, dass wir uns als Zuschauer*innen zwischen Schlachtgemälden, intimen Dialogen und tödlichen Duellen bewegen. Die knapp drei Stunden sind wirklich schnell vergangen, was auch an den mitreißenden Songs liegt, von denen nahezu jeder einzelne so eingängig ist, dass er im Kopf bleibt. Wenn man nun noch die emotionale Geschichte dazu nimmt, die auch den perfekten Abschluss findet und stets Parallelen zu unserer Gegenwart aufmacht, dann ist es für mich unfassbar, dass all dies Lin-Manuel Miranda Feder entspringt. Was für eine kreative Leistung.
Fazit
Ihr lest es schon raus: Mich hat „Hamilton“ genauso begeistert, wie die meisten anderen Zuschauer*innen, die sich dem Musical zugewandt haben. Auch die formale Präsentation war für mich genau die richtige und ich bin gespannt, ob aufgrund des Erfolgs noch irgendwann eine filmischen Adaption folgen wird. Sollte Lin-Manuel Miranda involviert sein, würde ich auf jeden Fall reinschauen, denn er Mann ist einfach ein Künstler. Für Musical-Fans eine dicke Empfehlung, aber das wisst ihr ja ohnehin schon: 10/10 Punkte.
Gestern war es soweit und nach fast eineinhalb Jahren ging es für Frau bullion und mich zum ersten Mal wieder ins Kino. „Dune“ lief leider noch nicht und meine persönliche Wahl wäre auf „The Suicide Squad“ gefallen, doch letztendlich haben wir uns auf „Jungle Cruise“ geeinigt, der zumindest gute Popcorn-Unterhaltung zu versprechen schien… 🛶
Zunächst ein paar Worte zum Kinoerlebnis selbst: Wie ihr im letzten Jahr vielleicht rausgelesen habt, gehöre ich eher zur vorsichtigen Fraktion, was Corona angeht. Sprich noch keine Reisen oder größere Menschenansammlungen. Essen gehen und danach ins Kino war schon ein großer Schritt, obwohl wir beide bereits kompletten Impfschutz haben. Das Kino selbst war, bis auf die Abstandsplätze, ziemlich voll und niemand hat Maske getragen. Bis auf uns beide. So richtig entspannt hat sich das alles nicht angefühlt und wenn wir im Vorfeld geahnt hätte, was mit „Jungle Cruise“ auf uns zukommt, wären wir lieber noch etwas trinken gegangen. So leer war das Kino bei Filmstart leider nicht:
Zunächst einmal zu den positiven Eigenschaften des Films: Emily Blunt (u.a. „A Quiet Place“) und Dwayne Johnson (u.a. „Jumanji: Willkommen im Dschungel“) harmonieren wirklich gut zusammen. Ein sympathisches Duo, das in den besten Momenten eine schöne Screwball-Dynamik entwickelt. Auch mochte ich teils die Atmosphäre im Dschungel und auf dem Fluss. Zumindest wenn nicht alles komplett CGI war. „Jungle Cruise“ hat mich leider komplett verloren als die Konquistadoren als CGI-Monster aufgetaucht sind, die frappierend an die Geisterpiraten aus der „Pirates of the Caribbean“-Reihe erinnern. Nur ohne jeglichen Charakter zu besitzen. Auch waren viele Actionszenen viel zu dunkel und hektisch geschnitten. Warum nicht im lichtdurchfluteten Dschungel? Die Geschichte passt zudem auf ein halbes Blatt Papier, was nicht weiter schlimm wäre, könnten die Schauplätze und Actionszenen überzeugen. Aber das hat man alles schon so viel besser gesehen. Als hätte man eine künstliche Intelligenz einen Film auf Basis der Vergnügungsparkattraktion schreiben lassen. Es wäre genau dieser Film dabei herausgekommen. Ganz unterhaltsam, glatt gebügelt und ohne irgendein Alleinstellungsmerkmal.
Fazit
Auch wenn ich voller Vorfreude war, einmal wieder ins Kino zu gehen, so war das Erlebnis am Ende doch eher unbefriedigend. Und leider liegt das größtenteils am Film selbst. „Jungle Cruise“ ist 08/15-Disney-Unterhaltung, für die man wahrlich nicht ins Kino gemusst hätte. Schade drum: 5/10 Punkte.
23 likes, 8 comments - moviescape.blog on August 6, 2021: "Zum ersten Mal Kino seit über einem Jahr... 🎥🎟️🎬
#kino #cinema #movies #movielover #kinoliebe #filmliebe".
Nach der Herzensserie „The Marvelous Mrs. Maisel“ habe ich mich auf die Suche nach einem neuen Abendprogramm gemacht. Letztendlich bin ich auf „Devs“ gestoßen, was mir schon öfter begegnet ist. Jedoch konnte ich mir bisher kein so richtiges Bild davon machen. Drama? Komödie? Mystery? Da die Serie inzwischen auf Disney+ läuft, konnte ich mir nun ein eigenes Bild von ihr machen. 👩💻
Wer steckt hinter „Devs“? Der Name Alex Garland dürfte Genrefans ein Begriff sein. Nicht nur zeichnet er sich für einige Drehbücher von Danny-Boyle-Filmen (u.a.
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Nach der Herzensserie „The Marvelous Mrs. Maisel“ habe ich mich auf die Suche nach einem neuen Abendprogramm gemacht. Letztendlich bin ich auf „Devs“ gestoßen, was mir schon öfter begegnet ist. Jedoch konnte ich mir bisher kein so richtiges Bild davon machen. Drama? Komödie? Mystery? Da die Serie inzwischen auf Disney+ läuft, konnte ich mir nun ein eigenes Bild von ihr machen. 👩💻
Wer steckt hinter „Devs“? Der Name Alex Garland dürfte Genrefans ein Begriff sein. Nicht nur zeichnet er sich für einige Drehbücher von Danny-Boyle-Filmen (u.a. „28 Days Later“ oder „Sunshine“) verantwortlich, er hat mit „Ex Machina“ und „Auslöschung“ auch selbst zwei Werke inszeniert, die bei mir hoch im Kurs stehen. Nun also eine Serie, die Garland komplett(!) alleine geschrieben und inszeniert hat. Es ist auch eine Serie, die komplett Garlands Handschrift trägt. Sie beschäftigt sich mit Technologie und moralischen Fragen und der Inhalt könnte, so meine steile These, auch in einem zweistündigen Film funktionieren. „Devs“ ist unglaublich ruhig erzählt und beinahe schon meditativ. So stark der Tech-Gedanke in ihr auch ist, letztendlich ist es eine Geschichte rund um Verlust, Trauer und Bewältigungsarbeit.
Mit Nick Offerman (bekannt als Ron Swanson aus „Parks and Recreation“) ist der prominenteste Schauspieler wunderbar gegen den Strich besetzt. Die anderen Rollen werden eher durch unbekannte Schauspieler*innen verkörpert, welche allesamt jedoch sehr gut spielen. Neben der eher langsamen Erzählweise, fällt vor allem die elegische Inszenierung auf. Wahrlich ein Erlebnis. Durch die oft fast schon meditative Machart (jedoch nicht ohne Gewaltspitzen) wirkt die Serie recht sperrig, was durch den verschlüsselt erzählten Inhalt noch unterstützt wird. Für mich war dies jedoch ein Zugewinn, da sie so aus dem Muster der sonstigen Unterhaltungsserien ausbricht. Am Ende macht dann alles irgendwie Sinn, jedoch muss man sich als Zuschauer*in auf den Weg einlassen. Eine Fortsetzung ist in meinen Augen eher nicht möglich, auch wenn die Serie nicht dediziert als Miniserie deklariert wurde.
Fazit
„Devs“ hat nie einen großen Hype erfahren und ist bei vielen wohl unter dem Radar gelaufen. Gerade Filmfreund*innen, die mit Alex Garlands Werk vertraut sind, kann ich die Serie nur ans Herz legen. Auf jeden Fall ein ungewöhnliches Erlebnis. Falls ihr die Serie auch gesehen habt, bin ich auf eure Meinung gespannt: 9/10(8.6) Punkte.
Nach einer etwas schwächeren Serie habe ich mich einem Highlight in meinem Programm gewidmet, der vermutlich besten aktuell laufende Serie: „The Marvelous Mrs. Maisel – Season 4“. Seit der famosen dritten Staffel sind pandemiebedingt über zwei Jahre ins Land gezogen. Entsprechend hoch waren meine Erwartungen. Ob diese erfüllt werden konnten, lest ihr in der folgenden Besprechung… 🎙👗
Da wartet man über zwei Jahre auf die neue Staffel und dann sind die acht Episoden in knapp zwei Wochen durchgeschaut. Ich prangere das an! Natürlich hätte ich mir mehr Zeit lassen können, doch wie realistisch ist das schon? Das spricht für die hohe Qualität der vierten Staffel von „The Marvelous Mrs. Maisel“, auch wenn die Serie rein handlungstechnisch ein wenig auf der Stelle tritt. Zumindest für Midge, denn die meisten anderen Figuren erfahren spannende, urkomische und herausfordernde Entwicklungen. Im Vergleich zur zweiten Staffel, die größtenteils in den Catskills spielt, und der dritten Staffel, in der es mit Shy Baldwin auf Tour geht, befinden wir uns im vierten Jahr ganz schnöde in New York City. Back to the roots sozusagen. Auch im übertragenen Sinne, denn wie bereits in der ersten Staffel muss sich Midge wieder nach oben kämpfen. Allerdings bringt sie inzwischen viel mehr Erfahrung mit, was der Staffel eine neue, selbstbewusste Dynamik gibt.
Noch spannender fand ich jedoch beinahe die Geschichten der anderen Figuren: Gerade Susies hart erkämpfter Einstieg in die Geschäftswelt hat mir ausgezeichnet gefallen. Da liebe ich wirklich alles dran. Auch die Erzählstränge rund um Abe und Rose mochte ich wieder sehr gerne. Unvergessen bleibt Roses Auftritt unter Hypnose. Das war pures Comedy-Gold. Dann natürlich Joel, der aufgrund vieler Änderungen in seinem Leben unter Strom steht, der sich als Figur jedoch positiv weiterentwickelt. Selbst Midge, die ein wenig auf der Stelle zu treten scheint, hat so viele famose Szenen. Schon alleine, wie sie den Stripclub umkrempelt und sich dort neu positioniert. Großartig! Am Ende der Staffel trifft sie erneut auf Lenny Bruce, was für sie sowohl persönlich als auch beruflich eine einschneidende Begegnung ist. Das Finale der Staffel ist damit wunderbar emotional, auch wenn es den Knalleffekt des Vorjahres vermissen lässt. Dieser Abschluss passt allerdings perfekt zu dieser kleiner wirkenden Staffel. Die abschließende fünfte Staffel darf gerne ein paar Episoden länger laufen. Seufz.
Fazit
Auch wenn die vierte Staffel von „The Marvelous Mrs. Maisel“ keine großen, inhaltlichen Sprünge macht, so war ich doch wieder komplett begeistert. Ich mag einfach nicht glauben, dass die Staffel schon wieder vorbei ist und dass die fünfte die letzte sein soll. Das wird ein schwerer Abschied. Für mich nach wie vor die beste Serie, die man sich momentan anschauen kann: 10/10(9.5) Punkte.
Ich hätte nie gedacht, dass ich diesen TV-Mehrteiler je anschauen würde. Meine Frau hat jedoch Juli Zehs „Über Menschen“ gelesen. Irgendwie habe ich dann den Titel mit ihrem Roman „Unterleuten“ verwechselt und bin auf die Serienfassung „Unterleuten: Das zerrissene Dorf“ gestoßen, woraufhin die Frau Lehrerin sich auch diesem Roman gewidmet hat. Da die Adaption ohnehin im Raum stand, hat diese auch den Weg in unser Abendprogramm gefunden… 🏘
Bevor ich mit der Besprechung angefangen habe, musste ich tatsächlich überlegen: Ist das nun eine Miniserie? Oder drei TV-Filme? Aufgrund der zeitlich dichten Ausstrahlung und der Struktur, würde ich „Unterleuten: Das zerr
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Ich hätte nie gedacht, dass ich diesen TV-Mehrteiler je anschauen würde. Meine Frau hat jedoch Juli Zehs „Über Menschen“ gelesen. Irgendwie habe ich dann den Titel mit ihrem Roman „Unterleuten“ verwechselt und bin auf die Serienfassung „Unterleuten: Das zerrissene Dorf“ gestoßen, woraufhin die Frau Lehrerin sich auch diesem Roman gewidmet hat. Da die Adaption ohnehin im Raum stand, hat diese auch den Weg in unser Abendprogramm gefunden… 🏘
Bevor ich mit der Besprechung angefangen habe, musste ich tatsächlich überlegen: Ist das nun eine Miniserie? Oder drei TV-Filme? Aufgrund der zeitlich dichten Ausstrahlung und der Struktur, würde ich „Unterleuten: Das zerrissene Dorf“ eher als Miniserie einordnen bzw. eben als zusammenhängender TV-Mehrteiler, aus dem man auch leicht sechs Episoden à 45 Minuten hätte schneiden können. Ein für mich recht sinnvolles Format für eine Romanverfilmung, das z.B. auch Netflix mit Adaptionen wie „Behind Her Eyes“ verwendet. Während der ersten 20 Minuten war ich ein wenig erschlagen von den unzähligen Figuren, die eingeführt werden und alle auch noch irgendwie miteinander in Verbindung stehen. Erstaunlicherweise hat das ganz gut funktioniert und schon nach einer Stunde konnte ich alle Charaktere ganz gut in der Geschichte verorten (wobei mir auch die Erläuterungen der meiner Frau geholfen haben).
Inhaltlich macht „Unterleuten: Das zerrissene Dorf“ ein Beziehungsgeflecht auf, das eine sozialkritische Komponente besitzt und die Interessen verschiedenster Bewohner*innen eines Dorfes beleuchtet. All das geschieht vor dem Hintergrund des strukturellen Zerfalls ländlicher Regionen in den neuen Bundesländern. Die Idylle, die Unterleuten zu Beginn vielleicht noch ausstrahlt, und die gerade für die zugezogenen Berliner so attraktiv scheint, ist letztendlich nur eine projizierte Wunschvorstellung. Als nun Windräder gebaut werden sollen, entsteht ein Grabenkampf, dessen Wurzeln bis in tiefste DDR-Zeiten zurückreichen. Ein durchaus spannendes Thema, das jedoch immer wieder unter der Oberflächlichkeit krankt, mit der sowohl die Inszenierung als auch die Charakterzeichnung angegangen wird. Ich hatte oft das Gefühl, hier würde eine brutalere und kompromisslosere Geschichte im Hintergrund liegen. Das Buch ist an manchen Stellen wohl auch noch drastischer, doch die – um es böse zu sagen – Vorabendinszenierung lässt so manchen Effekt einfach verpuffen.
Fazit
Insgesamt fand ich es spannend, einmal wieder in deutsche TV-Welten abzusteigen. Doch gerade wenn man die Miniserie mit Produktionen wie dem thematisch durchaus verwandten „Hindafing“ vergleicht, dann fällt diese doch deutlich ab, was Inszenierung und Innovationsgeist angeht. Inhaltlich dennoch stark und gut gespielt. Kann man sich durchaus einmal anschauen: 7/10(6.7) Punkte.
Sie weiß von dir – OT: Behind Her Eyes – Die komplette Miniserie
Auf die Serie wäre ich vermutlich nie gestoßen, wenn ich keine flammende Empfehlung des „Fortsetzung folgt“-Podcasts gehört hätte. Eigentlich mag ich es, mehr Zeit in Serien zu verbringen, doch eine Miniserie von gerade einmal sechs Episoden schien mir als fokussierte Unterhaltung während meines Urlaubs doch angemessen. Also habe ich mich an „Sie weiß von dir“ bzw. „Behind Her Eyes“ versucht und die Serie innerhalb von vier Abenden verschlungen. Indirekte Spoiler sind zu erwarten. 🌲🌳🌲
„Behind Her Eyes“ hat sich für mich angefühlt, wie einen seichten, aber enorm spannenden Thriller zu lesen. Kein Wunder, handelt es sich bei der Miniserie doch um die Verfilmung des gleichnamigen Buches von Sarah Pinborough. Während der ersten drei Episoden habe ich mich in einem Beziehungsdrama gewähnt, das schon bald eine weitere Zeitebene in die Handlung einwebt. Zudem wird Träumen eine immer größere Bedeutung beigemessen, was ich ohnehin stets spannend finde (siehe „The Cell“, „Inception“ oder „Paprika“). Hier habe ich auch begonnen erste Theorien aufzustellen und Wendungen vorherzusehen. Glücklicherweise war die Handlung zu diesem Zeitpunkt noch nicht so leicht zu entschlüsseln und das Mitraten hielt noch bis zur vorletzten Episode an.
Die fünfte Episode stellte für mich auch den Wendepunkt der Geschichte dar, denn plötzlich wurden übernatürliche Elemente mit in die Handlung eingewoben. Das hat mich zu Beginn ziemlich gestört, letztendlich war es aber auch nur ein konsequenter weiterer Schritt, der sich schon seit geraumer Zeit angedeutet hatte. Vermutlich hat mich auch die Art der nur wenig subtilen Visualisierung gestört. Im Buch hat sich dieses Element vermutlich viel natürlicher in die Geschichte eingefügt. Ab diesem Zeitpunkt wusste ich dann auch, wie die Geschichte ausgeht. Tatsächlich hat sich die Serie im weiteren Verlauf auch exakt so abgespielt, wie ich es vorhergesehen hatte. Das Ende hat mich somit nicht sonderlich schockiert und es hat mich sehr an den eher unbekannten Horrorfilm „Der verbotene Schlüssel“ aus dem Jahr 2005 erinnert.
Fazit
Auch wenn „Behind Her Eyes“ bestimmt keine Serie für die Ewigkeit ist, so hat sie doch eine Sogwirkung entfaltet, wie ich es schon lang nicht mehr erlebt habe. Ohne Kinder im Haus, hätte ich sie auch an zwei Nachmittagen verschlingen können. Wie so ein Buch, das man im Urlaub am Strand kapitelweise inhaliert: 9/10(8.7) Punkte.
Nach einem recht ereignislosen und leider auch verregneten Tag, hatte ich abends noch Lust auf einen Film. Da habe ich mich daran erinnert, dass „Shadow in the Cloud“, den ich ohnehin sehen wollte, auf Prime Video läuft. Aufgrund der fortgeschrittenen Stunde kam mir die knackige Laufzeit von gerade einmal 83 Minuten auch recht. Ob der Genre-Mix den Erwartungen gerecht werden konnte? 🛩👹
Ich mag es ja, wenn Genres miteinander verknüpft werden. Völlig egal, ob Gangsterfilm und Vampir-Splatter in
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Nach einem recht ereignislosen und leider auch verregneten Tag, hatte ich abends noch Lust auf einen Film. Da habe ich mich daran erinnert, dass „Shadow in the Cloud“, den ich ohnehin sehen wollte, auf Prime Video läuft. Aufgrund der fortgeschrittenen Stunde kam mir die knackige Laufzeit von gerade einmal 83 Minuten auch recht. Ob der Genre-Mix den Erwartungen gerecht werden konnte? 🛩👹
Ich mag es ja, wenn Genres miteinander verknüpft werden. Völlig egal, ob Gangsterfilm und Vampir-Splatter in „From Dusk Till Dawn“ oder Kriegs- und Zombiefilm in „Operation: Overlord“. Nun also Kriegs- und Monsterfilm. Die Entstehungsgeschichte von „Shadow in the Cloud“ war turbulent und aufgrund eines #MeToo-Skandals gab es etliche Überarbeitungen des Drehbuchs. Viele Bälle also in der Luft. Leider dann doch zu viele. Dabei startet der Film recht vielversprechend und ich mochte die Begrenzung auf nur einen winzigen Schauplatz und das konsequente Dranbleiben an der Hauptfigur, gespielt von Chloë Grace Moretz (u.a. bekannt aus „Let Me In“). Die Atmosphäre war hier schön dicht und der Film hätte sich in jede Richtung entwickeln können. Dann jedoch der erste große Fehler: Das Monster (ein Gremlin) wird bereits viel zu früh in ganzer Pracht gezeigt. Nichts von „Der weiße Hai“ gelernt?
Je länger der Film voranschreitet, desto mehr hatte ich das Gefühl, dass „Shadow in the Cloud“ nur existiert, weil die Macher irgendwie Zugang zu einer alten B-17 hatten. Und das Drehbuch dann halt irgendwie um diesen Fakt herum geschrieben wurde. Man sieht keine totalen Außenaufnahmen (nicht einmal beim Absturz) und auch sonst ist das Flugzeug-Set der einzige Handlungsort. Versteht mich nicht falsch, das hätte gut funktionieren können, doch leider wird nichts daraus gemacht. Das Drehbuch ist zudem größtenteils wirklich schwach und der Gremlin? Was sollte der eigentlich? „Shadow in the Cloud“ inszeniert ihn weder als bedrohliches oder gar gruseliges Monster, noch als mögliches Hirngespinst. Er ist irgendwie einfach da. Und dann der Ellen-Ripley-Gedächtnismoment am Ende. Ich weiß ja nicht. Das sah für mich alles nach erzwungenem Female-Empowerment-Motiv aus, ohne dass dieses jedoch in der Figur oder der Handlung spürbar gewesen wäre. Dazu passt auch der Abspann, der mindestens ebenso aufgesetzt wirkt. Wirklich schade.
Fazit
Ich mochte die erste Hälfte des Films recht gerne. Auch die effiziente Art der Inszenierung und die Atmosphäre. Es stört mich auch nicht, dass man versucht hat, das wohl geringe Budget zu übertünchen. Nur leider hat man es anscheinend einzig und allein auf eine seltsam egale CGI-Figur geschmissen und dafür an Autoren gespart. Ich hätte den Film sehr gerne gemocht, so ist er bestenfalls durchschnittlich: 5/10 Punkte.
Es gibt viele prägende Filme in meiner persönlichen Filmgeschichte. Doch kaum ein Film hat jemals soviel Eindruck hinterlassen, wie „From Dusk Till Dawn“. Ich erinnere mich noch genau an die erste Sichtung: Nach der überschwänglichen Empfehlung eines weiter entfernt wohnenden Freundes, habe ich – zusammen mit meinem damals besten Freund – den Film irgendwie aus der winzigen örtlichen Videothek geschmuggelt. Alleine das war für unter 18jährige schon ein kleines Abenteuer. Dann die Sichtung. Wow. Wir wurden förmlich überrumpelt. Dieser Film hat uns eine völlig neue Filmwelt eröffnet. Da mein Freund älter war und kurze Zeit später völlig legal die Videothek betreten durfte, folgten in den kommenden Wochen Filme wie „Braindead“ und alles weitere, was es von Tarantino oder Rodriguez gab. Mein Interesse am etwas anderen Film war geboren.
„From Dusk Till Dawn“ war zudem einer der wenigen Filme, die ich auf VHS besessen habe – bzw. noch besitze: Die ungeschnittene Widescreen-Version aus UK, gekauft von besagtem 18jährigen Freund im WOM. Was war ich damals stolz. In den kommenden Jahren habe ich den Film unzählige Male gesehen, bis er sich irgendwann totgelaufen hatte. Nun – etliche Jahre später – die erneute Sichtung und ich kann immer noch verstehen, was mich damals so fasziniert hat.
Auch heute noch macht die Verbindung zweier Genres auf mich einen frischen und innovativen Eindruck. Doch im Gegensatz zu den ersten Sichtungen, gefällt mir die erste Hälfte deutlich besser. Diese ist typisch Tarantino und angereichert mit abgefahrenen Dialogen und dem schwärzesten Humor. Allein der Prolog. Fantastisch. Der Film ist hier wahrlich eine Gradwanderung zwischen An- und Entspannung. Er macht Spaß, doch es schwingt stets etwas Unangenehmes mit. Ich habe hier öfters an Rob Zombies „The Devil’s Rejects“ denken müssen – eine ähnliche Atmosphäre. Ab dem Titty Twister nimmt deutlich die Handschrift von Robert Rodriquez zu. Die nun folgenden Splattereinlagen machen immer noch Spaß – zumal auch hier der für Tarantino typische schwarze Humor vorherrscht – doch sind die Abnutzungserscheinungen etwas stärker, als in der ersten Hälfte.
Nachdem der Film in meinem Freundeskreis die Runde gemacht hatte, hat die Anzahl der an Halloween im schwarzen Anzug erscheinenden Jungs deutlich zugenommen. Die Zitate sind in den täglichen Wortschatz mit eingeflossen und Darsteller wie George Clooney oder Harvey Keitel wurden als Garant für gute Unterhaltung gewertet. Von Regisseur und Autor einmal gar nicht zu sprechen. Der Soundtrack wurde auf Parties rauf und runtergespielt und selbst heute höre ich ihn noch gerne. „From Dusk Till Dawn“ war ein Phänomen.
Nachdem ich nun unzählige Filme mehr gesehen habe, kann ich nur sagen, dass ich nach all den Jahren „From Dusk Till Dawn“ auch heute noch in mein Buch der coolen Filme aufnehmen würde: 9/10 Punkte.
Nach dem Filmjahr 2020 ist vor dem Filmjahr 2021. Um dieses zu starten, habe ich mir gestern „Breaking Surface: Tödliche Tiefe“ angeschaut, der noch ganz frisch in meiner Sammlung ist. Da ich bekanntermaßen auf Unterwasserfilme stehe, ist auch dieser auf meinem Radar aufgetaucht und wollte sogleich gesehen werden… 🤿
Wie toll sieht bitte „Breaking Surface“ aus? Die norwegische Landschaft wird großartig eingefangen. Da habe ich direkt Fernweh bekommen. Kein Wunder
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Nach dem Filmjahr 2020 ist vor dem Filmjahr 2021. Um dieses zu starten, habe ich mir gestern „Breaking Surface: Tödliche Tiefe“ angeschaut, der noch ganz frisch in meiner Sammlung ist. Da ich bekanntermaßen auf Unterwasserfilme stehe, ist auch dieser auf meinem Radar aufgetaucht und wollte sogleich gesehen werden… 🤿
Wie toll sieht bitte „Breaking Surface“ aus? Die norwegische Landschaft wird großartig eingefangen. Da habe ich direkt Fernweh bekommen. Kein Wunder nach diesem Jahr. Wir werden schnell mit den Figuren vertraut gemacht, es gibt einen kurzen Flashback, der die Konstellation in der Familie klar macht und los geht es. Und zwar mit einem Tauchtrip, den zwei Schwestern, da die Mutter krank ist, alleine unternehmen. Die jüngere Schwester ist Berufstaucherin und gerade diese wird von einem herabfallenden Felsbrocken auf 33 Meter Tiefe eingeklemmt. Die ältere Schwester, eine reine Hobbytaucherin, muss nun für Hilfe sorgen. Soweit die simple, aber ungeheuer effektive Prämisse. Genau meine Art von Film, oder?
Tatsächlich mochte ich das Setting und den Spannungsaufbau sehr gerne. Was für mich dagegen überhaupt nicht funktioniert hat, ist das Drama im Hintergrund bzw. haben die teils dämlichen Entscheidungen der großen Schwester stark an meinen Nerven gezerrt. Klar ist das eine Extremsituation, doch wurde die Gefahrensituation, so zumindest mein Gefühl beim Schauen, künstlich auf die Spitze getrieben, was überhaupt nicht nötig gewesen wäre. Fun fact am Rande: Der Regisseur wollte ursprünglich ein Kletterdrama inszenieren, aber hat ihm dort die tickende Bombe (also die zeitliche Komponente) gefehlt, weshalb er aus der Idee ein Tauchdrama machte.
Fazit
Trotz seiner Schwächen hatte ich viel Spaß mit „Breaking Surface“. Der Film dauert ja auch nur ca. 80 Minuten, was auch genau die richtige Laufzeit für diese Art von Film ist. Dennoch werde ich mir den Film kein zweites Mal anschauen, da die Spannung nun weg ist und der Weg zum Ziel leider nicht so gelungen gestaltet wurde, wie ich mir das erhofft hatte: 6/10 Punkte.
Nachdem ich bereits auf mein Laufjahr 2020 zurückgeblickt habe, geht nun auch mein Filmjahr 2020 zu Ende. Ich habe insgesamt 92 Filme gesehen, was ganze 13 Filme mehr sind als im Filmjahr 2019. Vermutlich liegt das auch an Corona, fehlenden Urlauben und mehr Zeit vor dem Fernseher. Tatsächlich habe ich aber auch bewusst darauf geachtet, lieber einen Film einzuschalten, als z.B. vor YouTube zu versumpfen. Das ist zwar auch vorgekommen, doch zumindest der Wille war da. Nun also viel Spaß mit meinem Jahresrückblick! 🎥
Anmerkung: Im Gegensatz zu den letzten zwei Jahren, werde ich die Vorjahresdiagramme nicht mehr zusätzlich in den Artikel packen. Dies hat ihn nur lang und unübersichtlich gemacht. Den Unterschied arbeite ich im Text heraus und bei Interesse könnt ihr ja direkt in das Vorjahr klicken. Dafür werde ich alle Filmbesprechungen des Jahres (nach der Wertung sortiert) noch einmal verlinken. Danke für die Aufmerksamkeit.
Freigabe im Jahr 2020
Auch 2020 überwiegen Filme mit geringeren Freigaben, da ich ganze 45 Filme zusammen mit meinen Kindern gesehen habe. Insgesamt überwiegt FSK 12 (34%) vor FSK 6 (25%) und FSK 0 (20%). Die erwachseneren Kategorien fallen mit FSK 16 (17%) und FSK 18 (2%) deutlich geringer aus. Der Schnitt ist dennoch leicht gestiegen: ∅ = exakt FSK 9 (2019: FSK 8 und 8 Monate)
Genre im Jahr 2020
Meine 2020 am häufigsten gesehenen Genres: Abenteuer (17%), Komödie (16%), Fantasy (8%), Coming of Age (7%) und Action, Krimi sowie Sci-Fi (jeweils 6%).
Laufzeit im Jahr 2020
2020 habe ich 6 Tage und 18 Stunden mit dem Schauen von Filmen verbracht (2019: 5 Tage und 19 Stunden). Die durchschnittliche Laufzeit der Filme ist im Vergleich zum Vorjahr ein wenig zurückgegangen: ∅ = 106 Minuten (2019: 107 Minuten)
Produktionsland im Jahr 2020
Auch 2020 dominieren bei mir US-Produktionen, jedoch weit weniger als noch in den Vorjahren: USA (48%), Deutschland (16%), Vereinigtes Königreich (8%), Frankreich (5%) und Italien (4%).
Produktionsjahr im Jahr 2020
Im vergangenen Filmjahr haben Produktionen aus den letzten sieben Jahren überwogen. Ansonsten sind speziell die 1980er Jahre wieder gut vertreten. Ganz vorne tummeln sich 2019 (19%), 2018 (10%), 2017 (8%) und 2014 (7%). Der älteste Film war dieses Jahr „Peter Pan“ aus dem Jahr 1953. Der Durchschnitt über den gesamten Zeitraum (1953 bis 2020) ist übrigens das Jahr 2009.
Stil im Jahr 2020
Trotz häufigerer Filmabende mit den Kindern habe ich 2020 weniger Animationsfilme gesehen als 2019: Konkret waren es 83% Realfilme zu 17% Animationsfilme (2019: 81% zu 19%).
Wertungen im Jahr 2020
Wenn ich nur auf die Wertungen schaue, war 2020 für mich ein äußerst gelungenes Filmjahr: Nur 21% aller gesehenen Filme lagen bei 6 Punkten oder weniger. Die wirklich sehenswerten Filme (7 und 8 Punkte) haben 59% ausgemacht und die herausragenden Filme (9 und 10 Punkte) machten stolze 20% aus. Mein Filmjahr 2020 wieder einfach nur famos: ∅ = 7.5 Punkte (2019: 7.7 Punkte)
In der folgenden Liste findet ihr alle Besprechungen des Jahres 2020 sortiert nach ihren Wertungen (Lieblingsfilme sind mit ❤ gekennzeichnet) und innerhalb der Wertung nach Reihenfolge der Sichtung:
Im Juni habe ich meine eintausendste Filmbesprechung veröffentlicht, was in einem eigenen Rückblick auf 1.000 Filme in 14 Jahren resultiert hat. Ansonsten war der Dezember mit 13 Filmen der beste Filmmonat seit langem. Insgesamt habe ich 2020 somit 92 Filme gesehen: ∅ = 7.7 Filme pro Monat (2019: 6.6 Filme pro Monat)
Filme pro Jahr von 2006 bis 2020
Seitdem ich meine Filmsichtungen dokumentiere, ist das Filmjahr 2020 das beste seit 2007, zumindest wenn ich rein nach der Anzahl der gesehenen Filme gehe. Wie oben bereits geschrieben, ist der Grund dafür bestimmt auch in den Umständen dieses Jahres zu finden. Wie viele Filme wohl 2021 bringen wird?
Bonus-Fakt: 14 der 92 Filme habe ich in 3D gesehen, alle davon im Heimkino.
Wie viele Filme habt ihr 2020 gesehen? Was waren eure Highlights? Wie hat Corona eure Gewohnheiten geändert? Habt ihr mehr oder weniger Filme gesehen als in den Vorjahren? Ich freue mich auf eure Kommentare und wünsche euch ein fantastisches Filmjahr 2021! 🎬
Der Film für den heutigen Filmabend (ohne Kids) war schon länger beschlossene Sache. Mitte der Woche wurde „Love and Monsters“ auf Netflix veröffentlicht, da es für einen Kino-Release leider auch 2021 schlecht aussieht. Ob der Film nun mehr Liebe oder mehr Monster zu bieten hatte, erfahrt ihr in der folgenden Besprechung… ❤🐸
„Love and Monsters“ beginnt in einem beengten Bunker und wir erfahren, dass die Erde, ausgelöst durch die Menschen, von riesigen, mutierten Tieren (eben Monstern) bevölkert wird. 95% der Menschheit wurden getötet und der Rest lebt in Bunkern unter der Erde. Soweit das Setting. Unser Held Joel (gespielt von Dylan O’Brien, bekannt aus der
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Der Film für den heutigen Filmabend (ohne Kids) war schon länger beschlossene Sache. Mitte der Woche wurde „Love and Monsters“ auf Netflix veröffentlicht, da es für einen Kino-Release leider auch 2021 schlecht aussieht. Ob der Film nun mehr Liebe oder mehr Monster zu bieten hatte, erfahrt ihr in der folgenden Besprechung… ❤🐸
„Love and Monsters“ beginnt in einem beengten Bunker und wir erfahren, dass die Erde, ausgelöst durch die Menschen, von riesigen, mutierten Tieren (eben Monstern) bevölkert wird. 95% der Menschheit wurden getötet und der Rest lebt in Bunkern unter der Erde. Soweit das Setting. Unser Held Joel (gespielt von Dylan O’Brien, bekannt aus der „The Maze Runner“-Trilogie) lebt 85 Meilen von seiner ehemaligen Freundin entfernt und beschließt nach sieben Jahren, diese aufzusuchen. Eine große, romantische Geste. Der Liebesaspekt des Films. Dabei ist eindeutig der Weg das Ziel und Joel erlebt auf seiner Reise so einige Abenteuer.
Unterwegs trifft Joel auf einen Hund namens Boy, der ihn von nun an begleitet. Weiterhin begegnet er zwei weiteren Überlebenden. Der Ältere wird von Michael Rooker (bekannt aus u.a. „Slither“ oder „Guardians of the Galaxy Vol. 2“) gespielt und spätestens ab hier hat mich der Film sehr an „Zombieland“ erinnert. Wie in dieser Zombie-Komödie gibt es auch in „Love and Monsters“ bestimmte Regeln, die Joel nun beigebracht werden. Der Humor ist zudem ähnlich und die Dynamik der Figuren ebenso. Ansonsten mochte ich den Soundtrack (u.a. mit „Keep the Car Running“ von Arcade Fire) sehr gerne und natürlich die titelgebenden Monster. Ein sehr unterhaltsamer Trip, der am Ende aber nicht viel Tiefgang zu bieten hat. Einen Punkt Abzug gibt es fast schon dafür, dass ein Schauspieler wie Bruce Spence (u.a. bekannt aus „Mad Max 2: Der Vollstrecker“ oder „Legend of the Seeker“) nur zweimal im Hintergrund durch das Bild läuft. Sehr schade.
Fazit
Insgesamt hat mir „Love and Monsters“ wirklich gut gefallen. Ich mochte die humorvolle Umsetzung, die toll gestaltete Welt samt Monster und die Figuren, welche ein wenig mehr Tiefe hätten vertragen können. Wer Lust auf einen kurzweiligen Abenteuerfilm mit Monsteraction hat, der bzw. die ist hier richtig: 7/10 Punkte.
Gestern haben wir unsere Kinder von den Großeltern geholt, die entsprechend platt waren. Ja, auch die Kinder. Entsprechend sind sie abends in Bett gefallen, was uns die Möglichkeit gab „Maze Runner: Die Auserwählten in der Todeszone“ nachzuholen. Für mich der erste neue Teil der Reihe, welchen ich bisher noch nicht gesehen hatte…
Die Eröffnungssequenz ganz im „Mad Max“-Stil hat mir wirklich gut gefallen. Überhaupt ist der gesamte Film sehr kinetisch erzählt. Stets sind die Figuren in Bewegung und die Action ist übersichtlich inszeniert. Das ist auch gut so, denn „Maze Runner: Die Auserwählten in der Todeszone“ besteht zu 90% aus Action. Der Großteil der Handlung beschäftigt sich damit, dass unsere Helden in eine abgeschottete Stadt eindringen bzw. in eines der Gebäude. Das ist durchaus spannend erzählt, jedoch wird die bisher aufgebaute Welt dadurch ein wenig auf diesen Schauplatz reduziert.
Den Vergleich zu Vorlage kann ich an dieser Stelle nicht mehr fundiert ziehen, doch rein vom Gefühl her ist die Adaption zielgerichteter erzählt und war für mich insgesamt befriedigender. Wes Ball beweist abermals ein Händchen für starke Bilder, doch das sehr weichgespülte Ende am Strand konnte auch er nicht retten. Aufgrund der imposanten Flucht aus der Stadt samt emotionaler Konfrontation zwischen Thomas und Teresa dennoch ein gelungenes Finale der Saga.
Fazit
Wie bereits bei den Büchern reicht keine Fortsetzung an den faszinierenden ersten Teil heran. Im Vergleich zu „Maze Runner: Die Auserwählten in der Brandwüste“ braucht sich das Finale jedoch nicht zu verstecken. Zwar keine Offenbarung im Young-Adult-Dystopie-Bereich, aber wirklich gute Unterhaltung: 7/10 Punkte.
Heute habe ich nicht viel gemacht, außer den letzten Halbmarathon des Jahres zu laufen und den Weihnachtsbaum aufzustellen. Die Lichter brennen schon, doch geschmückt wird er erst morgen. Abends hörten die Kinder noch CD und ich habe „Der Rausch“ in den Blu-ray-Player geschoben. Ein Film, dessen Prämisse mich neugierig gemacht hat und die guten Kritiken haben den Rest übernommen… 🍾🍺🥃
Ich habe im Vorfeld teils gelesen, dass Thomas Vinterbergs Film die Verharmlosung von Alkoholkonsum angelastet wird. Dem ist jedoch keineswegs so, aber das hätte man sich auch denken können. Spannend ist jedoch tatsächlic
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Heute habe ich nicht viel gemacht, außer den letzten Halbmarathon des Jahres zu laufen und den Weihnachtsbaum aufzustellen. Die Lichter brennen schon, doch geschmückt wird er erst morgen. Abends hörten die Kinder noch CD und ich habe „Der Rausch“ in den Blu-ray-Player geschoben. Ein Film, dessen Prämisse mich neugierig gemacht hat und die guten Kritiken haben den Rest übernommen… 🍾🍺🥃
Ich habe im Vorfeld teils gelesen, dass Thomas Vinterbergs Film die Verharmlosung von Alkoholkonsum angelastet wird. Dem ist jedoch keineswegs so, aber das hätte man sich auch denken können. Spannend ist jedoch tatsächlich, dass nicht nur die Schattenseiten gezeigt werden. Auch wenn diese natürlich entsprechend Raum bekommen. Letztendlich ist der Alkohol bzw. der damit verbundene Selbstversuch der vier Lehrerfreunde nur ein Mittel zum Zweck, um endlich wieder am Leben teilzuhaben. Nicht von Routine und Alltagsproblemen an den Rand gedrängt zu werden und alles über sich ergehen zu lassen. Als passiver Zuschauer im eigenen Leben. Durch den Alkohol gewinnen unsere vier Freunde wieder Lebensfreude, was in teils absurd-komischen Szenen gipfelt. Doch nicht jeder ist dem kontrollierten Konsum gewachsen und so kommt es, wie es kommen muss…
Wenn man bedenkt, dass Thomas Vinterbergs Tochter während der Dreharbeiten ums Leben gekommen ist, dann kann ich mir gut vorstellen, dass sich der Fokus des Films noch einmal verschoben hat. Eben darauf, das Leben zu nutzen. Präsent zu sein. Auch abseits vom Alkohol. Gerade die finalen Szenen, wenn die Schüler*innen ausgelassen ihren Abschluss feiern, müssen sehr schmerzhaft gewesen sein. So wohnt „Der Rausch“ auch eine bittersüße Tragik inne, welche uns einen Blick auf unser eigenes Leben werfen lässt: Leben wir es wirklich oder geht es uns wie Mads Mikkelsens Figur Martin und wir stehen nur an der Seitenlinie?
Fazit
Mir hat „Der Rausch“ sehr gut gefallen. Einzig die Entwicklung zum tragischen Höhepunkt des Films war mir zu vorhersehbar. Dazwischen liegen aber unzählige wunderbare Szenen, in welchen die famosen Schauspieler wunderbar spielfreudig auftrumpfen. Am Ende wird der Alkohol weder glorifiziert noch verteufelt. Es kommt eben, wie bei so vielem, auf die Dosis an: 8/10 Punkte.
36 likes, 3 comments - moviescape.blog on December 2, 2021: "Neu in der Sammlung: #derrausch
#derrauschfilm mit #madsmikkelsen im schönen #mediabook von @weltkinofilmverleih
#bluraycollector #bluray #uhdbluray #4kuhd #uhd #4kbluray #bluraycollection…
Für heute hatte ich mir fest vorgenommen, einen Halbmarathon zu laufen. Meinen zwölften dieses Jahr und auch den letzten. Sonderlich fit habe ich mich allerdings nicht gefühlt und das Wetter war auch eher bescheiden; grau und kalt. Die Nacht davor war zudem nicht sonderlich erholsam und mein Kopf voll mit diversen Dingen. Zumindest gegen letzteres sollte ein langer Lauf doch helfen! 😅
Schön am Alten Kanal entlang
Distanz: 22.28 km Zeit: 02:17:44 Anstieg: 215 m Ø Pace: 6:11 min/km Ø Geschwindigkeit: 9.7 km/h Ø Herzfrequenz: 163 bpm Ø Schrittfrequenz: 151 spm Temperatur: 2.8 °C Kalorien: 1809 kcal
2021: 2800 km Dezember: 138 km KW 50: 56 km
Ich habe mir eine schöne Strecke ausgesucht, die allerdings auch recht hügelig ist. Somit galt es 215 Höhenmeter zu bezwingen. Wirklich schnell bin ich auch nicht vorangekommen. Aber das macht nichts, denn Hauptsache laufen. Und ich habe zwei meiner inoffiziellen Ziele erreicht:
Die supercoolen Meisterdiebe vom Sneakpod... ...besprechen heute überraschenderweise die Action-Komödie Red Notice, die sie fast so gut in Feiertagsstimmung bringt wie der diesjährige Weihnachtsfilm Single all the Way.
Der heutige Tag ist wie Sand zwischen meinen Fingern zerronnen. Unfassbar. Da war der letzte Lauf des Monats noch das größte Highlight. Als es dann Zeit für den Filmabend war, hatte ich einmal wieder Lust auf etwas Härteres und habe deshalb „The Hunt“ in den Player geschoben. Im Vorfeld wusste ich nicht viel über den Film, weshalb er mich positiv zu überraschen wusste… 🐷
„The Hunt“ macht wahrlich keine Gefangenen. Bereits im Prolog spritzt das Blut und es wird die Stimmung für die kommenden 90 Minuten gesetzt. Trotz aller Härte wahrt d
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Der heutige Tag ist wie Sand zwischen meinen Fingern zerronnen. Unfassbar. Da war der letzte Lauf des Monats noch das größte Highlight. Als es dann Zeit für den Filmabend war, hatte ich einmal wieder Lust auf etwas Härteres und habe deshalb „The Hunt“ in den Player geschoben. Im Vorfeld wusste ich nicht viel über den Film, weshalb er mich positiv zu überraschen wusste… 🐷
„The Hunt“ macht wahrlich keine Gefangenen. Bereits im Prolog spritzt das Blut und es wird die Stimmung für die kommenden 90 Minuten gesetzt. Trotz aller Härte wahrt der Film eine ironische Distanz zur Gewalt, was ich in dieser Form zuletzt in „Scream“ so erlebt habe. Speziell das Finale hat mich in seiner Inszenierung stark an Wes Cravens Horror-Meilenstein erinnert. Auch inhaltlich besitzt „The Hunt“ mehrere Ebenen und es gibt etliche Wendungen, welche uns das bisher Erlebte reflektieren lassen. Dabei schießen sich Damon Lindelof und Nick Cuse (beide u.a. bekannt für „The Leftovers“) nicht auf eine Gruppe ein, sondern jeder bekommt sein Fett weg.
Die Mischung aus satirischen und sozialkritischen Elementen, wirklich harter Gewalt und einem unglaublichen Tempo, machen den Film unfassbar unterhaltsam. Zumindest wenn man sich darauf einlassen kann. Eine wirkliche Entdeckung ist auch Betty Gilpin, die ich zuvor noch überhaupt nicht auf dem Schirm hatte. Auch in „The Hunt“ muss sie sich erst ins Scheinwerferlicht kämpfen, denn alle anderen scheinbaren Hauptfiguren ergeht es wie Marion Crane und man muss sich als Zuschauer alle paar Minuten neu orientieren. Wie an vielen anderen Stellen, spielt der Film hier gekonnt mit den Erwartungen seines Publikums.
Fazit
Auch wenn „The Hunt“ vor allem dafür bekannt ist, dass er einer der ersten Filme war, die der ersten Corona-Welle zum Opfer gefallen sind, so lohnt sich eine Sichtung auch ein gutes Jahr nach dem kurzen Hype. Ob er beim zweiten Mal, wenn die Überraschungen bekannt sind, noch genauso gut funktioniert, vermag ich nicht zu sagen. Diese erste Sichtung war auf jeden Fall extrem unterhaltsam: 8/10 Punkte.
Der letzte Lauf des Monats. Obwohl die Sonne geschienen hat, war es deutlich kälter als bei den letzten Läufen. Als ich gestartet bin hatte es knapp über 0 °C und dennoch bin ich mit kurzer Hose los. Am Anfang war das knackig kalt, doch gegen Ende ging es dann recht angenehm… 🏃♂️
Heute war es deutlich kälter als es das Foto vermuten lässt
Distanz: 11.15 km Zeit: 01:01:22 Anstieg: 113 m Ø Pace: 5:30 min/km Ø Geschwindigkeit: 10.9 km/h Ø Herzfrequenz: 155 bpm Ø Schrittfrequenz: 149 spm Temperatur: 5.0 °C Kalorien: 813 kcal
2021: 472 km Februar: 231 km KW 8: 54 km
Nun stehen im Februar 231 km auf der Uhr, worüber ich wirklich glücklich bin. Immerhin war es ein sehr kurzer Monat. Morgen werde ich einen Ruhetag einlegen und Montag ist auch noch nicht sicher, da ich einmal wieder ins Büro fahre und der Mittagslauf somit ausfällt. Vielleicht ein Abendlauf? Mal sehen.
Auf dem Gehsteig schlafend... ...werden wir euch rocken, denn wir sind die Sieger und erzählen euch diese Woche, wenn es noch nicht zu spät ist, wie Tom Hanks in Neues aus der Welt (News of the World) seine Flügel ausbreitet, um Helena Zengel in ein …
Nachdem ich schon einiges darüber gelesen und gehört hatte, hat mich eine weitere Besprechung im aktuellen Podcast von Nerdtalk dazu gebracht, mir den für einen Oscar nominierte Dokumentarfilm „Mein Lehrer, der Krake“ direkt einmal anzusehen. Praktisch, dass es sich um eine Netflix-Produktion handelt und der Zugang somit extrem einfach ist… 🤿🐙
Nüchtern betrachtet, ist die Geschichte reichlich unspektakulär: Ein ehemaliger Tierfilmer begegnet quasi vor se
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Nachdem ich schon einiges darüber gelesen und gehört hatte, hat mich eine weitere Besprechung im aktuellen Podcast von Nerdtalk dazu gebracht, mir den für einen Oscar nominierte Dokumentarfilm „Mein Lehrer, der Krake“ direkt einmal anzusehen. Praktisch, dass es sich um eine Netflix-Produktion handelt und der Zugang somit extrem einfach ist… 🤿🐙
Nüchtern betrachtet, ist die Geschichte reichlich unspektakulär: Ein ehemaliger Tierfilmer begegnet quasi vor seiner Haustüre einer Krake und dokumentiert ihr Leben für ca. ein Jahr. Diese Beschreibung würde dem Film jedoch nicht gerecht werden, denn Craig Fosters Leben stand vor dem Zusammenbruch und durch seine Verbindung zur Wildnis, das er durch die Krake aufgebaut hat, bekam sein Leben wieder einen Sinn. Der Titel des Films „Mein Lehrer, der Krake“ bzw. im Original „My Octopus Teacher“ trifft es schon sehr gut. Der Dokumentarfilm sagt viel über Hingabe, Offenheit und Sanftmut aus. Auch über Akzeptanz dem Lauf der Dinge gegenüber. Dingen, die man nicht ändern kann oder sollte.
Neben der ungewöhnlichen Freundschaft zwischen Mensch und Krake, lernen auch wir Zuschauer viel über diese fremdartigen Wesen und ihren Lebensraum. Auch wenn „Mein Lehrer, der Krake“ durchaus Elemente einer klassischen Naturdokumentation besitzt, so macht ihn seine Dramaturgie, welche vor allem durch den ewigen Kreislauf des Lebens geprägt wird, zu etwas Besonderem. Neben der faszinierenden Geschichte und den tollen Einblicken in diese fremde Welt, mochte ich vor allem die Botschaft des Films: Respekt selbst für die kleinsten Lebewesen haben, sich Zeit nehmen, Details zu entdecken, und das Wissen um die Natur weitergeben. Und das alles wunderbar pragmatisch und überhaupt nicht esoterisch erzählt. Fand ich großartig!
Fazit
Ihr habt es vielleicht schon rausgelesen: Mir hat „Mein Lehrer, der Krake“ wirklich außergewöhnlich gut gefallen. Am Ende musste ich sogar die eine oder andere Träne verdrücken. Auch wenn ich die Konkurrenz nicht kenne, so wäre eine Auszeichnung mit einem Oscar für mich definitiv gerechtfertigt. Ein herrlich positiver Film, der gerade in diesen Zeiten unfassbar gut tut: 10/10 Punkte.
Ein großer Teil der oscarnominierten Filme ist bereits heute im Streaming zu sehen. Kein Wunder, dass wir über #HillbillyElegy, #SoundofMetal, #Minari, #Mank oder #PromisingYoungWoman schnacken - aber nebenbei gibt's noch 9 weitere Filme und Serien.
Endlich Osterferien! Zumindest für die restliche Familie. Vor mir liegen zwei anstrengende Arbeitswochen, doch um den Kindern einen gelungenen Start in die Ferien zu bieten, habe ich spontan einen Filmabend einberufen. Schon seit ich vor ein paar Tagen den Trailer zur Neuverfilmung (siehe unten) gesehen habe, hatte ich Lust mir einmal wieder den Disney-Klassiker „Der König der Löwen“ anzusehen. Einer der Filme, die mich in meiner Jugend am stärksten geprägt haben. Warum das so ist, und wie die Geschichte bei meinen Kindern ankam, lest ihr in der folgenden Besprechung…
An dieser Stelle muss ich ein wenig weiter ausholen: „Der König der Löwen“ war einer der wenigen Filme, die wir damals auf VHS-Kassette besessen haben. Ich weiß gar nicht mehr, warum das der Fall war. Auf jeden Fall kam mein Vater eines Tages mit dem Film an. Ich war zu diesem Zeitpunkt schon 15 Jahre alt und mein Interesse an Disney-Filmen befand sich nicht gerade auf dem Höhepunkt. Dennoch habe ich den Film mit angeschaut und war so verzaubert, wie selten zuvor. So richtig kam dieses Gefühl erst am folgenden Tag zur Entfaltung und ich weiß noch ganz genau, wie sehr ich in der Welt dieser Geschichte gefangen war. Für diesen einen Tag lebte ich im geweihten Land. Ich saß den ganzen Tag an meinem Schreibtisch, hing in meinen Gedanken dem Film nach, zeichnete und hörte dabei Radio. Und dort kam ein Bericht (oder ein Hörspiel) zu „Der König der Löwen“. Ich könnte mein Glück kaum fassen und wurde noch tiefer in diese seltsam melancholische Stimmung hineingezogen. Dieses Nachtrauern einer fiktiven Welt ist mir seitdem kaum mehr passiert und schon gar nicht so intensiv.
Seit dieser ersten Sichtung habe ich den Film inzwischen noch ein paar Mal gesehen. Zuerst auf VHS, später auf DVD und sogar das Musical in Hamburg haben meine Frau und ich vor langer Zeit besucht. Dieses intensive Gefühl, das ich nach der ersten Sichtung hatte, sollte sich jedoch nie wieder einstellen. Dennoch zählt „Der König der Löwen“ zweifellos zu den für mich wichtigsten Filmen. Ich liebe die Musik und die klassische Animation, die 1994 auf ihrem Höhepunkt war. Für mich insgesamt wohl der rundeste Animationsfilm von Walt Disney. Hier stimmt für mich einfach alles.
Wie hat der Film meinen Kindern gefallen?
Auch wenn „Der König der Löwen“ mit FSK 0 freigegeben ist, so hatte ich befürchtet, dass er zu dramatisch für den Zwergofanten sein könnte. Und ja, gerade in den drastischen und durchaus tragischen Szenen, die der Film vielfach zu bieten hat, war er deutlich mitgenommen. Auch das Zappelinchen war sichtlich angespannt und nach Mufasas Tod rollten auch ein paar Tränen. Das ist jedoch vollkommen verständlich und auch ich hatte selbst nach all den Jahren noch einen dicken Kloß im Hals. So wie ich es beurteilen kann, konnte dieser Animationsfilm-Klassiker auch heute noch Eindruck hinterlassen. Gerade der Tod des alten Königs und der Kreislauf des Lebens werden in den kommenden Tagen noch Thema sein. Und das ist auch gut so.
Übrigens glaube ich, dass uns der Trailer der Neuverfilmung auf eine falsche Fährte führt, denn gerade die vielen Gesangsszenen wird Jon Favreau (ähnlich wie bei seiner Interpretation von „The Jungle Book“) wohl nicht 1:1 übernehmen. Ich schaue der 2019er Version immer noch ein wenig skeptisch entgegen, doch bin ich auch gespannt, welchen Weg der Regisseur letztendlich damit einschlagen wird:
Keine Frage, auch heute noch zeigt „Der König der Löwen“ beeindruckende Animationskunst und hat mitreißende Songs zu bieten. Ein echter Klassiker eben. Ich freue mich, dass ich meinen Kindern den Film nahe bringen konnte, und bin gespannt wie lange er bei ihnen noch nachwirken wird. Für mich persönlich zweifelsfrei einer der bedeutendsten Filme meiner Kindheit: 10/10 Punkte.
Die erste Arbeitswoche des Jahres liegt hinter mir. Es war schön, einige Kolleg*innen wieder live zu sehen und doch hat es sich angefühlt, als hätte man locker drei Wochen aus den fünf Tagen machen können. Zudem rückt Corona näher, gerade die Zahlen der positiven Fälle aus den Schulen sind erschreckend. Somit haben wir uns alle auf einen entspannten Filmabend gefreut, an dem ich „Jim Knopf und die Wilde 13“ in den Player geschoben habe… 🚂🧜♀️
Die erste Arbeitswoche des Jahres liegt hinter mir. Es war schön, einige Kolleg*innen wieder live zu sehen und doch hat es sich angefühlt, als hätte man locker drei Wochen aus den fünf Tagen machen können. Zudem rückt Corona näher, gerade die Zahlen der positiven Fälle aus den Schulen sind erschreckend. Somit haben wir uns alle auf einen entspannten Filmabend gefreut, an dem ich „Jim Knopf und die Wilde 13“ in den Player geschoben habe… 🚂🧜♀️
Der erste Teil „Jim Knopf und Lukas der Lokomotivführer“ war mir noch gut im Kopf, auch wenn die Sichtung bereits ein halbes Jahr zurückliegt. Somit habe ich mich bei der Rückkehr nach Lummerland schnell heimisch gefühlt und mich zugleich auf ein neues Abenteuer gefreut. Auch dieses war für mich nicht neu, ist mir doch die Adaption der Augsburger Puppenkiste bestens bekannt. Dennoch konnte ich mich an den genauen Ablauf der Geschichte nicht mehr erinnern. Die Struktur des Films ist recht ähnlich zum ersten und doch gibt es genügend neue Schauplätze und Figuren, dass keine Langeweile aufkommt. Ich mochte das alles wieder sehr gerne.
Die Inszenierung ist absolut hochwertig und teils durchaus auf Hollywood-Niveau. Sehr beeindruckend für einen deutschen Kinderfilm. Dadurch besitzt auch „Jim Knopf und die Wilde 13“ etwas Episches, das an große Fantasy-Filme erinnert. Dennoch bleibt es im Kern ein Kinderfilm, in dem jede Figur einfach nur gut zueinander ist. Selbst die gar nicht so bedrohlichen Bösewichte. Das mag für Erwachsene naiv wirken, doch ist des so herzlich inszeniert, dass es eine Freude ist.
Fazit
Auch „Jim Knopf und die Wilde 13“ bietet famose Familienunterhaltung. Die Inszenierung ist beeindruckend und die Geschichte samt Figuren liebevoll ausgestaltet. Wahrlich perfekt für einen Filmabend mit der ganzen Familie: 8/10 Punkte. (Zappelinchen: 10/10 Punkte; Zwergofant: 10/10 Punkte.)
Nachdem der gestrige Filmabend aufgrund eine Spieleabends auf der Terrasse ausgefallen ist, war es natürlich heute soweit. Entgegen des Wunsches des Zwergofanten, haben wir allerdings nicht die Fortsetzung von „Die Unglaublichen“ geschaut, sondern „Jim Knopf und Lukas der Lokomotivführer“. Diesen Film wollte ich eh schon lange schauen und da wir ihn spontan ausleihen konnten, war es heute endlich soweit… 🚂
Michael Endes Vorlage habe ich, so meine ich mich zumindest zu erinnern, nie gelesen. Vielleicht liegt diese Einschätzung auch nur daran, dass sich die Adaption der Augsburger Puppenkiste zu sehr in meinem Kopf eingebrannt hat, wie auch „Urmel aus dem Eis“ oder „Schlupp vom grünen Stern“. Dazu zählt natürlich auch der Titelsong „Eine Insel mit zwei Bergen“ und das Wasser aus Zellophanfolie. Ziemlich viel Nostalgie also. Die moderne Adaption von „Jim Knopf und Lukas der Lokomotivführer“ hatte es bei mir dennoch nicht schwer, was natürlich an Michael Endes starker Geschichte und den liebevoll geschriebenen Charakteren liegt.
Die 2018er Produktion ist in erster Linie ein Abenteuerfilm, dem man sein großes Budget von ca. 25 Millionen Euro auch ansieht. Die Reise von Jim Knopf, Lukas und Lokomotive Emma ist wahrlich beeindruckend umgesetzt und es macht viel Spaß, die wunderbar harmonierenden Figuren bei ihren Abenteuern zu begleiten. Auch wenn einige Stationen recht schnell abgehandelt werden, so nimmt sich der Film doch immer wieder Zeit für Gespräche und Charakterszenen. Und natürlich die eine oder andere Albernheit, was für einen Kinderfilm aber auch nicht ungewöhnlich ist. Bonuspunkte gibt es von mir zudem für die bewusst an Bud-Spencer-Filme angelehnte Kampfchoreographie. Inklusive Doppelbackpfeife und Dampfhammer. Herrlich!
Fazit
Mir hat „Jim Knopf und Lukas der Lokomotivführer“ wirklich viel Freude bereitet. Auch wenn viele Effekte zum Einsatz kommen, so spürt man das Herz, mit dem das Buch adaptiert wurde. Ich freue mich nun schon sehr auf den zweiten Teil: 8/10 Punkte. (Zappelinchen: 8/10 Punkte; Zwergofant: 9/10 Punkte.)
Nach „Gortimer Gibbon: Mein Leben in der Normal Street“ war ich auf der Suche nach einer neuen Serie, die ich zusammen mit den Kids schauen kann. Somit sollte von allen drei Seiten zumindest Interesse am Thema da sein. Ohne größere Diskussionen haben wir uns recht schnell auf „Jurassic World: Neue Abenteuer“ einigen können. Ich erwartete mir nicht viel, war aber zumindest neugierig. Was die Serie letztendlich kann, erfahrt ihr in der folgenden Besprechung… 🦕🦖
Nach „Gortimer Gibbon: Mein Leben in der Normal Street“ war ich auf der Suche nach einer neuen Serie, die ich zusammen mit den Kids schauen kann. Somit sollte von allen drei Seiten zumindest Interesse am Thema da sein. Ohne größere Diskussionen haben wir uns recht schnell auf „Jurassic World: Neue Abenteuer“ einigen können. Ich erwartete mir nicht viel, war aber zumindest neugierig. Was die Serie letztendlich kann, erfahrt ihr in der folgenden Besprechung… 🦕🦖
Ich liebe „Jurassic Park“! Für mich vielleicht der auslösende Kinomoment für meine Filmleidenschaft. Umso gespannter war ich, wie sich dieser Nachzügler zum bereits verwässerten „Jurassic World“-Franchise gestalten würde:
Staffel 1: Welcome to Jurassic World (for Kids)
Zunächst einmal habe ich ein wenig gebraucht, um mich mit dem Animationsstil anzufreunden. Oder gar nicht so sehr mit dem Stil, sondern eher damit, dass es sich um eine Animationsserie handelt. Das passt nicht so wirklich zu meiner Vorstellung des Franchise. Allerdings habe ich mir nach der ersten Episode darüber keine Gedanken mehr darüber gemacht und es hat für mich funktioniert. Inhaltlich startet die Serie recht harmlos und kindgerecht, nur um ab der vierten Episode in eine, für die Reihe typische, „Dinos brechen aus und fressen Menschen!“-Geschichte umzuschlagen. Zwar wird keine explizite Gewalt gezeigt, doch dass der Dino hinter dem Busch gerade eine zuvor eingeführte Figur (an ihrem Geburtstag!) frisst, ist klar ersichtlich. Das fand ich schon happig, zumal die Serie auch ab sechs Jahren freigegeben ist. Zudem bin ich mir auch nicht sicher, ob dieses erzwungene „Wir produzieren für alle Zielgruppen!“ für mich funktioniert. Dennoch hat uns die Serie insgesamt sehr gut unterhalten und die Faszination der Kids ist auf jeden Fall vorhanden (auch wenn sich der Zwergofant ab und zu hinter einem Kissen verstecken musste). Wir sprechen viel darüber, der Zwergofant träumt davon (keine Albträume) und auch das Zappelinchen ist begeistert und kann gar nicht erwarten, wie es denn nun weitergeht. Auch ich hatte, gerade in der zweiten Hälfte der Staffel, wirklich viel Spaß mit der Serie: 8/10(7.5) Punkte.
Staffel 2: Der Fluchtversuch aus dem Park
Die zweite Staffel macht dort weiter, wo die erste aufhört. Inzwischen hatten sich alle Zuschauer an die härtere Gangart gewöhnt und konnten den Abenteuercharakter der Serie voll und ganz genießen. Nachdem Ben in der ersten Staffel von der restlichen Truppe getrennt wurde, sieht man ihn bis zur vierten Episode nicht mehr. Sein überraschender Auftritt am Ende der Folge ist ein famoser Cliffhanger, dem sich ein Rückblick auf seine Erlebnisse, bis zu diesem Zeitpunkt, anschließt. Solch erzählerische Kniffe kennt man sonst nur aus Serien wie „Lost“ und die Kinder waren sichtlich verwirrt, ob der springenden Handlung. Das habe ich sehr gemocht, wie überhaupt die gesamte serielle Erzählung der Serie. Gegen Ende wird die Handlung auch noch einmal richtig dramatisch und drei prominente Figuren werden von Dinos gefressen. Obwohl man auch hier nichts Explizites sieht, hat das definitiv Eindruck hinterlassen. Mit sechs Jahren wären meine Kids noch nicht soweit gewesen, das wegzustecken. Der Cliffhanger am Ende der Staffel macht Lust auf mehr und ich konnte den Kindern nur schwer vermitteln, dass wir nun erstmal mindestens ein Jahr auf die Fortsetzung warten müssen: 8/10(7.9) Punkte
Fazit
Auch wenn ich es zu Beginn nicht für möglich gehalten hätte, so hatte ich doch viel Spaß mit „Jurassic World: Neue Abenteuer“. Noch mehr begeistert waren jedoch meine Kinder und zwar alle beide, was ich auch nicht so vermutet hätte. Insofern freuen wir uns schon jetzt auf die Rückkehr ins „Camp Cretaceous“: 8/10(7.7) Punkte. (Zappelinchen: 10/10 Punkte; Zwergofant: 10/10 Punkte.)
Gortimer Gibbon: Mein Leben in der Normal Street – Die komplette Serie (Staffel 1 bis 2)
Heute habe ich bzw. haben wir eine Serie abgeschlossen, die uns schon seit Mitte des letzten Jahres begleitet. Auf der Suche nach einer Serie, die ich zusammen mit den Kindern schauen kann, sind wir irgendwann auf „Gortimer Gibbon“ gekommen. Nach einer längeren Pause, kurz vor dem Finale, haben wir die Serie heute schweren Herzens abgeschlossen… 🐸🔨📦
Auch wenn es eine übergreifende Handlung gibt, so ist „Gortimer Gibbon“ doch am ehesten ein Procedural mit einem Fall der Woche. Dabei schwankt der Ton stark zwischen Komödie und Drama, wenngleich alle Aspekte auch stets kindgerecht aufgearbeitet sind. Dennoch auch für Erwachsene durchaus sehenswert.
Staffel 1: Willkommen in der Normal Street
„Gortimer Gibbon“ ist in der ersten Staffel eine wunderbar unaufgeregte Serie, die Kinder einfach Kinder sein lässt. Sehr klassisch erzählt (es gibt ein Mysterium der Woche) und überhaupt nicht auf cool getrimmt. Das hat mir wohl am meisten gefallen. Die Mystery-Elemente wirken teils schon ein wenig aufgesetzt und am besten funktioniert die Serie für mich immer dann, wenn sie den Fokus auf die Figuren und ihre Beziehungen zueinander legt. Sprich möglichst wenig Übernatürliches. Aber das gehört zum Konzept der Serie und funktioniert oft auch ganz gut. Obwohl es sich um Protagonisten im frühen Teenager-Alter handelt, gibt es keine aufgesetzte Coolness oder Erwachsenenprobleme. Somit eignet sich die Serie auch perfekt, um sie mit etwas jüngeren Kindern zu schauen. Meine zwei hatten auf jeden Fall viel Spaß damit und auch ich habe die Normal Street immer gerne besucht: 8/10(7.5) Punkte.
Staffel 2: Die einzige Konstante ist Veränderung
Nach den 13 Episoden der ersten Staffel, hält „Gortimer Gibbon“ in seinem zweiten und leider letzten Jahr gleich 26 Episoden für seine Zuschauer bereit. Mit diesen ist mir die Serie auch enorm ans Herz gewachsen. Nicht nur mir, auch meine Kinder sind enorm begeistert und ihnen ist der Abschied sichtlich schwer gefallen. Noch mehr als in der ersten Staffel, verarbeitet die Serie Themen, die relevant für Kinder und Jugendliche sind, mit einem übernatürlichen Kniff. Inzwischen wissen die Autor*innen dieses Element auch gekonnt einzusetzen. Die Serie hat ihren Ton und ihre Struktur gefunden. Wenn z.B. die Mutter einer der Hauptfiguren ums Leben kommt, dann wird dies wunderbar behutsam und doch traurig und endgültig erzählt. Es steckt wirklich viel in dieser Serie, was den Abschied am Ende umso schwieriger macht. Gerne hätten wir Gortimer, Mel und Ranger noch länger begleitet, auch wenn das Finale wahrlich perfekt für die Serie war: 8/10(8.4) Punkte.
Fazit
„Gortimer Gibbon“ war die erste Serie, die ich wirklich konsequent mit den Kindern geschaut habe. Insgesamt haben wir ein gutes halbes Jahr für die beiden Staffeln gebraucht, weshalb wir die Serie auch wirklich genießen konnten. Ich kann euch „Gortimer Gibbon“ nur ans Herz legen, wenn ihr eine Serie sucht, die ihr zusammen mit der ganzen Familie schauen könnt: 8/10(8.0) Punkte. (Zappelinchen: 10/10 Punkte; Zwergofant: 8/10 Punkte.)
Nachdem der Rest der Familie nach unserem Halloween-Filmabend recht schnell ins Bett verschwunden ist, habe ich mir noch „Borat Subsequent Moviefilm“ angesehen. Darauf hatte ich mich schon sehr gefreut, da mich der Vorgänger „Borat: Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan“ erst letzte Woche ziemlich zu begeistern wusste und ich seitdem ein wenig den Sacha-Baron-Cohen-Kosmos auf YouTube abgetaucht bin. 🐒
Nachdem der Rest der Familie nach unserem Halloween-Filmabend recht schnell ins Bett verschwunden ist, habe ich mir noch „Borat Subsequent Moviefilm“ angesehen. Darauf hatte ich mich schon sehr gefreut, da mich der Vorgänger „Borat: Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan“ erst letzte Woche ziemlich zu begeistern wusste und ich seitdem ein wenig den Sacha-Baron-Cohen-Kosmos auf YouTube abgetaucht bin. 🐒
Der Nachfolger des 2006er Hits ist vor ein paar Wochen ziemlich spontan auf Prime Video gelandet. Das war für mich auch der Auslöser, mich mit der Figur vertraut zu machen. Natürlich kann Borat 2020 nicht mehr so überraschen, wie dies noch 14 Jahre zuvor der Fall gewesen ist. Dies wird im Film auch thematisiert und recht schlau in die Handlung eingebunden. War Cohen 2006 noch mit dem Schauspieler Ken Davitian unterwegs, hat er dieses Mal Maria Bakalova an seiner Seite, die seine Tochter Tutar verkörpert. Sie ist dabei genauso entlarvend wie Borat selbst. Höchster Respekt an die junge Schauspielerin. Wie Cohen selbst geht sie absolut furcht- und schmerzlos vor, was den Film in großen Teilen deutlich voranbringt.
Auch wenn „Borat Subsequent Moviefilm“ vor allem aufgrund seiner Szenen mit Mike Pence und Rudy Giuliani in den Medien ist, so sind diese für mich jedoch eher dazu da, die Geschichte bzw. die Beziehung zwischen Borat und seiner Tochter voranzubringen. Die wirklich entlarvenden Konfrontationen entstehen im Dialog mit der einfachen Bevölkerung und sind auch deshalb wieder so bitter. Doch es ist die Figur von Borat und ihre Entwicklung, die im zweiten Teil fast schon als versöhnlich zu bezeichnend ist. Wenn er und Tutar am Ende gemeinsam vor der Kamera stehen, dann wird einem als Zuschauer warm ums Herz. Bei einem Film mit diesem Konzept absolut erstaunlich, was auch die große Kunst Sacha Baron Cohens ist.
Fazit
Auch wenn „Borat Subsequent Moviefilm“ nicht mehr so frisch wirkt (und auch nicht so wirken kann), wie der Vorgänger, so geht er doch wieder genau dahin, wo es schmerzt. Cohen verpackt aktuelle gesellschaftspolitische Themen so schlau und unterhaltsam, dass es einfach nur großartig ist: 8/10 Punkte.
Wir starten ins lange Halloween-Wochenende. Die Kinder haben Herbstferien und ich zumindest zwei Tage frei. Das ist auch bitter nötig. Gefühlt sind wir momentan alle ein wenig ausgebrannt. Unternehmen werden wir natürlich nichts, doch zumindest einen Halloween-Filmabend hatten wir den Kids versprochen. Da die Kids natürlich noch zu jung für echten Grusel sind, ist meine Wahl auf „Hui Buh: Das Schlossgespenst“ gefallen. Was die deutsche Produktion zu bieten hatte? 👻
Ich habe mir nicht viel von „Hui Buh: Das Schlossgespenst“ erwartet. Durch die prominente Teilnahme von Michael Herbig konnte man schon ungefähr erahnen, was für eine Art von Film einen hier erwarten würde. Die meisten Gags ergeben sich aus überzogenem Slapstick, was besonders den Kindern gefallen hat. Nach dem Prolog wird Michael Herbig durch eine leider ziemlich unnötige Computeranimation ersetzt, was für mich der größte Schwachpunkt des Films ist. Besonders da es nur ein paar wenige Szenen gibt, in denen sich dieses Stilmittel auch auszahlt. Meist jedoch macht Hui Buh nicht mehr, als auch ein Mensch mit Maske hätte tun können.
Am meisten hat mich die Geisterstadt beeindruckt: In dieser gibt es wunderbar handgemachte Effekte zu sehen und tatsächlich nettes Worldbuilding. Mich hat das alles ein wenig an Tim Burtons „Beetlejuice“ erinnert. Gerade hier fällt Hui Buh übrigens besonders unangenehm auf, da nahezu alle anderen Geister einfach Menschen in Maske bzw. Kostüm sind und das so viel besser funktioniert als das CGI. Dabei ist die 3D-Figur nett gestaltet und erinnert stark an Michael Herbig, aber sie wirkt stets deplatziert und wie ein Fremdkörper im Film. Wirklich schade.
Fazit
Insgesamt ist „Hui Buh: Das Schlossgespenst“ ein netter Film, der vor allem durch eine falsche Designentscheidung negativ auffällt. Davon abgesehen hatten die Kinder viel Spaß und das ist schließlich die Hauptsache: 5/10 Punkte.
Nachdem ich mich lange dagegen gesträubt hatte, habe ich seit ca. zwei Wochen auch einen Netflix-Account. In erster Linie wegen Serien (ganz konkret „Dark“), doch somit bin ich letztendlich auch in den Genuss von „Das Dilemma mit den sozialen Medien“ bzw. „The Social Dilemma“ gekommen. Ob sich der Dokumentarfilm denn lohnt, erfahrt ihr in der folgenden Besprechung… 💻📱👍
Rein inhaltlich muss ich gestehen, dass „The Social Dilemma“ keine neuen Informationen für mich bereit gehalten hat. Ich arbeite selbst in einem Software-Unternehmen und habe beruflich mit Social-Media-Werbung, YouTube-Algorithmen, Growth-Hackin
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Nachdem ich mich lange dagegen gesträubt hatte, habe ich seit ca. zwei Wochen auch einen Netflix-Account. In erster Linie wegen Serien (ganz konkret „Dark“), doch somit bin ich letztendlich auch in den Genuss von „Das Dilemma mit den sozialen Medien“ bzw. „The Social Dilemma“ gekommen. Ob sich der Dokumentarfilm denn lohnt, erfahrt ihr in der folgenden Besprechung… 💻📱👍
Rein inhaltlich muss ich gestehen, dass „The Social Dilemma“ keine neuen Informationen für mich bereit gehalten hat. Ich arbeite selbst in einem Software-Unternehmen und habe beruflich mit Social-Media-Werbung, YouTube-Algorithmen, Growth-Hacking usw. zu tun. Die Mechanismen, Chancen und Gefahren sind mir bekannt. Auch privat bewege ich mich, wie vermutlich die meisten von euch, in sozialen Netzwerken. Selbst wenn ihr nur Google oder YouTube nutzt. Der Skandal rund um Cambridge Analytica hat mir gezeigt, was die Manipulation von Nutzern in der realen Welt und abseits des Online-Marketings bewirken kann. Mit dem Schritt des Zappelinchens in die digitale Welt (wenn auch ohne Social-Media-Apps) wurde ich erneut für das Thema sensibilisiert.
Tatsächlich richtet sich die Netflix-Doku wohl am ehesten an Menschen, die eine grobe Vorstellung von den Mechanismen haben, sie aber noch nicht im Detail verstehen. Die Interviews fand ich spannend und größtenteils authentisch, die dramatisierten Spielszenen dagegen reichlich albern (Vincent Kartheiser aus „Mad Men“ spielt eine Künstliche Intelligenz in drei Ausführungen). Es ist letztendlich hochwertig produziertes Edutainment, das sich größtenteils auf die kritischen Aspekte konzentriert und diese verständlich aufbereitet. Ein wichtiges Thema, das durch die Doku hoffentlich auch ein paar Zuschauer erreicht, die sich bisher noch nicht viele Gedanken zu ihrem Nutzungsverhalten gemacht haben. Auch für mich war es erneut ein Anstoß, denn auch ich tappe immer wieder in die Falle.
Fazit
Auch wenn „The Social Dilemma“ für mich inhaltlich nichts Neues zu bieten hatte, so fand ich die Informationen doch gut aufbereitet. Die Dramatisierungen hätten sich die Macher sparen können, aber vielleicht helfen sie technisch weniger versierten Zuschauern die Zusammenhänge besser zu verstehen. Ironischerweise operiert Netflix natürlich ebenso nach dem Prinzip, ihre Nutzer möglichst lange an den Screen zu binden. Aber das wird natürlich nicht thematisiert. Dennoch lohnenswert und erhellend: 8/10 Punkte. 📴
Einmal mehr geht eine große Serie zu Ende, die mir über die Jahre sehr ans Herz gewachsen ist. Ich würde sogar soweit gehen das wunderbare Zeitportrait als eine meiner absoluten Lieblingsserien zu bezeichnen. Obwohl das Finale von „Mad Men – Season 7“ bereits 2015 ausgestrahlt wurde, so wirkt es auch noch ein Jahr später nach und ich habe noch keine aktuelle Serie auf dem Radar, die diese Lücke zu schließen vermag. Auch wenn alle Welt von „Breaking Bad“ und „The Walking Dead“ schwärmt, so wird für mich immer „Mad Men“ das Kleinod unter den Eigenproduktionen des Kabelsenders AMC bleiben. In mehrerer Hinsicht das Ende einer Ära.
Die ursprünglich in zwei Teilen ausgestrahlte finale Staffel setzt nahtlos an die vorangegangenen Ereignisse an. Don und Megan führen eine Fernbeziehung, was genauso wenig funktioniert, wie man das erwarten würde. Peggy ist trotz ihres beruflichen Erfolges frustriert und auch die anderen Charaktere befinden sich in einer Art Schwebezustand. Dons Karriere ist zerstört und er muss wieder von vorne anfangen. Die Rollen zwischen ihm und Peggy vertauschen sich, was eine wirklich interessante Dynamik mit sich bringt, besonders da sich Don in dieser Beziehung nicht wie ein egoistisches Arschloch verhält, sondern tatsächlich wie ein Mentor. Zumindest meistens und immer dann, wenn man es am wenigsten erwarten würde. Die Beziehung zwischen den beiden ist wohl eine der wenigen ehrlichen in dieser Serie, was sich auch im letzten Telefonat zwischen Don und Peggy zeigt.
Kurz vor dem Abgrund jedoch wendet sich das Blatt. Sterling Cooper & Partners wird von McCann Erickson gekauft und unsere Hauptfiguren scheinen den großen Preis gewonnen zu haben. Doch wie es in der Werbung eben so ist, bleibt am Ende nichts zurück. Nur Schein, keine Substanz. Das große Finale wirkt seltsam aus der Serienwelt entrückt, passt aber doch zu den vorhergehenden Staffeln, ihn denen Don bereits öfter aus seinem Alltag ausgebrochen ist. Am Ende ist er ganz unten und doch glücklich. Hat er die Werbewelt tatsächlich hinter sich gelassen? Oder am Ende doch wieder nur Inspiration aus seinen neuen Erfahrungen gezogen? Das Ende ist offen und das ist gut so. Denn das Leben geht auch für die Charaktere von „Mad Men“ weiter, selbst wenn wir den wichtigsten noch kurz für eine letzte Szene begegnen dürfen. Wie Werbung selbst zeigt uns die Serie hier nur das, was wir sehen wollen. Und Don? Don bleibt ein Mysterium. Ob er als Relikt der alten Werbewelt in die neue Ära starten wird, bleibt der Vorstellung des Zuschauers überlassen. Ich persönlich glaube, er kehrt zurück.
Was die qualitative Einordnung der einzelnen Staffeln angeht, so fällt mir das bei dieser durchgehend herausragenden Serie sehr schwer. Ich habe alle Staffeln als exzellent in Erinnerung. Dennoch habe ich es versucht und bin gespannt, wie eure Reihenfolge (gerne mit Begründung in den Kommentaren) aussieht:
Mir ist der Abschied von „Mad Men“ so schwer gefallen, wie schon lange bei keiner Serie mehr. Ich würde gerne noch weiterverfolgen, wie sich die Charaktere in den 70er Jahren entwickeln. Da gäbe es bestimmt noch viele spannende Geschichten zu sehen. Man soll jedoch aufhören, wenn es am schönsten ist – und das hat Matthew Weiner auf jeden Fall geschafft. Er lässt und Zuschauer hungrig nach mehr zurück. Eben wie eine gute Werbung: 10/10(9.5) Punkte.
Nach einem entspannten Urlaubstag mit einem Lauf, einem Friseurbesuch, ein wenig Radfahren und Schwimmen, habe ich mich abends sehr auf einen Film gefreut. Der Regen war somit ganz willkommen, musste ich doch kein schlechtes Gewissen haben, mich drinnen vor den Fernseher zu setzen und „Greenland“ anzuschauen. Den Film hatte ich schon länger im Blick und mich sehr auf die Sichtung gefreut… ☄
Tatsächlich ist „Greenland“ nur auf meinem Radar gelandet, weil mich die Pr
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Nach einem entspannten Urlaubstag mit einem Lauf, einem Friseurbesuch, ein wenig Radfahren und Schwimmen, habe ich mich abends sehr auf einen Film gefreut. Der Regen war somit ganz willkommen, musste ich doch kein schlechtes Gewissen haben, mich drinnen vor den Fernseher zu setzen und „Greenland“ anzuschauen. Den Film hatte ich schon länger im Blick und mich sehr auf die Sichtung gefreut… ☄
Tatsächlich ist „Greenland“ nur auf meinem Radar gelandet, weil mich die Prämisse sehr an das Buch „The End of the World Running Club“ samt Fortsetzung erinnert hat. Im Grunde geht es um einen Kometen, welcher der Erde zu nahe kommt und die Folgen des drohenden Einschlags. Das hat man schon unzählige Male gesehen und doch konnte ich „Greenland“ einige neue Aspekte abgewinnen. Die Struktur des Films hat mich ein wenig an den Tsunami-Thriller „The Impossible“ erinnert, samt des Fokus auf die Familie, deren gewaltvolle Zerschlagung und Wiedervereinigung. Sehr emotional und wirklich mitreißend erzählt.
Wie realistisch der Umgang mit der drohenden Katastrophe ist, lässt sich natürlich schwer einschätzen, doch fand ich das Setting und die Bedrohungen, zumindest in der Welt des Films, stets nachvollziehbar. Überhaupt kein Vergleich zu „2012“ oder ähnlich gelagerten Filmen. Mit Gerard Butler und Morena Baccarin ist „Greenland“ absolut passend besetzt. Beiden habe ich ihre Rolle voll und ganz abgekauft. Zudem mochte ich es sehr, dass der Film kein Effektspektakel ist, sondern sich auf das Drama innerhalb der Familie konzentriert. Das ist alles zwar recht vorhersehbar, doch auch sehr befriedigend in seiner Ausführung. Selbst das cheesy Finale.
Fazit
Wer gerne Katastrophenfilme sieht und etwas dick aufgetragenem Familiendrama etwas abgewinnen kann, der ist bei „Greenland“ goldrichtig. Packende und unterhaltsame zwei Stunden sind garantiert: 8/10 Punkte.
Heute merke ich, dass meine Laune ziemlich im Keller ist. Alles ist zu viel und doch zu wenig. Auf den heutigen Filmabend habe ich mich dennoch gefreut und „Archive“ in den Blu-ray-Player geschoben. Ein Film, den ich ohne die schöne Mediabook-Veröffentlichung von Capelight Pictures (siehe Foto unten) wohl nie gesehen hätte. Traurig eigentlich. 🤖
Filme wie „Archive“ sind aus unserem kollektiven Filmbewusstsein verschwunden. Da gibt es nur noch die großen Blockbuster, basierend auf bereits bekannten Marken, sowie kurzlebige Netflix-Eigenproduktionen. Der Rest geht vollkommen unte
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Heute merke ich, dass meine Laune ziemlich im Keller ist. Alles ist zu viel und doch zu wenig. Auf den heutigen Filmabend habe ich mich dennoch gefreut und „Archive“ in den Blu-ray-Player geschoben. Ein Film, den ich ohne die schöne Mediabook-Veröffentlichung von Capelight Pictures (siehe Foto unten) wohl nie gesehen hätte. Traurig eigentlich. 🤖
Filme wie „Archive“ sind aus unserem kollektiven Filmbewusstsein verschwunden. Da gibt es nur noch die großen Blockbuster, basierend auf bereits bekannten Marken, sowie kurzlebige Netflix-Eigenproduktionen. Der Rest geht vollkommen unter. Vor ein paar Jahren war das noch anders. Da konnten Filme wie „Moon“ einen gewissen Bekanntheitsgrad erreichen. Tatsächlich hat mich „Archive“ stark an Duncan Jones‘ Sci-Fi-Hit erinnert. Speziell was das Produktionsdesign angeht, das auch der Welt von „Alien“ oder „Blade Runner“ hätte entspringen können, aber auch aufgrund der ruhigen und angenehm unaufgeregten Erzählweise samt dem Gefühl der Isolation. Kein Wunder, hat Regisseur Gavin Rothery doch im Designteam von „Moon“ mitgearbeitet.
Aufgrund der Roboterthematik musste ich auch an Alex Garlands „Ex Machina“ denken, der jedoch deutlich wuchtiger daherkommt. Gavin Rotherys Regiedebüt ist dagegen sehr zurückhaltend erzählt und bietet wundervolle handgemachte Effekte. Die Welt von „Archive“ ist zwar klein, doch so liebevoll gestaltet, dass sie einfach echt wirkt. Mich hat der Film wirklich sehr begeistert. Einzig die finale Wendung, die ich während des letzten Drittels bereits häufiger vermutet hatte, hätte es in meinen Augen nicht gebraucht. Sie funktioniert und ist emotional, doch wäre die Aussage des Films ohne stärker gewesen. Dennoch definitiv ein Ergebnis, das sich kein Sci-Fi-Fan entgehen lassen sollte.
Wie bereits festgestellt, hat es ein kleines Sci-Fi-Drama, wie „Archive“, heute schwer sein Publikum zu finden. Deshalb sei euch die Sichtung dringend ans Herz gelegt. Wer nicht in die empfehlenswerte Blu-ray investieren will, kann den Film momentan auch kostenlos auf Prime Video sehen. Falls ihr reinschaut, lasst doch einmal hören, wie er euch gefallen hat. Eine dicke Empfehlung: 8/10 Punkte.
Freitagabend. Filmzeit. Nachdem der Film schon unendlich lange auf meiner Liste der noch zu sehenden Filme stand, habe ich heute endlich „Moon“ eingelegt. Der Film von David Bowies Sohn Duncan Jones wurde besonders von Genrefans in den höchsten Tönen gelobt. Selbst Vergleiche zu Ridley Scotts Sci-Fi-Klassiker „Blade Runner“ wurden gezogen. Doch was hat der 2009er Überraschungshit tatsächlich zu bieten? Spoiler sind zu erwarten.
Der Film hat eine Menge zu bieten. Besonders eine Menge Sam Rockwell. Der Film ist eine One-Man-Show im besten Sinne. Glücklicherweise hatte Duncan Jones ein glückliches Händchen bei der Besetzung – wenn man dem Making of glauben mag, hatte er „Moon“ sogar einzig und allein für Sam Rockwell geschrieben. Eine klassische Win-Win-Situation. Auch für den Zuschauer. Ebenso wichtig, wie der Hauptdarsteller ist jedoch das futuristische Setdesign, das tatsächlich an die Sets der großen Sci-Fi-Klassiker, wie z.B. die Nostromo aus „Alien“, erinnert. Äußerst gelungen.
Die Geschichte an sich hatte ich mir deutlich mysteriöser vorgestellt. Diverse Film-Podcasts schlichen verdächtig um etwaige Spoiler herum und man hätte den Eindruck gewinnen können, dass „Moon“ auf eine große Auflösung abzielt. Jedoch weit gefehlt. Die Handlung ist von Anfang an recht klar und versucht nicht den Zuschauer unnötig auf falsche Fährten zu locken. Es geht nicht darum, dass Sam Bell herausfindet ein Klon zu sein (was ohnehin bereits in den ersten 30 Minuten geschieht), sondern was er mit dieser Information anstellt. Was ist der Sinn des Lebens? Was macht ein Individuum aus? Existenzielles Drama par excellence.
Auch wenn ich „Moon“ nicht als so einflussreich und beeindruckend wahrgenommen habe, wie wohl die meisten Genrefans, so hat mich der Kern der Geschichte doch wirklich berührt. Ich mochte die Interaktion der beiden Sams, den zur Abwechslung netten Roboter und die audiovisuelle Präsentation des Films. Ein kleiner und doch großer Genrefilm, wie es sie viel zu selten gibt. Sollte man auf jeden Fall gesehen haben: 8/10 Punkte.
Es ist das Ende einer Ära. Eine der am längsten laufenden Drama-Serien, welche ich komplett verfolgt habe, geht mit „Shameless – Season 11“ zu Ende. Es war definitiv eine Serie, die mich sehr positiv überrascht hat und die mich stets zu unterhalten wusste. Neben „The Office“ somit die zweite US-Adaption einer UK-Serie, welche mir außerordentlich gut gefallen hat. Aber ich greife voraus. Prost, Frank! 🍺🥃
Es ist das Ende einer Ära. Eine der am längsten laufenden Drama-Serien, welche ich komplett verfolgt habe, geht mit „Shameless – Season 11“ zu Ende. Es war definitiv eine Serie, die mich sehr positiv überrascht hat und die mich stets zu unterhalten wusste. Neben „The Office“ somit die zweite US-Adaption einer UK-Serie, welche mir außerordentlich gut gefallen hat. Aber ich greife voraus. Prost, Frank! 🍺🥃
Hat mich in der vorangegangen Staffel Fionas Abschied noch ziemlich gestört, war das im elften Jahr kaum noch der Fall. Nicht weil die Figur nicht fehlen würde, sondern weil ich mich bereits daran gewöhnt hatte. Irgendwie doch schade. Alle anderen Gallaghers bekommen jedoch genug zu tun und somit ist man als Zuschauer*in wieder mittendrin im chaotischen Geschehen. Die Zeichen stehen dabei klar auf Abschied bzw. Veränderung: Lip möchte das Gallagher-Haus verkaufen, Debbie stellt sich quer und Liam hat Angst, alleine auf der Straße wohnen zu müssen. Ian und Mickey wollen gemeinsam in ihre Zukunft starten und suchen sich eine neue Bleibe. Auch für Veronica und Kevin stehen die Zeichen auf Umbruch, selbst wenn dieser eher ungeplant kommt. Carl ist Rookie bei der Polizei und muss mit dieser Situation klarkommen, was für allerlei Trubel sorgt. Und Frank? Frank leidet an alkoholbedingter Demenz, worunter auch seine Familie zu leiden hat. Viele Handlungsstränge also einmal wieder, wobei es noch unzählige kleinere Geschichten gibt.
Das Finale selbst kam für mich nicht überraschend und ist nur konsequent. Allein wie es erzählt wird, mag im Kontext der Serie seltsam erscheinen. Doch für mich hat es funktioniert. Gerade auch weil sich für viele Figuren zwar etwas ändert, aber es kein plötzliches Happy End aus heiterem Himmel gibt (z.B. Hausverkauf). Nein, die Serie bleibt sich und ihren Figuren treu. Auch dass Fiona nicht noch einmal aufgetaucht ist, war nur schlüssig, auch wenn ich es schade fand. Dafür kehrt Frank gedanklich in die Vergangenheit zurück und das war schön inszeniert. Weit nicht perfekt, doch so ist eben „Shameless“. Insgesamt hat mir die finale Staffel überraschend gut gefallen. In die Gesamtbewertung ordnet sie sich folgendermaßen ein:
Ich werde die Gallaghers in den kommenden Jahren vermissen. Diese eine Staffel „Shameless“ war bisher eine feste Konstante in meinem Serienjahr. Aber es ist auch gut, dass es vorbei ist. Was hätte es noch zu erzählen gegeben? Insgesamt eine erstaunlich gut geschriebene Serie mit einem fantastischen William H. Macy, den ich wohl nie mehr nicht als Frank Gallagher wahrnehmen werde. Wenn die Show bisher an euch vorbeigegangen ist, dann schaut unbedingt einmal rein. Für das Finale gibt es: 8/10(8.2) Punkte.
Nach 9 Jahren verlässt eines der Comedy-Schwergewichte die US-Serienbühne. Als ich vor ca. 6 Jahren die ersten zaghaften Versuche unternahm, mich in dem kleinen Büro in Scranton heimisch zu fühlen, hätte ich es nie für möglich gehalten, dass „The Office (US) – Season 9“ einmal so gemischte Gefühle bei mir hervorrufen würde. Abschied ist mir eben schon immer schwer gefallen…
Zunächst einmal möchte ich meine Emotionen aufgrund des Serienfinales ausblenden und konkret etwas zur 9. Staffel schreiben. Diese war qualitativ höchst heterogen, d.h. teils haben mich einzelne Episoden unglaublich genervt und teils lag ich vor Lachen fast am Boden – letzteres kam jedoch leider viel seltener vor. Am schlimmsten fand ich wohl, wie man mit bereits etablierten Charakteren umgegangen ist: Besonders Andy Bernard (Ed Helms) hat man auf Kosten seiner Sympathie zu einer hassenswerten Witzfigur verkommen lassen. Wirklich schade. Generell lässt sich festhalten, dass die Geschichten immer abgedrehter und die Figuren zu einer Karikaturen ihrer selbst wurden.
Als es in der Beziehung zwischen Pam und Jim zu bröckeln beginnt, hatte ich mit dem Schlimmsten gerechnet. Glücklicherweise hat man noch die Kurve gekriegt und Pam keine – wie anfangs zu befürchten war – Beziehung zum Tonmann der fiktiven Dokumentation angedichtet, sondern dieses Ereignis genutzt, um das Finale vorzubereiten. Gegen Ende der hat die Serie auch fast wieder zu alter Größe zurückgefunden und ich habe die finalen drei Doppelepisoden sehr genossen. Ein rundum gelungener Abschluss nach drei holprigen Jahren. Insgesamt würde ich die qualitative Einordung der einzelnen Staffeln wohl wie folgt vornehmen:
Aufgrund des wirklich gelungenen Finales blicke ich letztendlich doch sehr wehmütig auf meine 6 Jahre mit der US-Version von „The Office“ zurück. Die ersten drei Staffeln hatten mich nahezu perfekt unterhalten, danach folgten drei immer noch sehr gute Jahre und erst gegen Ende hat die Qualität deutlich nachgelassen. Dennoch gab es immer wieder Episoden, die mich zum lachen brachten. Besonders wenn man sich tagtäglich in der Geschäftswelt bewegt, lassen sich durchaus einige Parallelen ziehen.
Über die Jahre sind mir die Serie und ihre Charaktere wirklich ans Herz gewachsen. Das famose Finale wertet die ansich eher schwache 9. Staffel letztendlich so auf, dass ich die Serie im kommenden Jahr doch vermissen werde. Na, vielen Dank auch! Ein echter Höhepunkt zum Abschluss – ‚That’s what she said!‘ –, der es mir tatsächlich schwer macht, Abschied von diesem kleinen Büro in Scranton zu nehmen: 7/10(7.0) Punkte.
Auch wenn ich mich oft über zu frühe Absetzungen beschwere, so ist es manchmal doch auch erschreckend mit anzusehen, wie ehemalige Lieblingsserien langsam aber sicher in die Durchschnittlichkeit ab…
Nach meiner Sichtung der ersten Staffel von „The Boys“ war ich mir sicher, auch in die zweite Staffel sofort reinzuschauen, wenn sie erscheint. Zumal ich Autor Garth Ennis durch seinen Comic „Preacher“ und die zugehörige Serienadaption sehr zu schätzen gelernt habe. Doch, wie es manchmal so ist, habe ich „The Boys – Season 2“ erst später nachgeholt. Jedoch besser spät als nie… 🦸♂️🦸♀️
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Nach meiner Sichtung der ersten Staffel von „The Boys“ war ich mir sicher, auch in die zweite Staffel sofort reinzuschauen, wenn sie erscheint. Zumal ich Autor Garth Ennis durch seinen Comic „Preacher“ und die zugehörige Serienadaption sehr zu schätzen gelernt habe. Doch, wie es manchmal so ist, habe ich „The Boys – Season 2“ erst später nachgeholt. Jedoch besser spät als nie… 🦸♂️🦸♀️
Die zweite Staffel setzt genau nach der ersten an. Die große Enthüllung an deren Ende wird jedoch nicht direkt aufgenommen und der Handlungsstrang rund um Karl Urbans Butcher erst später weiterverfolgt. Mit Stormfront gesellt sich eine neue Heldin zu den Seven, welche sich später (keine Überraschung an dieser Stelle) als Antagonistin herausstellen wird. Gerade in Kombination mit dem erneut ultrafiesen Homelander ist das eine gefährliche Kombination. Doch auch in der Führungsriege von Vought bewegt sich so einiges und Giancarlo Esposito als Vought-Boss ist, wie bereits in „Breaking Bad“, sehr erfrischend. Hinzu kommt eine an Scientology erinnernde Kirche, welche für weitere Turbulenzen zwischen den Supes und den Boys sorgt.
Am besten hat mir wohl gefallen, dass etliche Charaktere nun eine ausführlichere Hintergrundgeschichte verpasst bekommen, was es mir deutlich leichter gemacht hat, mit ihnen mitzufiebern. Gerade die Dreiecksbeziehung zwischen Butcher, Becca und Homelander war sehr emotional aufgeladen. Zwar gibt es immer noch etliche plakative und platte Schockeffekte, wie bereits in der ersten Staffel, doch insgesamt fühlt sich das zweite Jahr gesetzter und kraftvoller an. Wunderbar waren auch wieder die Bezüge zu aktuellen gesellschaftspolitischen Themen, welche die satirische Grundstimmung der Serie unterstreichen. Wirklich extrem unterhaltsam.
Fazit
Auch im zweiten Jahr konnte mich „The Boys“ begeistern. Handlung und Figuren gewinnen mehr Tiefe, was jedoch nicht auf Kosten fieser Splattereffekte oder des irrsinnigen Humors geht. Auch im dritten Jahr werde ich bestimmt wieder mit dabei sein, wenn die Boys neue Supes jagen: 9/10(8.8) Punkte.
Mangels Netflix-Account bin ich oft außen vor, wenn es um neue Hype-Serien geht. Doch nun lief auch auf Prime Video eine neue Serie an, die in aller Munde zu sein scheint: Ob „The Boys – Season 1“ gerechtfertigt so früh in meinem Programm gelandet ist, erzähle ich euch in der folgenden Besprechung… 🦸♂️🦸♀️
Ganz neu ist das alles nicht. Spätestens mit Alan Moores „Watchmen“ wurde die Ära der postmodernen Superhelden eingeläutet. Auch die eher witzig-brutale Schiene wurde mit „Kick-Ass“ und Co. bereits im Mainstream-Kino abgedeckt. Nachdem die moderne Kinowelt komplett in Marvel-Hand ist, und spätestens mit Disney+ auch immer mehr Vorstöße in Richtung des kleinen Bildschirms vorgenommen werden, war es nur eine Frage der Zeit, bis sich auch hier die Dekonstruktion unserer Helden manifestiert. Noch vor dem Start der „Watchmen“-Serie auf HBO, geht Amazon mit der Comic-Verfilmung „The Boys“ an den Start. Mir war der Comic im Vorfeld noch nicht bekannt, doch bereits der Trailer hat mich stilistisch sehr an die oben genannten Vorbilder erinnert:
In nur acht Episoden (jeweils mit einer knappen Stunde Laufzeit) erzählt „The Boys“ die Geschichte einer Welt, in der Superhelden in unserer Gesellschaft etabliert sind. Sie sind Helden und Medienstars zugleich. Werbefiguren und Influencer. Gesteuert von einem Konzern, der – wie sollte es anders sein? – nur an zwei Dingen interessiert ist: Macht und Geld. Da beides korrumpiert, ist es auch kein Wunder, dass unsere Helden alles andere als Saubermänner und -frauen sind. Eher das Gegenteil. Kein Wunder, dass sich mit den titelgebenden „The Boys“ eine Gegenbewegung formiert hat.
Sex, Drugs and Blood’n’Gore!
Wir nehmen die Welt durch die Augen von Hughie (gespielt von Jack Quaid, Sohn von Meg Ryan und Dennis Quaid) wahr, dessen Freundin von einem Flash-artigen Superhelden namens A-Train wortwörtlich über den Haufen gerannt wurde. Alleine diese Szene setzt gekonnt den Ton für „The Boys“: Ultrabrutal, schockierend und doch comichaft und witzig überzeichnet. Zumindest während der acht Episoden der ersten Staffel wird diese Formel auch nie langweilig. Ich hatte jede Sekunde Spaß mit der Serie, auch wenn der Humor und der damit einhergehende vorgehaltene Spiegel oftmals eher plump und nicht sonderlich subtil eingesetzt werden.
Neben der inhaltlichen Spritzigkeit (auch das ist durchaus wortwörtlich zu nehmen), hat mich speziell die Inszenierung beeindruckt. Effekte und Look entsprechen schon wirklich Kino-Niveau, was auch durch das für Serien noch ungewohnte Cinemascope-Format unterstützt wird. Ziemlich beeindruckend, was Amazon hier auf die Beine gestellt hat. Auch Soundtrack und Schauspieler (u.a. Karl Urban) spielen auf hohem Niveau, was dem Unterhaltungswert definitiv zugute kommt.
Fazit
Ja, „The Boys“ macht unglaublich viel Spaß und ist genau zum richtigen Zeitpunkt erschienen. Den Superhelden so langsam überdrüssig, kann man sich hier schön an der Dekonstruktion des Genres ergötzen. Das alles wird oft ganz schön mit der Brechstange erzählt, was aber auch den Reiz der Serie ausmacht. Vielleicht nicht der große Überflieger, doch insgesamt extrem unterhaltsam: 8/10(8.3) Punkte.
Der heutige Samstag ist wie im Flug vergangen: Gegen Mittag war ich eine Runde laufen, danach habe ich Rasen gemäht und im Garten gewerkelt. Abends noch ein paar Flammkuchen gemacht und dann hat auch schon „Palm Springs“ gerufen, den ich schon länger sehen wollte. Inzwischen übrigens auf Prime Video verfügbar… 🌴
Eigentlich kann ich mich nun selbst in eine Zeitschleife begeben und noch einmal wiederholen, was ich damals in meiner Besprechung von
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Der heutige Samstag ist wie im Flug vergangen: Gegen Mittag war ich eine Runde laufen, danach habe ich Rasen gemäht und im Garten gewerkelt. Abends noch ein paar Flammkuchen gemacht und dann hat auch schon „Palm Springs“ gerufen, den ich schon länger sehen wollte. Inzwischen übrigens auf Prime Video verfügbar… 🌴
Eigentlich kann ich mich nun selbst in eine Zeitschleife begeben und noch einmal wiederholen, was ich damals in meiner Besprechung von „The Map of Tiny Perfect Things“ geschrieben habe:
Auch wenn das Genre inzwischen schon ziemlich ausgelutscht ist, so liebe ich es doch. Vielleicht auch, weil ich ich bis heute darauf warte, dass mit „Replay: Das zweite Spiel“ die beste Zeitschleifen-Geschichte verfilmt wird. Der Roman hatte Harold Ramis damals zu „Und täglich grüßt das Murmeltier“ inspiriert und steht somit auch indirekt Pate für „The Map of Tiny Perfect Things“. Natürlich wird auch in diesem Film das Original offen angesprochen. Ebenso wie „Edge of Tomorrow“. Autor Lev Grossman ist sich somit bewusst, dass seine Geschichte keine originelle Prämisse bietet, doch das was er daraus macht, ist durchaus erfrischend. Somit ist „The Map of Tiny Perfect Things“ für den romantischen Film das, was „Happy Deathday“ für den Horrorfilm war.
Auch in „Palm Springs“ wird vorausgesetzt, dass der Zuschauer das Prinzip der Zeitschleife bereits kennt. Es wird kein großer Hehl darum gemacht und lediglich wenn die weibliche Hauptfigur (gespielt von Cristin Milioti, der Mutter aus „How I Met Your Mother“) die Zeitschleife betritt, wird dieser Aspekt kurz angerissen. Im Grunde ist „Palm Springs“ eine absurde Komödie und eine Romanze, was nur deshalb so gut funktioniert, weil Cristin Milioti und Andy Samberg (Jake Peralta aus „Brooklyn Nine-Nine“) eine wunderbare Chemie zusammen besitzen. Mit J.K. Simmons (Fletcher aus „Whiplash“) gibt es zudem einen weiteren Schauspieler, der den Cast perfekt ergänzt und für so manch absurden Moment sorgt.
Wird das nicht langsam langweilig mit den immer gleichen Zeitschleife-Filmen? Für mich tatsächlich nicht. Ich mochte auch die neuen Aspekte, die „Palm Springs“ zum Genre bringt. Besonders schön fand ich übrigens die Mid-Credit-Szene, welche eine ganze Reihe an Möglichkeiten aufmacht. Herrlich! Zudem glaube ich, dass die immer gleiche(?) Prämisse noch nicht ausgereizt ist. Wenn ich konsequenter wäre, hätte ich an meiner Romanidee schon weitergeschrieben. Aber dafür müsste ich wohl selbst in einer Zeitschleife stecken…
Fazit
Auch wenn „Palm Springs“ nichts wirklich Neues erzählt, so mochte ich den lockerleichten bis absurd komischen Ansatz doch sehr gerne. Auch der RomCom-Aspekt hat mir sehr gut gefallen. Für 90 Minuten nahezu die perfekte Unterhaltung, an die ich mich morgen bestimmt noch gut erinnern kann: 8/10 Punkte.
Wochenende bedeutet auch immer ein entspannter Lauf, weil kein Zeitdruck herrscht. Dennoch war ich heute, für meine Verhältnisse, ziemlich flott unterwegs. 🏃♂️
Ein flotter Samstagslauf…
Distanz: 10.17 km Zeit: 00:54:23 Anstieg: 64 m Ø Pace: 5:21 min/km Ø Geschwindigkeit: 11.2 km/h Ø Herzfrequenz: 161 bpm Ø Schrittfrequenz: 155 spm Temperatur: 17.8 °C Kalorien: 746 kcal
2021: 2156 km September: 158 km KW 37: 56 km
Mit diesem Eintrag sind auch wieder 25 Läufe voll, sprich seit dem 1050. Eintrag sind gut vier Wochen vergangen und es wird Zeit auf einen Blick auf die Gesamtstatistik:
[strong]2008[/strong]
[strong]2009[/strong]
2010
2011
2012
Distanz
130,60
143,53
382,31
426,62
291,15
Dauer
15:32:00
15:37:00
38:48:45
41:55:03
28:39:25
kCal
12.416
11.838
32.184
33.147
22.415
min/km
7:05
6:31
6:05
5:53
5:54
[strong]2013[/strong]
2014
2015
2016
2017
Distanz
388,03
319,01
243,70
670,52
649,79
Dauer
39:02:57
31:23:04
24:24:25
63:12:58
64:56:12
kCal
29.878
24.563
18.930
54.316
53.696
min/km
6:02
5:54
06:00
05:39
5:59
2018
2019
2020
2021
Gesamt
Distanz
1.132,30
451,9
2.020,36
2.156,51
9.406,33
Dauer
109:40:38
44:12:04
190:24:35
201:50:52
909:39:58
kCal
95.800
39.100
159.598
161.327
749.208
min/km
5:48
5:52
5:39
5:37
6:00
Trotz Urlaub habe ich nicht an Gewicht zugelegt, was ich durchaus als positiv empfinde. Insgesamt habe ich 2021 bisher schon 303 Tafeln Schokolade bzw. 686 Flaschen Bier durch das Laufen vernichtet. 🍺🍫
Verwässert... ...sind in dieser Folge über den Actionfilm Sweet Girl vor allem unsere halbgaren Aquaman-Scherze, aber was bleibt uns anderes übrig, wenn man nicht spoilern darf? Stefan hat pünktlich nach 20 Jahren Der Anschlag auf Alterungsqualitäten…
Wie es die Tradition verlangt, stand an Halloween natürlich ein Horrorfilm auf dem Programm. Tatsächlich bin ich aber erst sehr spät vor den Fernseher gekommen, da alle Kinder der Nachbarschaft auf den Beinen waren und von Haus zu Haus gezogen sind. Auch ich habe mich ins Getümmel gestürzt und eifrig Süßigkeiten verteilt. Gegen 20 Uhr war der Spuk dann vorbei und die Wahl für den Film des Halloween-Abends ist auf „The Empty Man“ gefallen, der als Geheimtipp unter Genrefreunden kursiert. 🎃
Wenn ihr das illustrierende Szenenbild oben anschaut, könnte man meinen, es bei „The Empt
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Wie es die Tradition verlangt, stand an Halloween natürlich ein Horrorfilm auf dem Programm. Tatsächlich bin ich aber erst sehr spät vor den Fernseher gekommen, da alle Kinder der Nachbarschaft auf den Beinen waren und von Haus zu Haus gezogen sind. Auch ich habe mich ins Getümmel gestürzt und eifrig Süßigkeiten verteilt. Gegen 20 Uhr war der Spuk dann vorbei und die Wahl für den Film des Halloween-Abends ist auf „The Empty Man“ gefallen, der als Geheimtipp unter Genrefreunden kursiert. 🎃
Wenn ihr das illustrierende Szenenbild oben anschaut, könnte man meinen, es bei „The Empty Man“ mit einem Monsterfilm zu tun zu haben. Der gut 20-minütige, sehr atmosphärische Prolog führt uns Zuschauer*innen in eine noch ungewisse Richtung. Danach biegt der Film Richtung Teenie-Schocker ab, der an den Genre-Klassiker „Candyman“ erinnert. Ihr wisst schon: Vor einem Spiegel fünfmal Candyman sprechen und Tony Todds gnadenloser Killer macht Jagd auf euch. Oder das Videoband aus „The Ring“ anschauen und warten bis das Telefon klingelt. Hier ist es nach der Dämmerung auf einer Brücke in eine leere Flasche pusten. Funktioniert genauso. Gepaart wird all das mit einer Detektivgeschichte und kosmischem Horror, der durch einen undurchsichtigen Kult heraufbeschworen wird. Alles klar soweit?
Sehr stringent mag „The Empty Man“ wirklich nicht wirken, doch all die Versatzstücke passen wunderbar zusammen. Regisseur David Prior inszeniert seinen Horror-Thriller so dicht, dass die Atmosphäre teils zum Schneiden ist. Er setzt wenig auf Jump-Scares und doch war ich in den meisten Szenen extrem angespannt. Dies liegt auch am Spiel von James Badge Dale, der die Hauptfigur großartig lakonisch verkörpert. Mit der Auflösung am Ende hätte ich nicht gerechnet und sie wirkt wie ein, zugegebenermaßen ein wenig kalkulierter, Schlag in die Magengrube. Die Reise dorthin ist allerdings so atmosphärisch, unterhaltsam und stimmig, dass ich über ein paar Ungereimtheiten in Inszenierung und Storytelling gerne hinwegsehe.
Fazit
„The Empty Man“ beschreitet ungewöhnliche Pfade und ich kann den Film allen, zumindest ein wenig am Horrorkino interessierten Zuschauer*innen, nur ans Herz legen. Definitiv kein Film, der sich leicht in eine Schublade stecken lässt. Der Horror ist zudem nicht sonderlich plakativ, sondern schleichend. Sprich, ich als alter Angsthase habe mich auch wirklich gefürchtet. Sehr sehenswert: 8/10 Punkte.
15 likes, 4 comments - moviescape.blog on October 31, 2022: "Bilanz bisher: Fast alle Süßigkeiten sind schon weg, viele höfliche Kinder mit coolen Kostümen, ein paar Ausfälle und zwei Kinder mit meiner Maske zum Weinen gebracht.
Nach dem tiefen Eintauchen in „The Expanse“ stehen ein paar Serien auf dem Programm, die ich jährlich verfolge. Das kommt nicht mehr häufig vor, doch sind es Shows, die mir inzwischen wirklich viel bedeuten. Den Anfang macht „This Is Us – Season 5“ und das bedeutet, dass seit Sichtung der vierten Staffel nur fünf Monate vergangen sind. Dies hat den Wiedereinstieg deutlich vereinfacht… 🥰
Die fünfte Staffel von „This Is Us“ ist die erste Serie, welche die Coro
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Nach dem tiefen Eintauchen in „The Expanse“ stehen ein paar Serien auf dem Programm, die ich jährlich verfolge. Das kommt nicht mehr häufig vor, doch sind es Shows, die mir inzwischen wirklich viel bedeuten. Den Anfang macht „This Is Us – Season 5“ und das bedeutet, dass seit Sichtung der vierten Staffel nur fünf Monate vergangen sind. Dies hat den Wiedereinstieg deutlich vereinfacht… 🥰
Die fünfte Staffel von „This Is Us“ ist die erste Serie, welche die Corona-Pandemie in ihre Serienwelt einbaut. Zumindest die erste, die ich gesehen habe. Das wirkt zugleich höchst aktuell, befremdlich normal und doch seltsam, denn bisher boten Geschichten in Film- und Serienform stets die altbekannte Nähe. Nun ist die Pandemie also auch im fiktiven Erzählen angekommen. Dieses Element wird nicht aufdringlich, aber doch stets präsent in die Handlung eingewoben. Das hat mir gut gefallen. Auch davon abgesehen präsentiert sich „This Is Us“ sehr aktuell und nah dran am soziopolitischen Geschehen und thematisiert unter anderem den Mord an George Floyd. Keines dieser Themen drängt jedoch die Handlung rund um die Großfamilie Pearson in den Hintergrund. Somit stehen weiterhin die persönlichen Geschichten und Konflikte im Familienkreis im Fokus. Insgesamt ist den Autor*innen damit eine gute Mischung gelungen, welche die Serie über andere Werke dieses Genres hinaushebt.
Inhaltlich bewegt sich „This Is Us“ auch im fünften Jahr auf bekannten Pfaden und entwickelt sich dennoch kontinuierlich weiter. Nur bei Randalls Handlungsstrang rund um seine Geburtsmutter hatte ich den Eindruck der Redundanz. Das Thema wäre für mich eigentlich durch gewesen. Dennoch funktioniert auch dieser Erzählbogen und war am Ende schön emotional inszeniert. Seine Konfrontation bzw. Diskussion mit Kevin fand ich dagegen inhaltlich spannender, weil dieser Aspekt in der Vergangenheit noch nicht so prominent in den Fokus gestellt wurde. Die Hochzeitsfeier am Ende samt erzählerischem Kniff hat mich dann doch wieder überrascht. Ich kann noch nicht genau sagen, wie ich diese Entwicklung finden soll, freue mich aber nun umso mehr auf die Auflösung in der finalen sechsten Staffel.
Fazit
Auch wenn ich die fünfte Staffel von „This Is Us“ nicht ganz so herausragend fand, wie noch das vierte Jahr, so habe ich die 16 Episoden doch sehr genossen. Die Serie tut mir in vielerlei Hinsicht einfach gut, selbst wenn das gehäufte Drama teils ein wenig übertrieben scheint. Wie es die Autor*innen letztendlich umsetzen, funktioniert für mich nach wie vor großartig: 9/10(9.3) Punkte.
The Expanse – Die komplette Serie (Staffel 1 bis 6)
In den vergangene zwei Monaten habe ich eine Serie gesehen, die schon ewig auf meiner Liste stand. Doch ich wollte warten, bis sie abgeschlossen ist. Das ist sie seit ein paar Wochen und somit habe ich endlich „The Expanse“ gesehen. Der Serie eilt der Ruf voraus, die Sci-Fi-Offenbarung der letzten Jahre zu sein. Nach der Sichtung kann ich dieser Einschätzung nur zustimmen und schon einmal vorwegnehmen, dass ich euch die Serie, selbst wenn ihr keine Hardcore-Sci-Fi-Fans seid, wirklich sehr ans Herz legen kann. 👩🚀🚀
Über „The Expanse“ wird auch gesagt, die Serie sei das „Game of Thrones“ im Weltraum. Ich kann dem zu einem gewissen Grad zustimmen, speziell was Politik und den Einsatz von Fantasy-Elementen angeht. „The Expanse“ ist jedoch viel optimistischer, gerade was die Entwicklung der Held*innen angeht. Doch lest selbst und begleitet mich auf auf die Reise durch unser Sonnensystem:
Staffel 1: Leviathan Wakes
Es hat ein paar Episoden gedauert, bis ich mich zurechtgefunden habe. „The Expanse“ besitzt ein sehr ausführliches Worldbuilding, was uns zwar wunderbar in die Geschichte hineinzieht, gerade am Anfang aber auch verwirrend sein kann. Nicht nur gib es drei parallel verlaufenden Handlungsstränge mit unterschiedlichen Protagonist*innen, jeder Schauplatz hat auch seine eigenen Regeln und es dauert zum letzten Drittel der Staffel, bis die verschiedenen Stränge zusammenlaufen. Auch wenn man teils merkt, dass nicht überaus viel Budget zur Verfügung stand, so sind die Effekte jedoch großartig. Diese Zukunft ist dreckig und düster. Man spürt förmlich, dass in dieser Welt gelebt wir. Auch die CGI-Effekte können überzeugen und haben mich stark an „Firefly“ und „Battlestar: Galactica“ erinnert, nur eben 10 Jahre weiter. Auch die Schauspieler*innen machen ihre Sache famos. Am meisten mochte ich Thomas Jane, der herrlich abgewrackt spielt, und Dominique Tipper, der man ihre ambivalente Rolle komplett abnimmt. Auch die Nebenrollen sind hochwertig besetzt. Hier konnte ich u.a. Jared Harris (George VI in „The Crown“) entdecken. Mein einziger Kritikpunkt bisher ist, dass sich bisher alles wie ein großer Prolog angefühlt hat. Aber ich mag es ja, wenn sich Serien Zeit nehmen und freue mich auf die weitere Reise: 8/10(8.4) Punkte.
Staffel 2: Caliban’s War
Mit Start der zweiten Staffel hatte mich „The Expanse“ dann komplett für sich eingenommen. Inzwischen war mir die Welt mit ihren verschiedenen Parteien vertraut und ich konnte mich voll und ganz in die Handlung fallen lassen. Neben den bereits bekannten Figuren lernen wir das Militär des Mars näher kennen. Zudem wird der Handlungsstrang rund um das Protomolekül konsequent weitererzählt. Wir verlieren Charaktere und lernen neue kennen. Die Welt wird größer, komplexer und noch nachvollziehbarer. Teils konnte ich nicht abschalten und habe zwei bis drei Episoden pro Abend gesehen, was wirklich extrem selten vorkommt. Schon lange habe ich keine fiktive Welt mehr erlebt, die solch eine Faszination auf mich ausgeübt hat. Spätestens auf Ganymed zieht dann auch das Tempo deutlich an und es kommt zu ersten, kriegsähnlichen Auseinandersetzungen, was der Serie noch einmal eine ganz spezielle Atmosphäre verleiht. Die Staffel endet dann mit mehreren parallel verlaufenden Showdowns und ich freue mich schon enorm darauf zu sehen, wie diese in der dritten Staffel fortgeführt werden: 9/10(9.1) Punkte.
Staffel 3: Abaddon’s Gate
In der dritten Staffel finden endlich Figuren zusammen, die wir bisher nur getrennt erlebt haben. Mit Ankunft von Chrisjen Avasarala auf der Rocinante kommt viel Dynamik und Spannung auf das Schiff, was ich gar wunderbar fand. Gerade auch weil der Krieg im Sonnensystem nun in vollem Gange ist, inklusive Meuterei und höchst spannenden Gefechten. Weniger jedoch von der Action her gesehen, als in dem, was zwischen den Figuren passiert. Parallel dazu bekommen wir einen genaueren Einblick in die Entstehung der Hybriden und dürfen auf Io der Wiedervereinigung von Prax und seiner Tochter beiwohnen. All das passiert nur in der ersten Hälfte der Staffel. Im zweiten Teil gibt es eine Entwicklung und das Protomolekül baut, einfach mal so, einen riesigen Ring mitten im Sonnensystem. Alle Parteien versuchen nun ihr Stück vom potenziellen Kuchen abzubekommen und reisen Richtung Ring. Die Handlung wird fantastischer, als man dies bisher von „The Expanse“ gewöhnt ist, und doch fügt sich alles wunderbar zu einem großen Ganzen zusammen. Das Finale eröffnet letztendlich so viele Möglichkeiten, dass ich mir gar nicht vorstellen mag, was passiert wäre, hätte Amazon nicht die Serie von SyFy übernommen: 9/10(9.4) Punkte.
Staffel 4: Cibola Burn
Die erste von Amazon produzierte Staffel beginnt sogleich mit einem Paukenschlag: Wir begeben uns mit der Crew der Rocinante nach New Terra bzw. Illus und somit auf einen fremden Planeten, den sich einige Belter als neue Heimat auserkoren haben. Um diesen Handlungsstrang von den anderen (auf Erde und Mars) abzugrenzen, wird das Bildformat auf 2,40:1 gemattet, was die ganze Serie noch cineastischer erscheinen lässt, als sie ohnehin schon ist. Auch wenn dieser Erzählstrang teils ein wenig forciert wirkt (eben eine typische New-Frontiers-Geschichte) und auch nicht immer logisch ist, so fand ich ihn doch enorm packend. Daneben gibt es ein paar kleinere Geschichte rund um Bobbie Draper auf dem Mars sowie die Jagd nach einem Belter-Terroristen (Naomis Ex-Mann), was durchaus unterhaltsam ist, aber nicht mehr so gekonnt mit dem Haupthandlungsstrang verwoben, wie noch in den vorangegangenen Staffeln. In der letzten Episode scheint sich dieser Aspekt wieder ein wenig zu verschieben und somit habe ich große Hoffnungen für die fünfte Staffel: 9/10(8.8) Punkte.
Staffel 5: Nemesis Games
Es ist wirklich erstaunlich, wie unterschiedlich sich jede einzelne Staffel von „The Expanse“ anfühlt. Auch das fünfte Jahr bildet hier keine Ausnahme: Unsere Charaktere sind getrennt und erleben recht individuelle Abenteuer. Ein zu Beginn eher noch nebensächlich wirkender Handlungsstrang tritt plötzlich in den Fokus als Marco Inaros, Naomis Ex-Mann, einen Anschlag auf die Erde ausübt, der das Machtgefüge im Sonnensystem komplett auf den Kopf stellt. Speziell Naomis Geschichte ist mir sehr nahe gegangen. Sie steht in dieser Staffel zweifellos im Mittelpunkt, wenngleich wir auch Amos auf einen Ausflug in seine Vergangenheit begleiten, Alex und Bobbie Draper ein gemeinsames Abenteuer erleben und Holden seltsam machtlos wirkt, Einfluss auf die aufsteigende Bedrohung zu nehmen. Am Ende der Staffel gibt es zudem noch einen unerwarteten Todesfall innerhalb der Crew der Rocinante, welcher mich wirklich mitgenommen hat. Auch weil er beinahe beiläufig passiert. Das große Finale ist nun vorbereitet und ich kann gar nicht glauben, dass die Serie nur noch sechs Episoden laufen soll. Das wird ein harter Abschied: 9/10(9.1) Punkte.
Staffel 6: Babylon’s Ashes
Die finale Staffel hat, im Gegensatz zu den 10 bis 13 Episoden der vorhergehenden Staffeln, nur sechs Folgen. Dadurch wirkt sie sehr komprimiert, aber auch auf den Punkt erzählt. Beinahe schon wie der zweite Teil der fünften Staffel, denn der Handlungsstrang rund um Marco Inaros steht weiterhin im Mittelpunkt. Der Unterschied ist jedoch, dass die Crew der Rocinante wieder vereint ist. Das war dringend nötig und sorgt für die nötigen Emotionen im Finale. Neben der Crew der Roci ist jedoch Camina Drummer der heimliche Star dieser letzten Staffel. Eine unfassbare Figur, deren Handlungsstrang großartig konsequent und befriedigend zu Ende gebracht wird. Zu Ende bringen ist auch ein gutes Stichwort, denn obwohl das Finale von „The Expanse“ nahezu alle wichtigen Erzählfäden auflöst, geht das Leben für die Charaktere jedoch weiter. Nur wir als Zuschauer*innen verlassen dieses Universum. Das ist so schön, wie auch schmerzhaft. Auch wenn der Staffel zwei bis vier Episoden mehr gut getan hätten, so bin ich doch mehr als zufrieden mit diesem großartigen Finale: 10/10(9.5) Punkte.
Fazit
Schon lange hat mich keine Serie mehr so in ihre Welt gezogen, wie das „The Expanse“ gelungen ist. Ich habe, gerade als es auf das Ende zuging, im Kopf noch lange in diesem Universum gelebt. Der Abschied von den Figuren fällt mir extrem schwer. Einzig, dass eine Rückkehr durch die Bücher möglich ist, mildert den Schmerz etwas. Somit ist auch beschlossen, was ich als nächstes Großprojekt nach Frank Herberts „DUNE“ angehen werde. Es geht zurück auf die Rocinante: 9/10(9.1) Punkte.
Es ist ja nicht so, als würden nicht genügend Filme bei mir im Regal stehen. Nein, da gibt es ein Streaming-Angebot und ich schlage natürlich zu. Immerhin bei einem Film, den ich mir ohnehin ansehen wollte und dessen Blu-ray bereits im Warenkorb lag. Ob „Underwater: Es ist erwacht“ tatsächlich ein Film für die Sammlung gewesen wäre? 🤿
Das ist wohl der häufigste Vergleich, den man im Vorfeld über den Film gehört hatte. Und er ist sehr naheliegend und sinnig. Denn Regisseur William Eubank hat für „Underwater“ zweifellos Inspiration bei
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Es ist ja nicht so, als würden nicht genügend Filme bei mir im Regal stehen. Nein, da gibt es ein Streaming-Angebot und ich schlage natürlich zu. Immerhin bei einem Film, den ich mir ohnehin ansehen wollte und dessen Blu-ray bereits im Warenkorb lag. Ob „Underwater: Es ist erwacht“ tatsächlich ein Film für die Sammlung gewesen wäre? 🤿
Das ist wohl der häufigste Vergleich, den man im Vorfeld über den Film gehört hatte. Und er ist sehr naheliegend und sinnig. Denn Regisseur William Eubank hat für „Underwater“ zweifellos Inspiration bei Ridley Scotts „Alien“ gesucht. Das fängt beim generellen Look an, geht bei nahezu identischen Kameraeinstellungen weiter und hört bei der Heldin in Unterwäsche auf. Das ist kein Zufall, sondern eine bewusste Entscheidung. Macht aber auch nichts, denn ich liebe sowohl das „Alien“-Franchise als auch Filme, die unter Wasser spielen. Da James Camerons „The Abyss“ immer noch nicht auf Blu-ray erschienen ist, muss dann eben ein Film wie „Underwater“ herhalten.
Für mich ging alles ein wenig schnell. Man lernt die Figuren nicht kennen und sofort bricht die Katastrophe über die Tiefbohrstation herein. Überhaupt wirkt der Film extrem gehetzt in seinem Springen von Action-Set-Piece zu Action-Set-Piece. Die Action selbst fand ich durchaus packend inszeniert, wenngleich es hier auch so wirklich gar nichts Neues zu sehen gibt. Selbst die Monster fand ich irgendwie fad. Dennoch hatte ich Spaß bei dem Treiben, weil es eben genau mein Genre ist. Ein wenig mehr Eigenständigkeit und ein richtiges World-Building hätten „Underwater“ jedoch in jeder Hinsicht gut getan.
Fazit
Nein, ein Film für die Sammlung ist „Underwater“ nicht. Dennoch hatte ich für gut 90 Minuten Spaß mit dem Film. Leider machen es seine Vorbilder in allen Belangen besser. Ich habe mich dennoch gefreut, einmal wieder in eines meiner liebsten Genres zurückzukehren: 6/10 Punkte.
Noch zwei Worte zum Streaming: Dafür ist der Film denkbar ungeeignet, denn aufgrund der immer gleichen Farbgebung kommt es durch die niedrige Datenrate konstant zu Color-Banding-Effekten. Zumindest visuell würde somit einiges für die Blu-ray sprechen.
Alien: Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt – Director’s Cut (1979)
Meist fasse ich mit meinen Einträgen rudimentär die Gefühle zusammen, welche ich nach der Sichtung eines Films habe. Bei einigen wenigen Filmen versuche ich bestimmte Punkte abzuhandeln, die mir besonders am Herzen liegen. Dann jedoch gibt es Filme, die das Bedürfnis in mir wecken der ganzen Welt mitzuteilen, um was für ein bahnbrechendes Meisterwerk es sich handelt. Ridley Scotts „Alien: Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt“ gehört ohne Zweifel zu letztgenannter Kategorie. Nicht nur Meilenstein für das Kino, sondern ganz besonders für meine persönliche filmische Entwicklung.
Meinen ersten Kontakt mit „Alien“ hatte ich im zarten Alter von vielleicht 12 oder 13 Jahren. Es war der Geburtstag meines Vaters und während meine Eltern feierten, hatte ich mit ein paar Freunden den alten Fernseher im Keller belagert. Ich weiß heute noch, dass der Film um 22 Uhr auf ARD oder ZDF lief und ich bereits während der Eröffnungstitel sichtlich nervös war. Damals hatte ich noch keinen Kontakt zu Horrorfilmen und es war in mehrerer Hinsicht eine Premiere. Den Film habe ich zu diesem Zeitpunkt auch nicht zu Ende gesehen, öfter das Zimmer verlassen und mich abgelenkt. Es sollte jedoch eines der prägendsten Filmerlebnisse meiner Jugend werden.
Wann ich „Alien“ dann zum ersten Mal komplett sah, kann ich heute nicht mehr sagen. Ich weiß jedoch, dass es mich große Überwindung gekostet hat, mich zu einer Sichtung durchzuringen. Auch heute noch gibt es kaum einen zweiten Film, der mich trotz unzähliger Sichtungen die Spannung körperlich so sehr spüren lässt, wie Ridley Scotts bahnbrechender Sci-Fi-Horror. Neben unzähligen TV-Ausstrahlungen, ist die „Alien“-Tetralogie wohl auch die einzige Reihe, welche ich bei einem Videoabend komplett an einem Stück gesehen und von der ich bisher alle erhältlichen DVD-Fassungen besessen habe. Allein dies sollte den Stellenwert der Filme – und besonders des ersten Teils – für mich deutlich machen.
Zum Thema Schnittfassungen sei gesagt, dass mir beide Versionen nahezu gleich gut gefallen. Der Kinocut ist mir bereits in Fleisch und Blut übergegangen und demnach kann ich nichts mehr daran kritisieren. Er ist perfekt. Ridley Scotts 2003er Director’s Cut habe ich bisher erst zweimal gesehen und er erscheint mir heute moderner und mitreißender. Einige Straffungen machen durchaus Sinn und ich liebe manche der neuen Szenen, wenngleich ich andere lieber nicht in dem Film gesehen hätte. Wie man es auch dreht und wendet: Der Film funktioniert in beiden Fassungen und keine lässt den Film komplett anders wirken. Ich für meinen Teil freue mich über die Abwechslung und entscheide mich vor jeder Sichtung aufs Neue.
Noch mehr als bei den vorhergehenden Sichtungen, ist mir gestern der perfekte Aufbau des Films aufgefallen. Von der ersten Sekunde an wird Ellen Ripley als rational handelnder Charakter eingeführt, der weiter denkt als alle anderen, eher emotional getriebenen Charaktere. Nicht nur hat Ridley Scott in „Alien“ somit einen weiblichen Actionhelden etabliert, es wurde zudem noch mit der typischen Rollenverteilung gebrochen: Hätte Ripley die Crew überzeugen können, Kane nicht an Bord zu holen, wäre die Situation gleich zu Beginn entschärft worden und es hätte keinen Alienangriff gegeben.
Weiterhin bemerkenswert ist die Tatsache, dass man das von H. R. Giger perfekt gestaltete Alien nie wirklich zu Gesicht bekommt. Zumindest fast nie. Vor dem Angriff auf Brett sieht man es allerdings für ein paar Sekunden in voller Pracht, ohne jedoch zu wissen, dass man es überhaupt sieht. Eine wahrlich meisterhafte Einstellung, die belegt, dass manche Filme tatsächlich mit jeder Sichtung wachsen. In die gleiche Kerbe schlägt das Finale: Ripley – und somit auch der Zuschauer – hat alles überstanden und fühlt sich dementsprechend sicher. Sie zieht ihren Kampfanzug aus und steht, verletzlicher denn je, in ihrer Unterwäsche vor uns. Das Adrenalin ist aus der Blutbahn verschwunden und was folgt ist beinahe schon apathische Entspannung – doch plötzlich bricht das unbeschreibbare Grauen in diesem Moment der größten Verletzbarkeit über Ripley (und somit den Zuschauer, der sich nun ebenfalls in Sicherheit wähnt) herein. Wohl eines der mitreißendsten finalen Szenen der Filmgeschichte.
Ich könnte nun noch stundenlang über Jerry Goldsmiths eindringlichen Score, die prägnanten Soundeffekte, das zeitlose Set- und Kreaturendesign sowie die schauspielerischen Glanzleistungen (insbesondere von Sigourney Weaver) schreiben. Doch weiß ich, dass bestimmt 99% meiner Leser den Film bereits kennen und ebenso lieben, wie ich selbst. Dem übrig gebliebenen 1% kann ich nur sagen: Geht raus und kauft euch die fantastischen Blu-rays. Ihr werdet ein Filmerlebnis haben, das ihr nie vergessen werdet: 10/10 Punkte.
Nachdem wir heute den zweiten Teil des Adventure-Games „Im Nebelreich“ gespielt haben, sind wir erst gegen 21:30 Uhr aufs Sofa gekommen. Eigentlich zu spät für einen Film, doch wollte ich unbedingt „A Quiet Place 2“ sehen, zumal der morgige Abend bereits verplant ist. Glücklicherweise war auch die Fortsetzung kein Film, bei dem die Müdigkeit durchschlägt. 🎙🤫
Gerade im Horrorgenre sind Fortsetzungen oft eher mit Vorsicht zu genießen. Auch der Überraschungshit „A Quiet Place“ war nie als Franchise geplant. Um
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Nachdem wir heute den zweiten Teil des Adventure-Games „Im Nebelreich“ gespielt haben, sind wir erst gegen 21:30 Uhr aufs Sofa gekommen. Eigentlich zu spät für einen Film, doch wollte ich unbedingt „A Quiet Place 2“ sehen, zumal der morgige Abend bereits verplant ist. Glücklicherweise war auch die Fortsetzung kein Film, bei dem die Müdigkeit durchschlägt. 🎙🤫
Gerade im Horrorgenre sind Fortsetzungen oft eher mit Vorsicht zu genießen. Auch der Überraschungshit „A Quiet Place“ war nie als Franchise geplant. Umso gespannter war ich, was sich John Krasinski für das Sequel hat einfallen lassen: Zunächst einmal beginnt es mit einem Rückblick zum ersten Tag des Monsterangriffs. Man begleitet erneut die Familie Abbott und lernt das Leben mit all seinen Geräuschen kennen. Diese ersten 10 Minuten wirken ein wenig unnötig, doch glücklicherweise platziert Krasinski hier bereits Elemente (Setup), welchen später in der Geschichte noch eine Bedeutung zukommt (Payoff). Dadurch wirkt auch diese Zeit nicht verschwendet und der Bruch vom lauten Alltag hin zur stillen Postapokalypse ist sehr wirkungsvoll.
War der erste Teil eher noch intimes Familiendrama, so macht „A Quiet Place 2“ seine Welt größer. Mit Cillian Murphy gesellt sich ein neuer Darsteller zum Cast, der sehr gut in diese Welt passt. Oft erleben wir drei parallele Handlungsstränge, welche stets durch eine dramaturgisch abgestimmte Parallelmontage inszeniert werden. Sehr effektvoll und mitreißend. Inhaltlich wird die Geschichte auch konsequent fortgeführt. Sie verläuft ziemlich genau so, wie man sich das nach dem ersten Teil hätte denken können. Es gibt kaum Überraschungen und auch wenn ich es schön fand, die Figuren bei ihrem weiteren Überlebenskampf zu begleiten, so habe ich mich doch gefragt, ob das denn überhaupt nötig war.
Fazit
Konnte mich „A Quiet Place“ durch seine Originalität uns sein intimes Familiendrama begeistern, so führt die Fortsetzung den eingeschlagenen Weg konsequent weiter. Dabei ist sie inhaltlich nicht mehr so auf den Punkt geschrieben, was jedoch der Struktur der Geschichte geschuldet ist. Vermutlich das beste Sequel, das man hätte umsetzen können, jedoch bleibt es fraglich, ob es überhaupt eines gebraucht hätte: 7/10 Punkte.
Am Ende eines recht entspannten Tages, den wir größtenteils mit dem Adventure-Game „Im Nebelreich“ verbrachten, stand abends noch ein Film auf dem Programm. Vor der Fortsetzung, die unter dem Weihnachtsbaum lag, wollte ich noch einmal den ersten Teil von „A Quiet Place“ sehen. Gesagt, getan. 🌽🤫
Ich mochte „A Quiet Place“ bereits während meiner ersten Sichtung. Der Film bietet ein innovatives Endzeitsetting, eine starke Inszenierung, glaubwürdige Effekte und vor allem sympathische Figuren, mit denen man mitfiebern kann. Es ist wahrlich unfassbar schmerzhaft mit anzusehen, wie die Abbotts den gesamten Film über mit dem Verlust ihres bis dato jüngsten Familienmitglieds kämpfen. Jede einzelne Figur hat hier ihre Bürde zu tragen und die Emotionen schlagen voll durch. Letztendlich ist es auch das Familiendrama, was „A Quiet Place“ von anderen Genrevertretern abhebt. Hier hat John Krasinski (bekannt aus „The Office“ und „Tom Clancy’s Jack Ryan“) wahrlich ein gutes Händchen bewiesen, wie überhaupt beim gesamten Film, für den er sich als Drehbuchautor, Regisseur und männlicher Hauptdarsteller verantwortlich zeichnet.
Mit seinen knapp 90 Minuten Laufzeit ist „A Quiet Place“ unglaublich effizient erzählt. Es ist wahrlich kein Gramm Fett zu viel an dem Film. Das Pacing ist somit unglaublich gut, was aber nicht bedeutet, dass keine Zeit für ruhige Momente ist. Wenn es jedoch intensiv wird, dann gibt es keine Verschnaufpause. Ein Filmerlebnis, das mich selbst bei der Zweitsichtung auf der Sofakante sitzen ließ. Wer hier mit Logiklöchern kommt, der/dem kann ich auch nicht helfen. Ich war zu keiner Sekunde in Versuchung, über mangelnden Realismus nachzudenken, denn für mich ist die Logik des Films in sich schlüssig und konsistent. Und er ist einfach unfassbar mitreißend.
Fazit
Mir hat „A Quiet Place“ heute noch besser gefallen als bei der ersten Sichtung vor drei Jahren. Nun freue ich mich schon unglaublich auf die Fortsetzung, für die ich tatsächlich die Hoffnung habe, dass Krasinski die Geschichte der verbleibenden Familie Abbott schlüssig weitererzählt. Ein wunderbarer Film: 9/10 Punkte.
Nachdem wir gestern keinen Filmabend mit der ganzen Familie hatten, musste natürlich heute zum Ende der Herbstferien noch einer veranstaltet werden. Pixars „Onward: Keine halben Sachen“ wollten wir eigentlich im Kino sehen, doch dann kam Corona und alle Pläne dieser Art waren dahin. Nun habe ich mir jedoch endlich die 3D-Blu-ray zugelegt und wir haben das Kino einfach nach Hause geholt… 👖💎🐉⚔
Zunächst einmal ist mir aufgefallen, wie unfassbar perfekt „Onward“ technisch umgesetzt ist. Vielleicht ist mir dieser Umstand deshalb so sehr aufgefallen, weil
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Nachdem wir gestern keinen Filmabend mit der ganzen Familie hatten, musste natürlich heute zum Ende der Herbstferien noch einer veranstaltet werden. Pixars „Onward: Keine halben Sachen“ wollten wir eigentlich im Kino sehen, doch dann kam Corona und alle Pläne dieser Art waren dahin. Nun habe ich mir jedoch endlich die 3D-Blu-ray zugelegt und wir haben das Kino einfach nach Hause geholt… 👖💎🐉⚔
Zunächst einmal ist mir aufgefallen, wie unfassbar perfekt „Onward“ technisch umgesetzt ist. Vielleicht ist mir dieser Umstand deshalb so sehr aufgefallen, weil ich in letzter Zeit mit „Shrek“ und Co. doch einige Animationsfilme gesehen habe, die bereits ein paar Jahre auf dem Buckel haben. „Onward“ sieht in vielen Szenen fotorealistisch aus, was in Kombination mit den fantastischen Elementen für ein extrem immersives Gefühl sorgt. Auch das dezent und doch äußerst effektiv eingesetzte 3D trägt zu dieser Wirkung bei. Audiovisuell ist das moderne Fantasy-Abenteuer somit eine Wucht. Doch wie sieht es inhaltlich aus?
Ach, Pixar. Du schaffst es doch immer wieder, all die richtigen Knöpfe bei mir zu drücken. Eine Coming-of-Age-Geschichte, kombiniert mit dem Tod des Vaters und nostalgisch angehauchtem Eskapismus. Was kann man daran nicht lieben? Der Kniff, nur den Unterleib des Vaters zurückzubringen ist großartig! Die zugehörige Auflösung am Ende hat mir die Tränen in die Augen getrieben. Oh man, Pixar, wie machst du das nur immer wieder? Hinzu kommt die klassische Heldenreise, die hier beinahe schon als Metakommentar zu lesen ist, und dabei doch unglaublich wahrhaftig wirkt. Durch das Thema und die jugendlichen Protagonisten wirkt „Onward“ deutlich weniger kindlich als viele andere Animationsfilme und ist dennoch für Kinder bestens geeignet. Sowohl das Zappelinchen als auch der Zwergofant waren mehr als begeistert.
Fazit
Ich finde es wirklich schade, dass „Onward“ durch die Corona-Krise so hart getroffen wurde und nun sein Dasein auf Disney+ fristen muss. Freunden von haptischen Medien sei gesagt, dass die Blu-ray-Box inklusive Bonus-Disc gar wunderbar gelungen ist. In jeder Hinsicht eine dicke Empfehlung. Bei der nächsten Sichtung könnte sogar noch locker ein Punkt mehr drin sein: 9/10 Punkte.
Nach einer kurzen Arbeitswoche, die sich aber wie eine komplette angefühlt hat, habe ich mich abends auf einen Filmabend gefreut. Normalerweise brauche ich immer etwas länger, bis ich mich für den richtigen Film entschieden habe, doch heute ist die Blu-ray von „Jojo Rabbit“ sofort in den Player gewandert. Taika Waititis Film wollte ich schon unbedingt im Kino sehen, doch leider lief er nicht mehr, weshalb wir auf „Knives Out“ ausweichen mussten. Doch heute war es endlich soweit… 🐰
Im Vorfeld gab es viel Gerede, ob man denn über Hitler und das Grauen dieser Zeit lachen dürfe. Mir stellte sich diese Frage gar nicht, denn spätestens nach dem wundervollen „Wo die wilden Menschen jagen“ war mir klar, dass Taika Waititi einer der wenigen Regisseure ist, welche die delikate Balance zwischen Humor und Drama auf den Punkt zu treffen vermögen. Und so ist es auch in „Jojo Rabbit“, in dem Taika Waititi selbst als imaginärer Hitler auftritt. Dieser ist so überzogen angelegt, dass nie Zweifel besteht, dass er nur eine Reflektion der Gedankenwelt des Hitlerjungen Jojo ist und mit der historischen Figur nur wenig zu tun hat. Den selbst erklärten Nazi Jojo sympathisch zu zeichnen, ist wohl das große Kunststück des Films, was in großen Teilen dem jungen Schauspieler Roman Griffin Davis zuzuschreiben ist. Jojos Entwicklung über den Verlauf des Films, ist der emotionale Kern der Geschichte.
Überwiegen im ersten Drittel noch die humorigen Zoten, entwickelt sich im zweiten Drittel ein behutsames Drama. Scarlett Johansson spielt Jojos Mutter und gibt dieser in ihren wenigen Szenen eine solche Tiefe, dass es bemerkenswert ist. Die wichtigste Beziehung im Film ist jedoch die zwischen Jojo und dem jüdischen Mädchen Elsa, gespielt von Thomasin McKenzie, welche seinen kompletten Charakter neu formt. Das letzte Drittel des Films entwickelt sich dann zum bitteren Kriegsfilm, welcher jedoch immer noch von feinem Humor durchzogen ist.
Ein emotionaler Schlag in die Magengrube
Schon lange hat es kein Film mehr geschafft, mir so die Füße unter dem Boden wegzuziehen. Dabei war die Entwicklung völlig absehbar und auch nicht überraschend. Doch die Art und Weise, wie Taika Waititi (auch Regisseur von „5 Zimmer Küche Sarg“) uns Zuschauern und auch Jojo diesen einen verlustvollen Moment präsentiert (Stichwort: Schmetterling), ist einfach nur meisterhaft. Danach ging bei mir erst einmal gar nichts mehr. Dabei war das bei weitem nicht die einzige emotionale Szene des Films. Ich denke hier gerade an Sam Rockwells Figur oder auch Jojos Freund Yorki.
Obwohl Taika Waititi „Jojo Rabbit“ sehr modern inszeniert und die Klischees des Kriegsfilms weitgehend auslässt, so gelingt es ihm famos, uns das Dritte Reich glaubhaft durch die Augen eines zehnjährigen Jungen nahezubringen. Die Botschaften des Films sind weder subtil noch werden sie verkünstelt erzählt, doch sie sind vielfältig, wahrhaft und universell. Lasst uns den Kindern ein Vorbild sein und das heute mehr denn je. An dieser Stelle auch noch einmal danke an den Nerdtalk-Podcast für den famosen Gewinn:
Ihr habt es vermutlich schon rausgelesen: Mich hat „Jojo Rabbit“ über die Maße begeistert. Damit konnte sich Taika Waititi bisher mit jedem Film noch einmal steigern. Ich hoffe sehr, dass er neben großen Franchise-Filmen à la „Thor: Ragnarok“ weiterhin kleine Perlen wie diese dreht. Eine dicke Empfehlung: 10/10 Punkte.
Eigentlich war ich heute Abend unglaublich platt, als wir vom Schwimmen zurückgekommen sind. Dann jedoch haben die Kinder den drängenden Wunsch nach einem Filmabend geäußert und aus irgendeinem Grund haben wir Eltern diesem nachgegeben. Dafür habe ich mich mit Pixars „Soul“ für einen Film entschieden, den ich selbst schon lange sehen wollte. Ob er auch bei den Kindern ankam, erfahrt ihr in der folgenden Besprechung… 🎹🎶🎷
Man hat über „Soul“ ja schon einiges gehört. Der Film ist ja bereits mit einigen Vorschusslorbeeren gestartet. Also auf Disney+, denn Kino war ja leider nicht. Auch die meisten Be
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Eigentlich war ich heute Abend unglaublich platt, als wir vom Schwimmen zurückgekommen sind. Dann jedoch haben die Kinder den drängenden Wunsch nach einem Filmabend geäußert und aus irgendeinem Grund haben wir Eltern diesem nachgegeben. Dafür habe ich mich mit Pixars „Soul“ für einen Film entschieden, den ich selbst schon lange sehen wollte. Ob er auch bei den Kindern ankam, erfahrt ihr in der folgenden Besprechung… 🎹🎶🎷
Man hat über „Soul“ ja schon einiges gehört. Der Film ist ja bereits mit einigen Vorschusslorbeeren gestartet. Also auf Disney+, denn Kino war ja leider nicht. Auch die meisten Besprechungen danach waren sehr positiv, doch unter diesen fanden sich auch einige Stimmen, die meinten Pixar hätte hiermit einen reinen Kunstfilm für Erwachsene abgeliefert. Kinder würden sich langweilen oder keinen Zugang finden. Insofern war ich durchaus gespannt, mit was für einen Art von Film ich letztendlich rechnen könnte. Zu Pixar gehört es ja, dass die meisten Filme (z.B. „Coco“) von allen Altersklassen geliebt werden können. Bis zu einem gewissen Punkt war ich mir bei „Soul“ da selbst nicht so sicher…
Meine Sorgen sollten allerdings unbegründet sein: Die Handlung auf der Erde ist ziemlich realistisch inszeniert. Zwar besitzen alle Charaktere, inklusive Joe Gardener (übrigens die erste afroamerikanische Hauptfigur in einem Pixar-Film), eher einen Cartoon-Look, doch Schauplätze und Kamera könnten auch einem Realfilm entspringen. Ganz anders sieht es dann im Davorseits aus, welches eher abstrakt dargestellt ist. Hier habe ich mir auch für einen kurzen Moment gedacht, dass diese Abstraktionsebene, sowohl inhaltlich als auch visuell, vielleicht zu viel für die Kinder sein könnte. Dann jedoch springt der Film in eine herrliche Body-Switch-Komödie, welche teils zum Brüllen komisch ist und doch unfassbar viel Herz besitzt. Spätestens hier hatte „Soul“ uns alle für sich gewonnen. Das Finale ist dazu noch so herzerwärmend, dass mir fast eine Träne über die Wange gekullert ist. Seufz. Einfach schön.
Fazit
Für mich reiht sich „Soul“ zweifellos in die ganz großen Pixar-Werke ein. Inhaltlich ist der Film wunderbar ideenreich und unterhaltsam. Hinzu kommen die technischen Aspekt, die einfach nur beeindruckend sind. Ein voller Erfolg und das für die gesamte Familie. Pixar hat es einfach immer noch drauf: 10/10 Punkte. (Zappelinchen: 10/10 Punkte; Zwergofant: 9/10 Punkte.)
Obwohl es heute regnerisch und kalt (unter 15 °C) war, wollten wir den Silber-Schwimmkurs nicht ausfallen lassen. Also habe ich mich mit dem Zwergofanten und seinem Cousin auf den Weg gemacht und war auch gleich selbst eine Runde schwimmen… 🏊♂️
Bahnen: 30 x 50 m Distanz: 1.500 m Zeit: 00:40:45 Züge insgesamt: 965 Ø Pace pro 100 m: 02:43 Ø Schlagrate: 24 Züge/min Ø Swolf: 114 Ø Temperatur: 21 °C Energie: 379 kcal
2021: 13,75 km August: 3,0 km
Nachdem ich meine 30 Bahnen (davon 15 im Freistil) zusammen hatte, hat es schon angefangen zu tröpfeln und zwei Minuten später hat uns der Platzregen voll erwischt. Bis wir mit dem Rad wieder zu Hause waren, war nichts mehr trocken und wir drei waren extrem durchgefroren. Ein Hurra für die warme Dusche! 🚿
In den letzten Wochen habe ich einmal wieder eine aktuelle Serie geschaut. Vermutlich weil mich die Prämisse ziemlich gereizt hat – und weil die Serie ganz bequem auf Prime Video läuft. Die Rede ist von „Upload – Season 1“, welche inzwischen auch den Weg in ein paar von mir abonnierte Blogs und Podcasts gefunden hat. Was die Serie rund um den Upload in den kostenpflichtigen Social-Media-Himmel kann, erfahrt ihr in der folgenden Besprechung… 💀⛪👨💻
„Upload“ besitzt eine Prämisse, wie ich mir einzelne Episoden von „Black Mirror
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In den letzten Wochen habe ich einmal wieder eine aktuelle Serie geschaut. Vermutlich weil mich die Prämisse ziemlich gereizt hat – und weil die Serie ganz bequem auf Prime Video läuft. Die Rede ist von „Upload – Season 1“, welche inzwischen auch den Weg in ein paar von mir abonnierte Blogs und Podcasts gefunden hat. Was die Serie rund um den Upload in den kostenpflichtigen Social-Media-Himmel kann, erfahrt ihr in der folgenden Besprechung… 💀⛪👨💻
„Upload“ besitzt eine Prämisse, wie ich mir einzelne Episoden von „Black Mirror“ immer vorgestellt habe (ohne die Serie je gesehen zu haben): In der nahen Zukunft kann die Seele von Verstorbenen digitalisiert und in die Cloud geladen werden, wo sie (je nach Bankkonto) allen Luxus des digitalen Himmels erfährt. Dabei können die Verstorbenen mit ihren Hinterbliebenen kommunizieren und somit quasi weiterhin am Leben teilhaben. Aus dieser Idee hätte man alles mögliche stricken können: Ein Sci-Fi-Drama, einen High-Tech-Thriller oder eben, wie in diesem Fall, eine romantische Komödie mit satirischen Elementen. Teils erinnert die Serie ein wenig an „The Good Place“, was ich erst nach „Upload“ begonnen habe zu schauen, geht letztendlich aber doch einen ganz eigenen Weg.
Was hat für mich den Reiz von „Upload“ ausgemacht? Neben ziemlich treffenden Gags auf Kosten unseres Nutzungsverhaltens digitaler Medien, mochte ich die gesamte Zukunftsvision und die Liebesgeschichte sehr gerne. Weniger gut funktioniert haben für mich die Thriller-Elemente. Gerade das Staffelfinale war in dieser Hinsicht wirklich eine Enttäuschung. Davon abgesehen hatte ich aber stets viel Spaß in Lakeview und den darin agierenden Personen – und das sowohl on- also auch offline.
Fazit
„Upload“ ist eine wirklich erfrischende Comedy-Serie, die ihren Finger oft treffend in die Wunde legt. Dabei erzählt sie eine erfrischende Liebesgeschichte und stellt ein paar spannende Fragen. Leider gibt es auch ein paar Elemente, die nicht so wirklich funktionieren wollen. Ich freue mich dennoch auf die zweite Staffel: 8/10(8.2) Punkte.
Nach meinem Ausflug in die Welt der Kleinkriminellen mit der Amazon-Serie „Sneaky Pete“, habe ich mich einer brandaktuellen deutschen Serie gewidmet. Der Zeitpunkt, „Sløborn – Staffel 1“ ins Programm aufzunehmen, hätte nicht besser sein können. Oder nicht schlechter. Das kommt vermutlich ganz auf die Persönlichkeit der Zuschauer an. Ob sich der Virus-Thriller denn lohnt, erfahrt ihr im Folgenden… 💉
Noch bevor ich wusste, worum es bei „Sløborn“ konkret geht, ist die Serie auf meinem Radar gelandet, weil Christian Alvart der kreative Kopf hinter der ZDF-Produ
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Nach meinem Ausflug in die Welt der Kleinkriminellen mit der Amazon-Serie „Sneaky Pete“, habe ich mich einer brandaktuellen deutschen Serie gewidmet. Der Zeitpunkt, „Sløborn – Staffel 1“ ins Programm aufzunehmen, hätte nicht besser sein können. Oder nicht schlechter. Das kommt vermutlich ganz auf die Persönlichkeit der Zuschauer an. Ob sich der Virus-Thriller denn lohnt, erfahrt ihr im Folgenden… 💉
Noch bevor ich wusste, worum es bei „Sløborn“ konkret geht, ist die Serie auf meinem Radar gelandet, weil Christian Alvart der kreative Kopf hinter der ZDF-Produktion ist. Erst kürzlich hat mich Alvart mit seinem Thriller „Freies Land“ beeindruckt und bereits vor ein paar Jahren ist mir sein Hollywood-Werk „Pandorum“ positiv aufgefallen. Auch „Sløborn“ trägt seine Handschrift und, im Gegensatz zu vielen anderen deutschen Filmemachern, steht bei ihm der Unterhaltungswert ganz oben. Mehr Popcorn als Arthouse, was ich in jeder Hinsicht positiv meine. Betrachtet man die Serie aus aktueller Perspektive, dann wirkt sie manchmal fast schon anbiedernd in ihrer Art und Weise, den Umgang der Inselbewohner mit der Bedrohung durch den Virus, zu erzählen. Eben ziemlich genau so, wie die aktuelle Lage in Zeiten von Corona bzw. COVID-19 ist, nur auf 11 gedreht. Inklusive Abstandsregeln, Masken, Querdenkern Ansteckungsketten usw. Will man das denn jetzt sehen?
Tatsächlich wurde „Sløborn“ bereits 2018 konzipiert und 2019 gedreht. Ende 2019 bis 2020 befand sich die Serie in Postproduktion und auch wenn einige Corona-Verweise darin bestimmt noch geschärft wurden, so ist es doch beängstigend, wie genau (und eben auf 11 gedreht) die Serie doch den Beginn einer Pandemie zeichnet. Der darin grassierende Taubenvirus ist natürlich viel tödlicher als Corona und der Ausbruch wird, trotz der eher gemächlichen Dramaturgie (eben slow burn), recht schnell erzählt. Viele Elemente wirken dennoch erschreckend vertraut.
Kleinstadt-Drama trifft auf Virus-Thriller
So mitreißend und plakativ auch das Thriller-Element ist, so seifenoperartig wirken teils die unterschiedlichen Erzählstränge, die das Ereignis begleiten. Egal ob es sich um den Autoren im Drogenentzug handelt, die Teenagerin, die eine Affäre mit ihrem Lehrer hat, oder die jugendlichen Straftäter, die auf der Insel rehabilitiert werden sollen. Da wirkt schon viel konstruiert und mit der Brechstange erzählt. Aber das macht nichts, denn das habe ich mir viel lieber angesehen, als wenn es sich bei „Sløborn“ um ein todernstes Virus-Drama gehandelt hätte. Denn ja, manche Szenen sind aufgrund der Nähe zu den aktuellen Ereignissen nur schwer zu ertragen. In den letzten beiden Episoden überschlagen sich die dramatischen Geschehnisse und als Anhänger von Verschwörungstheorien könnte man hier neues Futter bekommen. Es wäre sehr spannend zu sehen, ob man die Entwicklung der Geschichte aus heutiger Perspektive genauso erzählt hätte.
Fazit
Die erste Staffel von „Sløborn“ hat mir wirklich gut gefallen. Sie bietet keinen verkopften Umgang mit einer Pandemie, sondern ziemlich reißerische und plakative Unterhaltung. Somit freue mich schon auf eine zweite Staffel. Gerade im Hinblick auf die Entwicklung der realen Pandemie dürften die Autoren vor neuen Herausforderungen, aber auch neuen Chancen stehen: 8/10(7.8) Punkte.
Sneaky Pete – Die komplette Serie (Staffel 1 bis 3)
Nach dem Ausflug in deutsche Seriengefilde sowie einer dicker Ladung Comedy, bin ich mit „Sneaky Pete“ wieder zu einer amerikanischer Drama-Serie zurückgekehrt. Dabei war die Serie zunächst eine Notlösung, da ich über den Sommer kein riesiges Projekt (z.B. „Justified“) angehen wollte und nach einer kürzeren, bereits abgeschlossenen Serie Ausschau gehalten habe. Wer hätte gedacht, dass ich ein solches Kleinod entdecken würde? 💸
„Sneaky Pete“ gehört zu den Serien, für die zunächst Pilot-Episoden produziert wurden, und die Amazon-Kunden letztendlich abstimmen konnten, welche davon wirklich in Serie gehen sollen. Nach der Sichtung kann ich nun sagen: Da habt ihr gut abgestimmt! 👍
Staffel 1: Wirklich sneaky, dieser Pete!
Zu Beginn wirkt „Sneaky Pete“ noch wie eine lockere Gauner-Komödie. Auch später sind diese Aspekte noch in der Serie zu finden, jedoch erinnert der Ton eher an die Filme der Coen-Brüder und ist somit doch düsterer als „Ocean’s Eleven“ und Co. Auch an Tarantino musste ich häufiger denken, gerade wenn Bösewicht Vince (gespielt von Bryan Cranston) ins Spiel kommt. Überhaupt wirkt es manchmal so, als hätte sich Cranston als Produzent der Serie, nach dem Erfolg von „Breaking Bad“, eine weitere Figur auf den Leib schreiben lassen. Über den weiteren Verlauf der Staffel gewinnen auch die Nebenfiguren an Charakter und es kommt eine richtig schöne Kleinstadt- bzw. Familienatmosphäre auf. Dieser Aspekt ergänzt die Gangster-Geschichte auch ziemlich gut, die am Ende zwar ein wenig konstruiert wirkt, aber auch viel Spaß macht. Damit wäre die Handlung eigentlich abgeschlossen und der Cliffhanger wirkt ein wenig forciert. Dennoch kann ich mir vorstellen, dass die Abenteuer von Pete bzw. Marius auch weiterhin unterhaltsam bleiben: 9/10(8.7) Punkte.
Staffel 2: This time it’s personal!
Der Plot der zweiten Staffeln hat sich für mich zu Beginn ein wenig gewollt angefühlt. Plötzlich taucht eine neue Bedrohung aus dem Nichts auf. Und natürlich zeigt diese, dass Pete bzw. Marius in Wirklichkeit doch ein netter Kerl ist, dem seine neue Familie durchaus am Herzen liegt. Über den weiteren Verlauf der Handlung erweist sich diese klischeehafte Entwicklung jedoch als geschickter Schachzug, da der neue Con mindestens ebenso stark von Petes Mutter Maggie (also dem richtigen Pete) wie von Marius abhängt. Durch die dadurch entstehende Spannung, sowie einem weiteren fiesen Gegenspieler, und viel Familiendrama auf Seite der Bernhardts, vollführt „Sneaky Pete“ eine Entwicklung, die mich an eine Mischung aus „Six Feet Under“ und „Ocean’s Eleven“ denken ließ. Die Geschichte ist weiterhin recht überkonstruiert, wenn man das der Serie jedoch abkaufen kann, dann macht „Sneaky Pete“ auch im zweiten Jahr enorm viel Spaß: 9/10(8.6) Punkte.
Staffel 3: Ein rundum gelungener Abschluss
Hatte man in der vorhergehenden Staffel bereits die Familie Bernhardt mehr in den Vordergrund gerückt, so wird das in der finalen Staffel noch einmal gesteigert. In Kombination mit Marius‘ Vergangenheit (in Form von Lizzie) ergibt sich dadurch ein wunderbares Spannungsfeld. Die Verlagerung der Handlung nach Kalifornien trägt zudem dazu bei, dass sich die dritte Staffel irgendwie anders anfühlt und doch wie eine nur logische und konsequente Weiterentwicklung wirkt. Es ist gar nicht so einfach, bei den unterschiedlichen Betrügereien, die in der Staffel laufen, die Übersicht zu behalten. Noch in der vorletzten Episode waren alle Bälle in der Luft und ich konnte mir nur schwer vorstellen, dass diese den Weg zurück in Petes bzw. Marius‘ Hände finden. Am Ende hat sich jedoch alles gut zusammengefügt. Eigentlich zu gut, aber das war seit jeher ein Problem der Serie. Doch die geerdeten und wunderbar gespielten Charaktere lassen auch die größten Zufälle verzeihen. Zumindest ich werde die Bernhardts und Marius sehr vermissen: 9/10(9.0) Punkte.
Fazit
„Sneaky Pete“ ist eine dieser Serien, über die ich zuvor nie groß etwas gelesen habe. Mir ist sie nur aufgrund von Giovanni Ribisi, und weil sie eben eine Amazon-Produktion ist, aufgefallen. Und das ist sehr schade, denn sie steht anderen Serien in nichts nach und überzeugt durch wirklich famose Schauspieler und eine wunderbar dichte Atmosphäre. Kann ich wirklich nur empfehlen: 9/10(8.8) Punkte.
